|
-- 此文属于旧文重发 -- 因为一直以来也有在给叮当美术启蒙，所以有意识地去给他搜集一些好的资源，这其中就包括世界名画，来帮助提高孩子的艺术鉴赏力。 曾看过一句话：或许孩子现在还看不懂，但请相信，多年后，不论他走到世界的哪个角落，这些他曾欣赏过的画作，都会让他不由自主的停下脚步，触动内心那个最甜蜜的亲子共赏时光！ 网上各大论坛都逛了一圈，但是发现，这些名画合集要不就是介绍的特别官方，要不就是单纯地罗列图片没有介绍。所以花了不少时间在几百幅世界名画中，一而再地精选出既是稀世珍品，又具有很高艺术水平的30幅，用尽可能让看得懂，且印象深刻的语言风格配上了解说。也找到到了名画的现今馆藏，有机会就带娃去现场欣赏原作哦！ 欣赏名画好处多多，我就不多说了。这里建议小小孩以欣赏为主，可以给他们美的熏陶，反复看这些作品，以后可以凭印象复写。等孩子到了可以学技法的年龄，可以对着这些杰作临摹，也是学习画法技艺的一种必要途径吧。 分享的这些名画，我们自己可以先了解下，有机会讲给孩子听。 （本文有部分内容参考我很喜欢的公号：意外艺术，一个专业又有趣的艺术号，对美术有兴趣的欢迎关注） 1 达芬奇《最后的晚餐》 1494年 | 文艺复兴 意大利米兰圣玛利亚感恩教堂 《最后的晚餐》是《圣经》里的名典，画过的人不计其数。那为什么达芬奇的最有名呢？ 原来，之前的画家都把叛徒犹大画得特明显，一看就招人恨。 达芬奇这幅可不一样，看画的时候，可以和孩子们玩一把“谁是卧底”，一起分析画中人物的肢体语言，看看哪一个比较像坏人。 另外，这幅画还有一个著名的特点，就是透视法。天花板和桌子边的透视线，都能准确汇聚于耶稣的头部。这可是一幅宽9.15米，高4.28米的巨作啊，不得不佩服达老爷的功力！ 2 达芬奇《蒙娜丽莎》 1503年 | 文艺复兴 法国卢浮宫博物馆 如果说《最后的晚餐》让达芬奇脱颖而出，那么《蒙娜丽莎》则是让他彻底奠定了江湖地位。 《蒙娜丽莎》的创作时间长达几年，但是画的却是蒙娜丽莎侧身回头的“抓拍”瞬间。 达芬奇用手指沾颜料，再涂到画布上，使颜料轻而薄，这一作画手法被称作“渐隐法”。 他更是解剖了多达30多具尸体，只为更好地展现肌肉的拉伸。 最终呈现在蒙娜丽莎脸上的笑容，果然就像定格一瞬间的永恒，神秘又宁静，一直被模仿，从未被超越。 3 提香《梳妆的女人》 1502年 | 文艺复兴 法国卢浮宫博物馆 提香是文艺复兴后期的色彩大师，他对后世最伟大的贡献，就是让画面有了“色彩”。 比如《梳妆的女人》这幅画，相比脸色“蜡黄”的前辈《蒙娜丽莎》，提香的维纳斯小姐姐，脸上就像有了高级的“彩妆”。 提香是威尼斯人，文艺复兴高峰期的威尼斯富的流油，有钱了，是该臭美了。 这幅《梳妆的女人》从上到下都是戏，可以让孩子们猜一猜，正在梳妆的维纳斯在想什么？后面提镜子的大哥，难道是洗剪吹的“Tony老师”？ 4 拉斐尔《西斯廷圣母》 1513年 | 文艺复兴 德国德累斯顿茨温格博物馆 拉斐尔可是“文艺复兴三杰”里最年轻的“小鲜肉”，颜值高手艺好，年仅37岁就去世了。 “小鲜肉”是怎么进化成“大神”的呢？ 原来拉斐尔画的是人人心中最完美的女神——圣母。 