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很多时候我们在看中国美术史的时候，总是感觉内容比较散乱。诸如山水、花鸟、工笔、写意、青绿、水墨，各种概念层出不穷。而当我们细细追究每个概念的时候，又总是容易困在其中的一角，而迷失在整个中国美术史的浩瀚学说中。 所以，今天就来对中国美术史的发展，做一次系统的梳理，试图发现其中的发展脉络。那既然是要贯穿整个中国美术史，所以先按时间顺序，把中国美术史作一个简单的划分，这里主要概括为五个时期，之后会逐次展开。 《龙凤仕女图》 第一个时期：从原始社会到春秋战国 这是中国最早的绘画时期。中国最早的绘画就是象形文字，称为“书画同源”。比如说元旦的“旦”字，被圆圈起来的点代表太阳，下面一横线代表地平线。这就是中国最早的旦字的写法，也是中国最早的绘画。 随着先民的生活越来越丰富，要表达的事情和情绪也日趋复杂，靠文字已经难以说明，于是文字和绘画就分开了。和文字分开后的绘画，主要作用是装饰。比如，画在当时的器皿上的题材，就多是动物。这个很好理解。我们祖先生活范围有限，绘画题材来自身边，早期主要就是画身边的动物。 夔（kuí）龙纹 而到了东周，农耕文明大发展，人物成了绘画的主要题材。在战国的青铜器上，就能看到武士骑马挥刀，大战野兽的图像。 总的来说，这段时间是先画文字，写字和画画分离以后，就开始画身边的动物和人物。绘画的意义主要是记录简单的真实生活。 王献之《洛神赋》十三行 第二个时期，从东西两汉到西晋 这一时期用一句话概括，就是毛笔成了中国画的工具。这也体现了技术进步对于绘画的影响。如果说中国美术“书画同源”的基础，是从象形文字开始，那么毛笔的使用，就是这个传统最主要的原因。 毛笔作为写字的工具，和画画的技术开始互相影响起来。比如中国书法中写“一”字，不是画一条水平横线那么简单。而是左边起点是一个小圆点，右边结束的地方会轻轻往上提起。那个圆点看上去像蚕宝宝的脑袋，被叫做蚕头；结尾的上提像鸟的尾巴，被叫做燕尾。所以你看，写字和画画因为工具的统一，又联系起来了。 王羲之《兰亭序》，冯承素摹 工具的确立，也影响了此后千年的中国绘画。因为柔软的笔体和圆锥的笔锋，使得画出来的线条充满变化。所以此后的中国画始终重视线条，而不重视色彩。 此外，这个时期延续了春秋战国开创的写实画风。而欣赏这一时期的绘画，有一个乐趣，就是像看历史纪录片。比如，军事书里说，魏晋的作战制度叫做“出战入耕”，这是什么意思呢？ 汉砖画像 在今天的嘉峪关附近的一个古墓砖画上，我们找到了答案。画面的上半部分是士兵们在操练，下半部是士兵们在耕田。原来出战入耕就是有事打仗，没事种田的意思。所以你看，绘画让史书上的抽象概念一目了然。 说到这里总结一下前两个时期，从最早的象形文字，到毛笔成为主要绘画工具，书画同源成为中国美术的一大特点。而早期的中国绘画，写实是最重要的风格，这些绘画也成为我们了解当时历史的纪录片。 阎立本《步辇图》 第三个时期，从南北朝到唐朝 从南北朝到唐代，这个时期主流的创作者是宫廷画师。宫廷画师世代相传，服务于皇家。他们类似今天的时政记者，记录领导人的各种活动。 著名宫廷画师阎立本的《步辇图》就记录了一次唐太宗的外事活动。画的右边是唐太宗坐在步辇上面（步辇其实就是类似没有顶棚的轿子），被好几个宫女抬着走动。画的左边，第一个穿红衣的是当时外交部的官员，后面紧跟着的人身穿西藏服饰，是吐蕃国的使者。 周昉《簪花仕女图》除了当记者，这些宫廷画家还是设计师。皇帝一家子的房子、衣服、家具、生活用品，他们都会参与设计。而到了唐朝中后期，国家实力衰弱，宫廷画家对政治活动画的比较少了，于是开始画宫廷妇女们的生活。 这样就出现的中国画里面一个很重要的内容，就是仕女图。如果仔细看这些侍女图案会发现，画里姑娘的妆容很像日本的艺妓。这是因为当时唐朝强大的文化，也影响到了周边地区。 李昭道《明皇幸蜀图》 此外，宫廷画师让山水作为专门题材，从绘画的背景中独立出来。在接下来的历史中，山水画成了中国绘画的最重要主题。这些宫廷画师里面，最有名的就是李思训和李昭道父子。他们被人们叫做大小李。 其中，小李有一幅画，叫做《明皇幸蜀图》，记录了唐明皇逃离首都，经历艰险道路，到四川避难的一副画。唐朝画山水，会用很浓艳的绿色，还加上金色，看上去非常华丽，这个叫做“金碧山水”。 如果总结一下这个时期，很简单，就是宫廷画师即是记者，又是生活设计师。他们还把山水，画成了中国绘画的主题。
