正值“影视凛冬”一周年之际，编剧对“职业寒冬”感受如何？行业洗牌会对创作态度和创作品质带来怎样的影响？亲历环境与自身的剧变，编剧的职业路径又会发生什么样的转向？当越来越多的观众意识到故事、人物之于一部作品艺术完成度的重要性，编剧是否承担了外界过多的归责？编剧王倦将在本篇分享对编剧话语权和创作自由的看法。
由设计转做编剧，他的职业路径正如他的作品一般，充满反转。“不像个编剧”是他对于自身的评价，他严格区分编剧工作与自身生活。在内容创作上，王倦也是少见的独树一帜，其代表作《大宋少年志》与《舞乐传奇》充满了层出不穷的反转与烧脑情节，他也因此被誉为国产编剧中的美剧派。
追求新意、厌倦重复是王倦的创作标准，他在不断为难自我中实现突破，也在行业震荡中坚持内容创作者的初心。影视寒冬的影响得分两面看：以前是大家扎堆拍戏，现在剧组开机的数量减少后，大家更认真地对待剧本与剧集创作，在拍戏过程中更加精益求精。从行业整体发展来看是好事一桩。但同时拍摄的戏少了，对编剧或者演员的需求量也就在减少。因此很多还没出名的演员或者编剧，在这个时期并不容易渡过。随之而来是观剧环境的改变，编剧与观众的沟通也愈发顺畅，各类反馈评价都能迅速被看见。好处是编剧可从中发现观众的喜恶：他们讨厌什么样的情节、讨厌什么样的角色、更喜欢什么。需要注意的是编剧不能被观众牵着走，为讨好观众而创作剧本和人物。同样，编剧也不能因为观众讨厌某个角色就避开这些不写。
编剧与观众的沟通变多之后，会发现为什么观众会讨厌某种角色、某种情节。也许是观众觉得剧情套路太多，也有可能是人物塑造得太苍白，他们没法接受这种概念性的人物。这些发现是有助于编剧更好地塑造人物角色。而这种后期的反馈，也是检验作品是否成功的标准。有时候我们会看到观众戏称要给编剧寄刀片，一部分是开玩笑，属于某个良好交流的开端；另一个可能是观众在表达自己的愤怒，认为编剧有问题。这恰好证明观众的鉴赏能力在提高，他们比以前更专业。现在他们很清楚地知道哪方面是演员的问题，哪方面是剧本的问题。随着观影渠道的增多，观众的观剧量也在上升，所以观众们较之从前也更成熟和专业。这也会迫使编剧写出更加专业、有趣的东西。编剧与观众的关系有时候像一种博弈的状态。对编剧来说，你如果做不到观众的需求也没关系。只要关注自身，写出自己最有表达欲望的东西，而不是跟风大众的需求。要知道跟风往往吃力不讨好，不仅没有自己的特色，反而还容易被骂。编剧的动力源于内心主动的表达欲望，如果只是被逼写故事，他在创作过程中会感到非常痛苦。这种痛苦与纠结也会延续到编剧的作品里面，让观众也很痛苦。事实上在我看来纯粹以市场为导向，会出现完全为讨好观众而写的作品。因此编剧需要在深层次了解观众需求的基础上，仍然坚持自己创作的独立性。独立性从创作层面上讲，来自情节、人物、情感这三样元素。编剧只要抓住这三样，基本上不会有太大问题。抓住这三样的关键是不要重复，人物不要是苍白的千篇一律，情节也不要是观众都看过千百遍的老套。做编剧要挑战自己，要能把大家都见过的情节写得不一样、更有趣，也能把大家都见过的人物写得更让人接受。只有不停地挑战自己、把自己往死路上逼，那么我相信你会成为一个好编剧。怎么保持充沛的表达欲望？你得找到自己喜欢的角色和想表达的情节。编剧写剧本关键点在于自己要喜欢创作的人物跟情节，并且有充足的创作欲望。只有在这样的前提下你才可以不停地去创作。如果一旦变成只是为了完成工作，这将会是非常痛苦的过程。由于我不是专业出身，所以肯定会看编剧专业方面的相关书籍。