在拉斐尔之前，圣母像都是威严的、不可亲近的。 而《西斯廷圣母》中，圣母从云端下凡，要送小耶稣去人间受苦了，脸上的无奈与忧郁，熟悉得像我们自己的母亲。画面的运动感，和饱含的母爱，让人产生特别的精神享受，一举成为圣母像中标志性的经典。 5 拉斐尔《草地上的圣母》 1505年 | 文艺复兴 奥地利维也纳的艺术史博物馆 拉斐尔之后，全世界都被他画的圣母洗脑了，再无人超越。 他可不是简单的“小鲜肉”，不但刻苦钻研技术，还虚心像达芬奇、米开朗琪罗等前辈学习，模仿了大量草稿，画了一系列草地上的圣母像，最后诞生了这张最厉害的《草地上的圣母》。 你看这幅画，是不是让人特别窝心，心情特别宁静？ 原来这是稳定的三角形构图，带给人的心理感受。 再加上，日常的红蓝穿搭，朴素的小胖脸，让每一个看画的人，仿佛都回到了妈妈的怀抱。 6 伦勃朗《夜巡》 1642年 | 荷兰画派 荷兰阿姆斯特丹美术馆 《夜巡》这幅三米六的大画，现在安静地陈列在荷兰首都的市中心。 画中焦点人物集中，气氛紧张，像在舞台上一样。这种光线运用，被称为“伦勃朗光” 但伦勃朗画完这幅画，就开始倒霉了。这幅画可是民兵队的“全家福“，画上的每个人都是付了钱的，凭什么前面三个这么抢戏？ 民兵小哥们一举把伦勃朗搞上了法庭，后来小伦就越来越穷。 而《夜巡》这幅画几百年里也是颠沛流离，在上次为大家推荐的纪录片《旷世杰作的秘密》中，你可以了解到它悲催的历史。 7 约翰内斯·维米尔 《戴珍珠耳环的少女》 1665年 | 荷兰小画派 荷兰海牙莫瑞泰斯皇家美术馆 “只是因为人群中多看了你一眼，再也没能忘掉你的容颜。” 三百多年来，少女的惊鸿一瞥被维米尔定格在一瞬间。 维米尔，梵高和伦勃朗是荷兰三宝。这幅《戴珍珠耳环的少女》，因为寡姐斯嘉丽·约翰逊的电影，名气就更大了。 画面采用黑色背景，珍珠耳环泛着光泽，黄蓝头巾颜色明亮，又不会喧宾夺主，秒杀各路网红明星。 少女表情含蓄又惆怅，一双眼睛欲言又止，似笑还嗔，仿佛黑夜中的一盏明灯，可净化人们的心灵。 8 委拉斯凯兹《宫娥》 1656年 | 写实主义 英国伯明翰市博物馆与美术陈列馆 这幅画距今已经有400多年了，不仅毕加索、达利等大师都对它进行再创作，直到今天，大家还在乐此不疲地cosplay。 原来这幅画大有玄机，你可以让孩子仔细观察这幅画，到底画中的主角是谁呢？ 是画面中间的玛格丽特小公主？是画名中提到的“宫娥”？还是画面左边正在作画的委拉斯凯兹本尊？ 好像画中所有人都在看一个地方，难道是正在看画的我？ 放心，委拉斯凯兹已经把答案在画中的镜子里告诉你了。 正是画外的西班牙国王腓力四世及其王后。 9 达维特 《跨越阿尔卑斯山圣伯纳隘口的拿破仑》 1801年 | 新古典主义画派 马尔曼松皇家博物馆 这幅画孩子们以后一定会在课本上看到。 达维特给拿破仑塑造了一个多威武的形象啊，背后是绵延的山丘，山上有进行中的军队，他脚跨骏马，威风八面。 难怪连拿破仑本人也非常满意，又叫画家多画了好几幅（所以有的图有色差），发给部下一起看。 达维特当时是宫廷画家，把老板画成帅气的“霸道总裁”，是他的本职工作。 