第四个时期，是五代、两宋和元代 从五代开始，经过两宋最终到元，中国山水画达到了艺术的完美和成熟。五代的艺术家们发明了“皴”的技法，就是冬天我们皮肤被寒风冻得干裂的“皴”字。这个技法，是用比较干燥的毛笔，慢慢摩擦出一些阴影，来表现岩石粗糙的质地。 中国在五代的时候是分裂的，不同居住地的画家，用不同的皴法，描绘了不同地区的山水。
荆浩《匡庐图》局部 比如，五代有四位画家被认为是最重要的，其中荆浩和他的学生关仝，在山西和陕西那边的山里居住。所以他们画的北方山水，都是高峻的山脉上长着枯树，树上都很少有树叶。 相比之下，董源和他的学生巨然则居住在江南，所以画的都是圆圆的山坡和茂密的树木，甚至可以看到水气在蒸腾。
范宽《溪山行旅图》 后来宋朝结束了五代的分裂，而宋代的画家对于自然观察细微，甚至对于每一种岩石的纹理、水流的波纹和树叶的季节变化都认真研究。这种深受“格物”哲学思想影响的创作，把中国山水画推向了高峰。 比如，北宋大画家范宽的《溪山行旅图》，瀑布水流从高处落下，而下方却是茫茫水汽。在野外实地观察高处落下的水流，就是这样的。又比如南宋马远的《水土卷》，他用十二幅画来描绘不同水，在不同地点，不同季节的表现，这都是格物的精神。
赵孟頫《鹊华秋色图》 之后宋被蒙古人灭亡，元朝建立了。这个时代的画家对于政治失望，隐居山林，他们渴望更加自然随意的表达。这种精神发展到极致，让元代绘画呈现出一种不食人间烟火的意境。 其中，最有影响力的就是赵孟頫，他也是一位大书法家。画画方面，赵孟頫开创了自然随意的山水画笔法，成为整个元代的主流。比如他画的《鹊华秋色图》，两座大山之下的水波、树木都很随意，不像宋代人那样追求仔细。
倪瓒《容膝斋图》 其实，和宋人的格物精神不一样，元代的画家希望能自由随意一些。而发展到极致，就成为一种不食人间烟火的表达。这方面最典型的画家，就是倪瓒。他隐居起来不仅是因为不喜欢蒙古人的统治，他甚至厌恶人间。他的画里面从来不画人，只有冷清寂静的山水。 山水说到这里，总结一下山水画的发展。唐朝的宫廷画家把山水变成了绘画的独立题材；五代的画家创造了皴技法；宋代画家用格物的哲学精神，把山水画推向高峰；元代的隐居文人画家，创造了自然随意的风格，画出了冷清寂静的山水。
戴进《溪堂诗意图》 第五个时期，明清时期 明清时期，发达的商业让城市变得繁荣、富裕。致富的商人开始购买画作，使得这个时期的画家生活更加自由和独立，他们不再依附于皇家，能够作为文人兼职作画。比如大画家戴进，他就可以从宫廷辞职，专心做一名自由画家。 自由也表现在内容上。画家开始投入到热闹的市井生活中，而不再像之前，只以宫廷生活，或者饱含哲学思考的山水为题材。比如大画家仇英，开始给小说画插画；而画家陈洪绶，甚至还画了一套水浒人物的纸牌。
仇英《汉宫春晓图》 其实，就算是文人主导的山水画中，画里的重点，也已经变成了山水画中的人物。比如，山水中有渔船的场景就很常见。这个主题放在元朝，就是巨大的山水里，有一艘小小的渔船。同样的主题，换成明代的画家，就成了有人在钓鱼，有人在拿网捕鱼，还有人传递货物，对生活场景的描绘非常丰富。 好了，以上就是中国美术的历史脉络，最后我们再来总结一下。
顾闳中《韩熙载夜宴图》 最初的绘画是文字，当绘画从文字分离后，我们先人开始写实的画身边的动物和人。唐朝宫廷画家的工作，就像记者和生活设计师，他们把山水，画成了单独题材。 经过五代的皴技法，宋代的格物哲学和元代的隐居文人，山水画达到了顶峰。明清的经济繁荣，让画家投入到了热闹的生活中，市井题材是他们的最爱。 通过对这条脉络的讲述，你可以得到一个结论就是，中国美术从实用性，为帝王将相记录，表达文人政治思想，到描绘市井生活，记录人的日常生活和情感，整个历史是一条回归以人为本的道路。
张萱《捣练图》 |
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