当然编剧写东西需要储备知识量，除了不停地看各种各样的杂书之外，更重要的是去看电影、电视剧。因为编剧不能只修炼文字表达能力，还要有视觉观念。你需要想象片场的镜头是如何拍摄，所以要多看别人拍的电视剧和电影，从视觉角度观察演员怎样说台词、镜头怎样配合情节。我看书涉猎比较广泛，范围囊括小说、类似《清稗类钞》这样的杂记、《史记》这类纪传体通史、散文以及回忆录。各方面的题材都要涉足，因为谁也不知道什么时候会用到。写反转剧的过程就是不停给自己提问题：问自己到这一步够不够，观众有没有满足，有没有给他足够的信息，有没有足够的悬念。这是一个不停给自己打上死扣，再想办法再解开的过程。其实我自己也不算特别聪明，所以写反转剧时就特别累，需要绞尽脑汁地考虑很多细节与人物塑造。有时候我也会想放弃，不做那么复杂。但考虑到我的观众，也想尽量把它做到更好。
在我看来艺术作品与市场需求不用分得太开，艺术作品不应只是编剧自我提升的表达。在写作品时，你有表达的欲望，就是希望更多的人接受它，从某种层面来说这就是市场的需求。我一直认为不用把商业片和艺术片分开。商业片也可以体现编剧的自我表达，既好看，又有艺术价值，这是最好的情况，但没必要让人觉得商业片没有艺术价值。编剧的功力就是对话、细节。人物的对话很重要，好剧的对话非常简洁，台词利落干净，直接点出重点，又留有回味。事实上对话是最考验编剧功力的。因为在剧本里对话永远是占80%、甚至90%以上。好的编剧用两三句对话就能表达出他想要的内容，还能让观众记住他。
同美剧、日剧相比，确实不少国产剧的台词一截图出来就会显得很口水话，大段台词绕来绕去都只是表达同一个意思。不过，美剧的台词与日剧台词稍许不同。美剧的台词更生活化、直接，它们非常简短、直指内心。日剧的台词包含许多思考，它是在概括社会现象、表达观点，对社会现象进行反思。
美剧很少把大段的阐述放在人物对话中，它靠的是人物行为与剧情发展来引发观众思考，可惜的是国产剧经常是两方面都不搭，所以观众会觉得剧情水、台词不好。
当然创作的时候也不用故意往金句的方向靠拢。台词首先是人物的表达，其次才是编剧思想的表达。因此不要总想着制造金句，在体现人物性格的时候，能将台词设置得有特色，能让人记住，这才是台词所承担的职能。虽然每个编剧的手法不一样，但台词简洁不简洁，是可以看出编剧对塑造人物有没有做到极致。
观众分层的现象是确实存在的。因为观众对电视剧是有观看需求的，你不能简单依据看剧的需要来划分艺术的高低。确实有的观众觉得工作这么辛苦，希望看到的是简单、直接、快乐的爽剧；有的观众希望看到更有深度、情节更复杂的烧脑剧，这不代表有的观众喜欢看烂片、有的观众喜欢看精良品质的片子。哪怕只是一个简单、轻松、有趣的剧集，你也能把它做成精品。我相信大众具有最基本的辨别能力，能够在相同题材的剧集分辨出好坏。
剧本和资本之间的关系也并不是对立的。普遍来讲，资本和剧本都抱有共同的目的——都希望做好项目，剧集播出后达成口碑与收视率的双丰收。好剧本是一个编剧的自我追求。对资本来说，只有在做到一个好剧的前提下，它才能盈利。因此大家商讨彼此的职能界限在哪里，做好分工与协作，每个环节都交给专业人士，才会形成良性循环。