他还有一幅更有名的画——《马拉之死》，画的是法国革命领导人马拉遇刺的场景，画中的马拉清秀、安详，就更让人觉得痛苦悲伤，还是等孩子们长大了，再去体会吧。 10 约翰·埃·密莱 《盲女》 1856年 | 拉斐尔前派 英国伯明翰市博物馆与美术陈列馆 彩虹那么美，可是她们却看不到。 金黄的大地，鸽子星星点点落在田野上。两个女孩依偎在一起，气氛安宁平静，连蝴蝶都落在了她们身上。 不，最美的彩虹不在眼里，在心里。 这是密莱的代表作。这幅画用色清新明亮，构图采用稳定的三角形结构，有明显“拉斐尔前派”的特点。 当时，密莱还是一位20多岁的学生，因不满成规退学，和两位同学组成了“拉斐尔前派”，推崇拉斐尔之前的早期文艺复兴艺术，对后世产生了巨大影响。 11 米勒《拾穗者》
1957年 | 巴比松派 巴黎奥塞美术馆 19世纪以前，西方的油画，不是《圣经》里的典故，就是上流社会的生活。 直到米勒的出现。 看米勒的《拾穗者》，他的真挚、他的悲悯、他的信念，仿佛一道光从1857年穿越过来，照亮内心。你甚至能闻到土地的气息，田野的芬芳。 这些正在拾穗的农妇，甚至连脸都看不清楚，因为米勒画的不是这三位农妇，是那么多的劳作者。正因如此，他的画才会感动那么多人，连梵高早期也大量模仿米勒的画。 从此，憨直的普通人也在艺术史上留下了身影。 12 马奈《吹短笛的男孩》
1866年 | 印象主义 法国巴黎奥赛博物馆 马奈是印象派的奠基人，莫奈、塞尚、梵高的大前辈。 这幅《吹短笛的男孩》，跟马奈本人一样，好像平平无奇，给人的震撼远不如他的后辈们。 但这正是这幅画惊世和叛逆的地方。 在那些要深刻、要意境，画一幅画小半年的“艺术家”们看来，这幅画一没内容，二没深意，就是个小男孩，什么都不代表，什么都不说明。 而且马奈画的时候非常快，完全改变了以前的画法！ 当时官方都不愿意收这幅作品，谁又想到百年之后，这幅画市值8亿人民币。 13 莫奈《日出·印象》
1873年 | 印象派 马蒙坦莫奈美术馆 《日出·印象》，满满都是明亮，温暖而幸福的色彩。从此， “印象派”横空出世。 他们被称作捕捉“光”和“色”的大师。 难道以前的画家就不画“光”和“色”吗？为什么《日出·印象》和前面几幅画大不一样？ 也许孩子早就知道答案。这幅画看起来就像没画完一样。 是的，《日出·印象》不是在画室里几个月甚至几年雕琢出来的。 莫奈首先走出了画室，追光而作，一天一幅画，留住光的影子。 对莫奈来说，光就是色彩，就是生命。 14 莫奈《撑洋伞的女人》
1875年| 印象派 美国华盛顿特区国家画廊 画中的女人是莫奈一生的挚爱，他的第一任妻子卡米尔。旁边的男孩，是他们七岁的儿子。 阳光明媚的夏日，微风轻轻拂起卡米尔的长裙和面纱。 妈妈和孩子在山坡草地上散步，爸爸在坡下支起画板作画。多有爱的画面啊！ 可惜的是，因为穷苦，卡米尔年纪轻轻就病死了。 莫奈从卡米尔的18岁，一直画到她生命最后一刻，并在她临终的那幅画上，留下签名中唯一的一颗爱心。 因为这份深深的爱意，卡米尔永远地活在了莫奈的画里。 15 莫奈《睡莲》组画 1918
