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内容选自Aperture出版社书籍《PhotoWork》 第一本重要的摄影书 First meaningful photobook
第一次重要的展览 First meaningful exhibition 1988年在匹兹堡的卡耐基国际艺术博物馆
关于 Todd Hido（托德·希多），1968年生于俄亥俄州，1991年获得塔夫茨大学的文学学士学位，并于1996年获得加利福尼亚艺术学院的文学硕士学位，他现在是副教授。 Hido已出版了十几本摄影书，包括《House Hunting》（2001年），《Roaming》（2004年），《Excerpts from Silver Meadows》（2013年），《Intimate Distance: Twenty-Five Years of Photographs, A Chronological Album》（光圈社出版，2016年）和《Bright Black World》（2018）。 2014年，作为摄影工作坊系列的一部分，美国光圈社出版了《Todd Hido on Landscapes, Interiors, and the Nude》。 Hido长居旧金山湾区。 精选Q&A 1、对于项目的整体构思和每张照片所想要引发的思考，哪个对你来说是首要的？ 我发现我往往是在拍摄以及图片编辑的过程中，逐渐明晰了自己想要阐述的构思。大多数时候，我是直觉先行，分析在后。2、在你的创作中，有哪些元素是一定要涵盖的？（例如社会评论，稳固的形式，与个人的联系，摄影相关的参考……）和个人的联系以及情感共鸣绝对是必不可少的，在一个项目中要持续维持这种联系需要很多时间和精力，但这最终都是值得的。形式是人赋予作品的，理应做到最好。对于视觉创作而言，我们无法脱离这些，这是最基本的东西。对于我而言，我会很自然地去构建视觉叙事的方式，这是我另外一个不可缺少的东西。'Interiors' 系列 3、整个作品的框架对你而言是否重要？在和每一张照片之间的关系上它是如何发挥作用的？是的，这很重要， 但是对于照片我有一个非常简单的态度：必须一击即中，不能有一丝敷衍。我的每张照片，无论是单张还是组照中的一张，只有完全符合我的标准，否则是不会被采纳的，而被采用的图像最终构成了具有凝聚力的创作主体。“摄影”本质上是连续的，并且通常一组图片比单张照片的拼凑来得更加深刻。 是的，就像我相信每个摄影师都有他的风格，从某种角度来看，就像每个教过课的人都能体会到，不同的学生拍摄或画画同一个东西，呈现的方式，即风格，是截然不同的。每个人在创作中都渗透了自己的东西，当然完善这种风格的话可能需要数年以上的时间，但从根本上讲，这是无意识的一种东西。我对于找到自己的风格这件事，感到非常幸运。无论在晚上或白天，无论是拍摄人还是景观，我都可以保持自己风格的一致性，而这其实是相信自己直觉的结果，也要选择可靠的客观物料和设备帮助你拍摄。
5. 你认为自己的风格是否介于完全感性和理性思考之间？我从根本上讲是直觉性的，我不确定是否可以相信建构风格的这种想法。对我来说，风格是一种个人自发的东西，它不会随着时间的流逝而自然地出现，而是会变得稀薄而脆弱。 6. 假设你现在已经拥有了一种自然而然的拍摄方式，你有没有考虑过尝试别的拍摄方式？ 我从未真正考虑过这种可能性。我们可以在某种程度上重塑自己的某些方面，但是天性终归是挥之不去的。
