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我和《繁花》的缘分很深。 去年《繁花》舞台剧第一轮演出的时候，“山河小岁月”组织了粉丝观摩团，我也做过一轮关于《繁花》原著的讲解，甚至还做了一次读者《繁花》讨论会。 我喜欢向朋友们推广舞台剧《繁花》，因为这是属于上海的“海上繁华录”。 我记得之前和《繁花》的作者金宇澄老师聊过一次上海菜市场，他说起报纸刊出1940年一个上海阿姨的专栏，天天开菜单，一礼拜不重样，非常细，上海人确实讲究“翻花样”“实惠”，讲究怎么“过日脚”，这是市民阶级的特征，即使经过无数次的革命，上海市民仍然“谈吃谈穿”，非常执着。 特别印象就是，比如一个旧弄堂的上海男人会端坐家门，面对一只光鸭，戴眼镜专心拔细毛——也只有上海弄堂男人会这样做，这么精雕细刻，耗费一上午时间准备中午菜，属于上海市民男人的一种享受。 《繁花》给我的另一个感受，是里面的饭局很多，大大小小，至真园、夜东京，常熟苏州，长长短短，细细密密，有时候甚至有点厌倦了。但细细一想，人生，不就是一场又一场的饭局吗？不一样的组合，不一样的场合，饭局里的故事就不相同。 在这个夏天，舞台剧《繁花》第一季推出了复刻版。从原著还原的角度来说，是带着一种老实而虔诚的态度的。如果你是一个小说《繁花》的粉丝，你会在那里看到许多忠实的细节。我一开始担心北京观众对于上海话的陌生感，后来发现担心多余，身边一对情侣，男生似乎来自南方，女生则是北地女孩，看的过程中一直问：“这是什么意思？”“这代表什么？”小毛骂大妹妹是“小娘皮”，女生问“啥叫小娘皮？”男生戳一戳额头，说，“闹，你就是小娘皮。” 我忽然意识到，这也是“鸳鸯蝴蝶梦”。 今天的文章，来自小岁月观察团。2019年夏天，《繁花》舞台剧再出发，在上海与北京两地上演。让我们一起，做一个繁花似锦的仲夏夜之梦。 ——阿舒 了解一个陌生城市最好的方式是什么？ 有人是通过食物，干丝雪白，萝卜嫣红，让人嗅到了扬州的烟花三月；有人是通过风景，石塔印月，湖心映雪，瞬间定格了杭州的如水蟾光。更有人是通过参观走走停停，琉璃瓦丹朱墙的紫禁城，横平竖直却又错综复杂的胡同，勾勒出了小岁月现在生活的城市北京。 看完舞台剧《繁花》第一季复刻版，我意识到，了解一座城市最好的方式，可以通过舞台剧。“舞台剧就像一把钥匙，打开了你与这座城市之间永远打破不了的那堵水晶玻璃门。你打开了，就和这座城市融合在一起了。”导演马俊丰如是说。 看懂了《繁花》，就是看懂了上海这座城。  《繁花》的舞台剧化，是为了让更多非本土人士了解上海这座城。 相比小说，舞台剧《繁花》表演是立体的，它把小说变成舞台上的现实；尽管演绎的只是片段化的日常和世相的边角，但那些流动的舞台、克制的灯光、优雅的用词，以及摩登大胆的多媒体和电子乐演绎，都带给观众强烈的视听觉冲击和情感体验，不知不觉，一个嘈嘈切切、堆叠人情世故的上海就浮现于你的眼前。  ▲ 《繁花》舞台剧的中心是一个大圆盘，剧中人在上面行走最终回到原点，这其中有一种命运轮回的味道。 众生痴相，舞台剧《繁花》延续了小说的庞杂与格局，男男女女，浮华一生，莫过一个痴字。  人世间，百般痴态，汇聚谱写了《繁花》。