1872年| 印象派 伦敦国立画廊、丢朗－吕厄画廊 真的是好喜欢莫奈的画，在多分享一幅。《睡莲》是莫奈最著名的系列组画。 他画的就是他家后院的池塘，年老的莫奈已经走不动了，但他仍然不肯放下画笔。 莫奈从74岁高龄开始画《睡莲》，持续12年一直画到去世，总共创作了181幅《睡莲》。 要知道他60岁就患了白内障濒临失明，你就可以想见，这位艺术家多么多么热爱画画。 和他年轻时的创作相比，《睡莲》用笔越来越粗犷，颜色越来越潇洒。 画面上仿佛每一处都那么吸引人，又都那么朦胧，仿佛是混沌初分的那一刻，神秘又诗意。 16 雷诺阿《红磨坊的舞会》
1876年 | 印象派 巴黎奥赛博物馆藏 雷诺阿是莫奈的好基友。红磨坊则是巴黎的热门地标。雷诺阿笔下的红磨坊，人头攒动，热闹非凡，先生小姐们灿烂地笑着，多开心啊！ 阳光从叶子的缝隙中，洒到每个人身上，留下点点光斑。 阳光的播撒带给人一种自然和喜悦，一切都那么美好。 雷诺阿笔下的人物，特别是他画的女孩子，都有一种幸福的状态，不用去想看不看得懂，只要静静地看，就有一种很幸福的感觉。 17 葛饰北斋《神奈川冲浪里》
1830年 | 浮世绘 日本 （麻烦把手机横过来看更清晰） 这幅画是日本最著名的画，没有之一。 江户时代的日本运输货物，经常靠小船。海上的风浪特别大，浪花卷起来比人还高。小船颠得不行，人们都吓得贴在船板上，不敢乱动。而白雪皑皑的富士山，依然静静矗立在远方。 画家葛饰北斋看到了这一幕，把它画了下来，就有了大名鼎鼎的《神奈川冲浪里》。 这幅画所代表的日本浮世绘艺术，是一种版画艺术，可以无限次复制。 所以虽然这幅画原作已经不存在了，但一点不影响他远传欧洲，深深影响印象派的画家们。 18 梵高《星夜》
1889年 | 后印象派 纽约现代艺术博物馆 前面说印象派深受日本浮世绘影响，代表就是这幅梵高的《星夜》。 是不是有点像？后世还有好多人把两幅画拼在一起。 梵高的画，陈丹青说有一种可爱的“憨”。 这个27岁才开始学画的天才，一生受尽贫穷、孤独和痛苦。 37岁梵高举枪自尽，他生前只卖出了一幅画，死后却每一笔都价值连城。 在这幅《星夜》里，他大胆的笔触，描绘出运动的星空，可以激发出孩子们无穷尽的想象力。 19 梵高《向日葵》
1889年 | 后印象派 日本东乡青儿美术馆等 命运的无情，没有吞噬掉梵高对艺术的热情。 梵高的《向日葵》最能表现这一点，浓烈的黄色，像一团火，迎着太阳去燃烧自己，多么热烈奔放。 梵高一生共创作了11幅向日葵，他给高更写信：“我的心是属于向日葵的。” “我现在正以马赛人吃蒸鱼的热情拼命画画——当你听到我画的是一些高贵的向日葵的时候，会不会感到惊讶呢？” 画家的热情，透过画传递给孩子们。当他们遇到挫折，这股热情会帮助他们，这就是艺术的力量。 20 塞尚《玩纸牌者》
1893年 | 后印象派 私人收藏 2012年，这幅《玩纸牌者》卖出了2.5亿元的天价。 这幅画是后印象派三座大山之一——保罗·赛尚的代表作。 赛尚的画风不怎么受世人喜欢，却特别受到同行的推崇，被称为“现代艺术之父”。 《玩纸牌者》中，一片片色彩构成了人物、桌子，酒瓶。 画中两个人面无表情，桌上一毛钱都没有，人家没有赌博哦！酒瓶子还泛着反光，说明两个人也没喝酒。真是认真打牌的好青年啊！ 要是把他们手里的纸牌换成手机，简直毫无违和感。 21 修拉《大碗岛上的星期天下午》