话语权的问题，最根本的关键在制作过程中要有拍板定论的人，这个人不管是制片人、导演还是编剧，都一定要有话语权的主导方向。我曾经碰到一种情况：剧组里大家都有各自的想法，谁也不能拍板定论，最后吵成一锅粥，彼此都不服气，整个拍摄过程变得非常混乱。当然话语权还是需要掌握在专业人士手里，这个人无论是编剧、制片人还是导演，本质区别都不大。因为他们可以从宏观层面来掌控整个剧的节奏与呈现。需要注意的是，编剧话语权不大与剧本没能好好打磨是两回事。一个好好打磨过的剧本，在与一个专业的制作团队合作的过程中，无论是导演、制片人还是演员，各个环节都非常顺畅的情况下，出来的作品质量一般都很不错。这时候，编剧的话语权大不大其实已经不重要了。如果一个剧本本身有问题，那编剧的话语权再大也没有用。不是说编剧掌握了话语权就一定能掌握内容。本质上编剧哪怕没有话语权，他的本职工作就是打磨剧本，将其做到最好。如果编剧打磨好一个剧本，但可能会担心不能很好地完成它，这时候他确实是需要更多的话语权来选择演员跟导演。编剧中心制的好处在于作品的调性不会有大的变动。编剧知道自己想要表达什么，演员知道怎么演，整个剧从开始的初衷到最终呈现不会有太大的偏差，这是好事。但是你并不能保证编剧中心制下的剧本一定是优质的。有的剧呈现效果不好，也许是整个团队的不负责任，也有可能是剧本本身就有问题。所以有能力写出好作品的人，他可以去争取编剧中心制，争取更多的话语权；但是对于没有能力的人，他拿到这样的权力也不能够保证创作出的作品就是好的。从专业角度来说，编剧可以尝试各种题材，但也要了解自己不善于写哪些题材。国内影视剧的一个问题是行业剧不够专业，尤其跟美剧、日剧相比，国产剧的“不专业”尤为明显。
问题出在创作此类行业剧时，编剧需要很长的时间进入行业内部考察。但很多编剧没有做到这个前提，只有想办法瞎编，出来的作品观众肯定不会买账。所以编剧可以广泛的尝试题材，但前提就是你有条件或者是有把握去尝试它，而不是随便找个平台，前期不做准备工作就开始进入，这才是真正的不专业。
现在有很多编剧成立了工作室，带着团队进行创作。这样的生态对于很多想要快速成长的年轻编剧来说，是一件好事。在团队里，年轻编剧们能够有基础写东西，然后才有可能成为一个真正的职业编剧，从教育角度来说是一件好事。每一组人都可以得到锻炼，大家都可以发挥自己的特长。通过团队合作把剧集呈现得更完美，因为群体出力往往会好于一个人冥思苦想。一个好的剧本，在人物、情节、台词这三方面上，最重要的是人物的塑造。虽然很多观众看剧时关注的是情节，但对于国产剧动辄三、四十集的长度，剧中的角色才是拉着观众从头到尾跟下去的关键点。我曾经也做过在一部剧中只专注于强情节的尝试，把情节做得各种复杂离奇，虽然这样也能黏合住观众，但问题是在一段强情节过去之后，后面情节但凡有一点接不上，观众们随时都可以弃剧。当你笔下的人物被观众喜欢之后，你会发现一个很有趣的现象：当观众喜欢剧中的人物时，即使人物没有剧情发展，他们在说闲话，哪怕说一个小时的闲话，观众也愿意看。所以我认为人物可能是电视剧的第一关键，编剧需要思考怎么把人物立住，让观众喜欢上。同时人物做好之后，后面的情节、台词，还有人物之间的情感自然而然就会出来。设置人物，首先要真实，其次是他的性格特色怎么立住、他的前史是什么，而“三观正”不是我创作人物的基本考量。角色的三观对我来说不重要，重要的是编剧自身的三观。比如说编剧的故事里面存在三观有问题的人，但他会在情节和故事发展中体现该角色的三观问题，并且说明问题出在哪里、怎么去解决等等。从角色塑造论来讲，编剧也不可能创造的所有人物都是三观正，这样都没法树立反派角色。所以我认为不要让三观成为创作角色的限制。三观是编剧自己想表达的东西，只要剧集的立意是正的，人物的三观不需要千篇一律的统一正确。