也正是因为种种痴相的存在，舞台上的那些人物才如此鲜活。他们从来不是剧中人，而是你身边的某个朋友，而发生在他们身上的事，就像是发生在我们自己身边的事一样。 如同小说卷首语所说的那样——“上帝不响，像一切全由我定。”舞台剧《繁花》有这样的魅力，观众们不由自主地脱离上帝视角，将自己的心，放到舞台情境中，跟着剧中人一起哭一起笑，哭笑他们的痴。  ▲ 《繁花》舞台剧的高潮落泪一幕，姝华读信。 个性淳朴耿直的小毛，在吃到生日蛋糕时高兴地要表示要与众人义结金兰，在偷听到银凤向大家提及自己要结婚的消息时感到羞辱愤怒，一气之下发狠与大家断了联系，这是痴；看似钻石王老五的阿宝，身边追求者不断，心中却始终放不下儿时那个弹钢琴化作金鱼的小妹妹，这也是痴；少年时期有点激进喜欢明哲保身的沪生，长大之后化身佛系男子，却始终逃不出阴郁和暗淡，他过去最纯真的追寻和理想，早已随着诸事灰飞烟灭，徒剩寂寥与淡然，这也是一种痴…… 除了演绎各种人的执念与痴态，小岁月观察团还有三个理由，向你隆重推荐舞台剧《繁花》，都来自我们第一手观剧体验。台词、叙事、勾连时代，无一不繁花，幕起待君来。  沪语，是最上海，也是最上海人的演出台词。  语言，可以说是一种极为高级的艺术形式。 就像德里达所说的那样，语言总是保持了差别，并且充满了多重意义与暧昧性。它隐藏着各种文化信息，和地域以及那里的人密切相关，具有强烈的代表性，又是流动的、多变的，可以完整地体现一个城市的风貌。 即使你不懂当地方言，也能从中猜测出当地人性格一二：东北话爽朗直接，天津话幽默利索，重庆话快起来像机关枪打连珠炮，上海话则是软软的、糯糯的，像嚼花生糖。即使不是本地人，但听多了，也同样能感受到其中暗含的嗲嗲的性感。  就像电影要看原版一样，上海人的故事就是要讲上海话。言如其人，正是这样的上海话将书里的平面世界变成了舞台上的“口述历史”，支撑起了整个舞台剧的脉络与灵魂。 舞台剧《繁花》此前在北京市场的成功，一票难求，也正说明了沪语台词，是塑造人物的必要手段，沪语源自每个人物的灵魂深处，一张嘴就是阿宝和沪生，自然地一幕幕之间生长，指向人心。  我顶顶喜欢的一幕，是嚣扬跋扈的汪小姐，向两个外地闺蜜得意洋洋的描述在徐州遇到的“上海老派男人”如何妥帖周到的那一段： 下午醒过来，模模糊糊，躺在一张雕花帐子床里，懒懒起身，老派男人端茶过来，放了唱片，备了洗澡水妥帖周到。最后，两人坐在窗前，边上是雅致茶几，古薰里飘来了上好檀香。老派男人换了几张唱片，留声机慢慢转，有一首唱的是，我等着你回来/我想着你回来/等你回来让我开怀/你为什么不回来/我要等你回来/还不回来春光不再。 这段话用咿咿呀呀的上海话念出来，自带一种绕梁不绝的慵懒余韵，连着那“蟾光如水浸花墙，香雾凝云笼幽篁”的苏州评弹，也不由自主地笼上一层小资情调的轻纱。你会忽然意识到，这才是属于那个时代人的高级浪漫呀！  当然，《繁花》注定是要开出上海的，沪语不会成为舞台表演的藩篱，考虑到非沪籍观众的观剧便利，演出是有字幕器的。 平淡的，琐碎的舞台叙事，就像绵密的织锦，絮絮叨叨也是一种娓娓道来。  如果你曾经对《繁花》小说略知一二，大概能够猜测出这部小说改编成舞台剧的困难性。 