1886年 | 点彩派（新印象派） 美国芝加哥美术学院 画家修拉，一生的调色盘上只有三种颜色。 不信？仔细看这幅画，这幅画是由上万个红、黄、蓝的点构成的。 原来，修拉发现，保持色彩本身的颜色，用纯色点进行交错排列，当我们站远了再看过去，眼睛会自动进行视觉混合，就能看到一种新的色彩。 红与蓝，一个挨着一个的色点，眼睛的魔法就会把它准确地变成紫色。 修拉用自己的调色板创造出独一无二的点彩画，也创造出最鲜艳的色彩。 19世纪的点彩大师，有没有给孩子们的涂鸦一点灵感和创意呢？ 22 高更 《我们从哪里来?我们是什么?我们到哪里去？》
1897年 | 后印象派 美国波士顿美术馆 后印象派三座大山，梵高、赛尚，再就是梵高的好基友高更了。 高更本人也是个传奇boy，不仅和梵高有一段血泪故事，还被英国大作家毛姆写成了名小说《月亮与六便士》，有机会也可以和孩子们讲一讲。 高更自己说这幅《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》“远远超过所有以前的作品”。 看名字就知道，这幅画是画家对哲学的思考。当时他贫病交加，喝下毒药却被人救活。就在这样的时刻，画家以极大的热情完成了这幅画。看画时，不妨和孩子一起探讨画名中提出的问题。 23 爱德华·蒙克《呐喊》
1893年 | 表现主义 挪威国家艺术馆等 天空中，红、黄、橙色的烈焰，像是要着火了一样。 下面站着一个人，光秃秃的脑袋就像头骨，整个身体被拉成波浪形，像要融入身后的急流。他因为害怕而瞪大了眼睛，嘴里发出了吓人的尖叫！ 整个画面都弥漫着一股恐惧和焦虑。整幅画情绪饱满，不管是专业的艺术家，还是普通小白，都能在看画的一瞬间感同身受。 这就是挪威艺术家爱德华·蒙克的《呐喊》。这幅画也有四个版本，其中粉彩木板画12分钟就卖出了1亿2千万美元。 24 克拉姆斯柯依《无名女郎》
1883年 | 巡回展览画派 莫斯科特列恰科夫美术博物馆 克拉姆斯柯依是 “巡回展览画派”的领袖。 你是不是想问，难道这个画派成立就是为了到处展览吗？ 是的，你猜对了！战斗民族的脑洞大不大！ 当时血气方刚的小克，不满贵族垄断艺术，带领一帮学生自己搞展览。 这幅小克的名作《无名女郎》，就像画名一样，给人无尽的想象。 这个高冷的小姐姐，她的毛皮大衣、手镯、甚至帽子上的羽毛和佩戴的领结，都那么精致。 她眼神中透露出来的傲气、尊贵、刚毅，那肯定不是一般的“女郎”，妥妥的“女神”啊。 25 列宾《伏尔加河上的纤夫》
1870年 | 巡回展览画派 圣彼得堡俄罗斯国立美术馆 列宾被小克的巡回展览协会感动，也交了份子钱入了会。 列兵最有名的作品，就是这幅《伏尔加河上的纤夫》，在中国这幅画也是家喻户晓。 列宾来自底层，对劳动人民的悲惨命运非常熟悉。画中的景象就是他亲眼所见。当时他只有27岁，他没想到，纤夫们的生活比他印象中的还要惨，创作激情一下被激发出来。 画中，被酷晒的河岸上，11位饱经风霜的纤夫，有老有少，个个衣衫褴褛面容憔悴，精疲力竭的向前挣扎，多么令人同情！ 26 毕加索《梦》