我曾经有个回答，就是“当我停止走下车去拍照的时候”。换句话说，就是当你扛着相机所受的体力上的疲惫感超过了你想要拍摄欲望的时候，这便是停止的时刻了。 需要注意的一点是，我觉得如今的摄影师和艺术家他正处于一个加速创作的周期中，每隔几年我们就会感下一个新项目的压力。创作一个新项目，重要的是要放慢自己的节奏，要相信自己，要问问自己是否真的准备好了，是否知道什么时候该继续前进和知道什么时候停止是一样重要的。 新的迭代，小的发现以及创作方式的细微差别都是对自己重要的认识，而这些只有通过不断的努力才能了解到。 我出版了两本关于房屋的画册，是在晚上拍的，分别是《House Hunting》（2001）和《Outskirts》（2002），这两个系列作了许多次个展，因此结束这两个项目去开展新的项目是非常显而易见的事情。但我依然觉得被这个主题吸引，想要持续进行。在那之后的十个月，我在旧金山的Pier 24 画廊做了展览，包括大量的作品，我一直坚持拍摄，所以我有足够的作品去在这个空间呈现。 作品的数量对于那一次的展览而言是非常重要的，否则我的作品将被大量空白的空间所吞没。如果我停止了创作，是绝对不可能得到那场展览的机会的。
'Homes at night'系列 8. 你是否曾在图片编辑的过程中创作出过一组作品？由于摄影作品具有天然的连续性，这是一个很好的问题。 作为摄影师，我们出去拍摄，创作新作品并进行照片整理，并一遍又一遍地强迫性地重复相同的程序，结果得到的作品会衍生出的问题就是扩大了使用范围。然而，从一堆“额外”衍生出来的图像中寻找你想要的东西可能会产生很大的压力。 我的画册《A Road Divided》（2010）就是这么来的，它不是通过图片编辑做出来的，至少并没有像它呈现出来的那样，但也说明了观者的潜意识有被“搅动”。 'Landscapes' 系列/ 'A Road Divided'部分
9. 你是否会将自己的作品与某一种特定的照片类型联系起来？如果是，你是如何定义该类型的？这并不是必须的。虽然回想起我摄影生涯的早期，当时我试图去为我的作品在摄影这个媒介历史上找到一个切入口。 我认为，对于年轻的摄影师来说，了解之前发生的事情很重要，这样才能避免盲目派生。我经常建议我的学生问问自己，“在摄影作为艺术媒介发展的这段历史中，我的定位是在哪里？我该如何对它做出有意义的贡献？” 10. 对于已经展出或出版过的作品，你是否会对其进行重新编排？会的。摄影嵌入了一种特殊的品质，使作品随着时间的流逝，被打磨，变得更为重要。 随着人的变化而变化，周围的世界也在变化，因此，即使对于最初创作出它们的艺术家，图像的意义诠释也必定发生了变化。借助时间的流逝，重新思考一系列作品，可以使作品更为有价值。Stephen Shore的《Uncommon Places》（1982、2004、2015）的再版，以及Rineke Dijkstra最近的《WO MEN》（2017）就是两个很好的例子。 instamatic作品 11. 考虑到后期做展览或出版，你在拍摄时是否会在脑海中先形成一个概览？这三个部分都是同等重要的，但是我在拍摄的时候从来没有考虑过要如何把它们挂到墙上。等到我开始组织和编辑图像的时候，我绝对会着眼于空间的呈现。 你也问到了摄影书，参展一些画廊和博物馆的确令我感到自豪，但对我而言摄影书是最纯粹的展示形式。我从18岁起就开始沉迷于收集摄影书，我很喜欢将自己的图书馆视为一种有机资源，我可以从中不断得到启发。 我经常在房子里把一些摄影书翻开来放在地上，看心情，有些摄影书很快就会被我收起来。多年以来，有些书一直就没合上，因为那几张照片真的是太好了。 艺术史学家Alexander Nemerov最近为我写了我的《Bright Black World》（2018）的序言，令我而感到无比荣幸。整篇都写的很精彩，让我觉得成为一名艺术家是很自豪的，但我尤其喜欢这句话，这上升到了诗歌的水平——“Back on the leveled ground of this book, the reader examines the pictures in private devotion, running her fingers on empty fileds.” “回到书中那些平地 读者在私密的全神贯注中审视那些照片 指尖划过那些荒芜的旷野”
这句话完美地描述了摄影书的体验：亲密、联结和自主。
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