所有人物，爱恨情仇交织在一起，就像剧中人物李李所说的那样“潮潮翻翻”，重合、叠加、混杂、反复，很难理出个真正的头绪。舞台剧抽丝剥茧，3个小时，以阿宝、沪生、小毛三兄弟的情谊及感情生活为经线，再逐渐辐射到别的人物故事去，用平实细密的针脚，扎实地勾勒这幅海派浮世绘。舞台呈现上，也刻意减少单调的旁白叙述，让观众与角色一起融入到整个剧情，身临其境地感受上海这座城市的变迁和浮光掠影。 多线程的叙事方式乍看之下信息量极大让人难以接受，但这种繁杂细密也恰恰是《繁花》的魅力所在—— 观众不用再被情节牵着走，每个人可以在任何时候、任何场景产生属于自己的独特审美经验：你可能在上一秒还在鄙夷汪小姐的轻浮与爱慕虚荣，下一秒就可怜起她“只想生个小囡”的单纯与悲凉；前一分钟还在感叹徐总作为老油条的冷漠无情，下一刻就对他即使落入窘境也不忘托阿宝带信封而唏嘘……尽管没有强烈的波澜起伏和情感冲击，但每一件事每一个人，都像是飞花扑蝶、草蛇灰线，看似东拉西扯、没头没脑，事实上一个个小小波澜冲撞起来可以激起千层涟漪，戏剧化的矛盾冲突就藏在日常化当中，最终，汇成一条壮丽大河。 舞台剧勾连了60年代与90年代两个大时代，时代起起伏伏，人生花开花落，繁花上演。 60、90，时代跳脱，交叉。年代看似遥远，又相得益彰。舞台剧把交叉性的时代叙事，延续，放大：60年代的纯真；90年代的迷醉，平静与喧嚣，在黄浦江之畔，互文上演，正如同人生的起伏跌宕。这，才是上海这座城市真正的模样。 两个时代，为演员的表演留出了足以大量发挥的断层和空白。这种体验就像是在看八大山人的水墨画，明明画中背景空旷，分不清水波还是雾霭，却依旧能够激发观众的想象，显出鱼游海里、鸟飞云端。正是这种中国水墨画式的空间留白给了舞台剧更多元的发挥和填补的可能性。 能够看出来，导演和演员们在不少场景中加入了自己的理解，比如少年时期的沪生和姝华情窦初开，两人的亲密并不是牵手或者拥抱，取而代之的是极为纯真的“头碰头”，正是这样的肢体语言，与时代是非常相宜的。观众心领神会，这是“真正在演60年代的故事”。 再比如，最后谢幕前，有一个所有回忆一掠而过的场景，配乐融入了导演的私心，叫做《太空重逢》，这段带有未来色彩的电子乐不仅和整部话剧融合得天衣无缝，还带有一丝丝库布里克拍摄《2001太空漫游》式的哲思，以及宿命的意味。交叉时代叙事的强大留白，可以对跨时代的东西兼容并包。 对于当下的人们，如果你去问，上海是什么？ 有人会说是个扑朔迷离的魔都，也有人会说是个瞬息万变的网红城市，但拨开表面去看更深处，你会发现那些早已逝去的咸菜大汤黄鱼味道、那些略带慵懒的灯红酒绿莺声燕语，才是上海这座城市的底色。 这一次，舞台剧《繁花》第一季复刻版的使命，就是带着全新的蜕变，向更多没有在上海生活过的人们还原这样的底色。就像导演马俊丰告诉我们的那样，“它让我们知道了我们当下生活的城市是什么颜色，又有什么样的颜色叠加了上去。也让我们知道现在的我们带来了哪些东西，又有哪些东西在历史的长河中被冲刷掉，被留下来。” © 剧照摄影：尹雪峰 《繁花》上海场即将开演 ⏱6月27日至30日 |
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