1932年 | 立体主义 私人收藏 同样是艺术家，梵高是穷死的，毕加索是富死的。 当今世界最贵的名画，他一个人就占了三幅，比如这幅《梦》。 毕加索的抽象画，常常让人有一种“什么鬼？这也是画？”的奇妙感觉。 他彻底解构二维平面里的事物，重新组合，在一个画面里能看到女人的正脸和侧脸，这就是立体主义。 这幅画中的少女只有17岁，是47岁的毕加索的热恋情人和专职模特。 《梦》色彩鲜明，人物简单，线条和色彩自由结合。对孩子们来说，是他的画里比较好懂的。 27 亨利·马蒂斯《红色的餐桌》
1908年 | 野兽派 俄罗斯圣彼得堡艾尔米塔日博物馆 “野兽派”笔法粗放、直率，鲜艳浓重的色彩直击内心。 这幅《红色的餐桌》就是代表。画中其实没有画出餐桌的线条，而是用色彩和藤蔓花纹，建立出空间幻觉。 虽然隶属“野兽派“，但其实作者马蒂斯，是个和蔼亲切的老人，对名利毫无野心。性格和同时代的毕加索完全不一样。 马蒂斯的画，虽然色彩那么有冲击力，但总给人一种平衡、宁静的感觉。 之前为大家推荐的世界上最棒的8部艺术纪录片中的《现代艺术大师》，有更多这位可爱艺术家的故事。 28 达利《永恒的记忆》
1931年 | 超现实主义 美国纽约现代美术馆 20世纪最伟大的画家，还是个三人组。毕加索，马蒂斯，还有就是达利。 达利最有名的作品就是这幅《永恒的记忆》。 达利有一个哥哥，名字跟他一样。哥哥死了，所以达利好像代替他活着一样。 他的画，就好像都在梦境里似的。 你看这幅画，好像在海滩上，但是又出现了一个桌角。 还有达利的独特标志——软掉的时钟。 这些不可能出现在一起的事物，在达利的梦境里汇聚，这就是“超现实主义”。 29 康定斯基《黄·红·蓝》
1930年 | 抽象主义 法国巴黎国立现代艺术馆 毕加索们画的至少还能看出来是啥，这位康定斯基的画，真的是……酷毙了。 康爷认为，世界的本质是色彩和形式的和谐，他画的是规律、真理、灵魂，而不仅仅是肉眼看得见的东西。 是的，什么立体派、野兽派统统过时了，他玩的是“抽象主义”。 康爷怕咱看不懂，还出了一系列的书，《论艺术的精神》、《关于形式问题》、《论点线面》…… 康爷特别推崇像儿童一样画画，什么？你家娃儿也师从这一画派？那就让他尽情地画吧！ 30 安迪沃霍尔《玛丽莲·梦露》
1962年 | 波普艺术 私人收藏 哪怕是一卷卫生纸，只要盖上安迪沃霍尔的戳，立刻就时髦起来！ 沃霍尔把那些大众传媒里的图像，可口可乐瓶子、玛丽莲·梦露等，作为基本元素在画上重复，形成一种特有的呆板效果。 他所有作品都是印刷的，几乎取消艺术创作中的手工操作。 在当代高度发达的商业文明社会中，他的作品给人一种冷漠、空虚、疏离的感觉。 当然，对孩子们来说，安迪沃霍尔更多的像个时髦精。 有什么要紧呢？在他眼里，觉得美就行了。 ● 丹妈碎碎念 ● 这些名画真是太太喜欢了，我自己在整理的时候，感觉是要陶醉在这些画里面了。 本来想再多精选一点，就像还有很多中国名画，很多也是特别有意思的，但是篇幅太长了，怕自己啰嗦你们看不下去，文字我也是一再精简，没办法忍痛删除。如果你们喜欢，我可以做成系列的，也当是我自己在美术课上多做点功课。 |
|
|
