詹姆斯·惠斯勒 (James Abbott McNeill Whistler)《Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket》，布面油画，60.3×46.6cm，1872-1877年在这个被称为“视觉文化”的时代，人们被大量的图像、影像包围着。艺术作为“视觉”之首，引领、反映了时代文化。可若艺术品撇开附加价值，仅为审美服务，它是否还有相同的价值？ =========
▲「 为了艺术而艺术 」 人们普遍认为“美”的层次取决于背后的深度，而不是客观的表象。从史前山洞绘画的记录价值，到欧洲宗教艺术的道德维护价值，再到现代艺术激起人们反思及反映社会问题的价值，艺术在历史上起到的作用是难以衡量的，可艺术本身作为一个独立产物还有存在的价值吗？詹姆斯·惠斯勒《Nocturne: Blue and Gold-Old Battersea Bridge》，布面油画，68.3×51.2cm，1872-1875年长久以来，外观一直作为艺术品的附加条件，其必须搭建在“内涵”的基础之上。但在19世纪，法国文学界创造了“为了艺术而艺术”一词，为形式美在艺术界占领了一席之地。该思想的拥护者认为艺术具有其自身价值，审美价值的判断不应与其它领域的内容混为一谈，而应从艺术本身的利益角度出发，将艺术从道德、宗教、政治等主题中剥离出来，以保证视觉的“纯粹性”。
弗雷德里克·雷顿（Frederic Lord Leighton）《The Maid with Golden Hair》，布面油画，83.2×61.6cm，1895年艺术似乎有史以来第一次从“意义”和“责任”的重担中解脱出来，获得了自由。这一观念受众面极广，从文学界出发得到了文艺评论家沃尔特·帕特（Walter Pater）和奥斯卡·王尔德（Oscar Wilde）等作家的支持，还得到了詹姆斯·惠斯勒和弗雷德里克·雷顿等画家的拥护。  但丁·加百列·罗塞蒂（Dante Gabriel Rossetti）《La Ghirlandata》，布面油画，124×85cm，1873年▲「 新的起点 」 如果说英国唯美主义承袭了“为了艺术而艺术”的精神：声称“美”是艺术的决定性特征，而不是“更深的”社会政治意义。那么，形式主义则将这一精神推到了更准确、具体的位置。在这样一步步的推动之下，艺术走向了抽象。这意味着形式美的价值不仅仅被艺术界承认，并且成为独立的创作手法，使人们站在了新的起点。巴尼特·纽曼《Black Fire I》，布面油画，289.5×213.3cm，1961年 马克·罗斯科（Mark Rothko）《No.5/No.22》，布面油画，297×272cm，1949-1950年当我们在美术馆时，也许常常无法理解某些形式主义或抽象主义的绘画。但事实上，它们反而是最“标准”，最接近“真相”的作品。
为了达到最标准的美，艺术家首先做的就是去除作品中分散注意力的元素。抽象艺术大师瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）的作品《构成第七号》（Composition VII）就是一个完美的典范。他将构图简化为了颜色、线条和形状的排列。 瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）《Composition VII》，布面油画，200.6×302.2cm，1913年
瓦西里·康定斯基《Delicate Tension.No.85》，纸上水彩、墨水，35.5×25cm，1923年除了去除画面中“多余”的部分，艺术家们还提倡表现手法的“纯”。他们把图像和文学分开，拒绝在绘画的同时叙述故事，使画面仅为审美服务。 皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）《Composition II in Red, Blue, and Yellow》，布面油彩和纸，59.5×59.5cm，1929年
风格派运动的代表艺术家皮特·蒙德里安与康定斯基出发点相同，但手法更为激进。他将原色放置在大小不同的网格上，作品中的每一笔都落在平衡、精确的位置。
杰克逊·波洛克《Full Fathom Five》，用油彩钉子、大头钉、纽扣、钥匙、硬币、香烟、火柴等在画布上创作，129.2×76.5cm，1947年杰克逊·波洛克正在创作杰克逊·波洛克、汉斯·霍夫曼、巴尼特·纽曼和马克·罗斯科等艺术家都致力于创造更纯粹的抽象，使作品脱离上下文、隐喻和内涵。此时，艺术作品不再具有代表性和唤起共鸣的特性，而更加抽象和富有表现力。
汉斯·霍夫曼（Hans Hofmann）《Terpsichore》，布面油画，152.4×115.6cm，1958年汉斯·霍夫曼《Pompeii》，布面油画，214×132.7cm，1959年由此一来，人们对艺术品的价值衡量也有了新的标准。颜色、线条、构成和纹理，这些元素成为了艺术评论家用来检查和分析艺术品的基本标准。如果一幅画的价值不足，那是因为该画家未能在形式上达到完美的标准。
瓦西里·康丁斯基《Squares with Concentric Circles》，纸上水彩、水粉和蜡笔，23.8×31.4cm，1913年 ========= ▲「 一切的根基 」 事实上，形式美一直在艺术中扮演着重要角色，它不仅仅能为自身辩护，还能为不同领域的艺术作品辩护。罗伯特·梅普尔索普（Robert Mapplethorpe）是一位摄影艺术家，他的作品因涉及同性和情色话题，在艺术界一直备受争论。罗伯特·梅普尔索普《Self Portrait》，1983年他的作品展“完美时刻（The Perfect Moment）”在辛辛那提州当代艺术中心展出时，反对该展览的人向法院发起了猥亵诉讼，而辩方证人则引用了艺术史上对美学的正规标准赢得了诉讼，一位艺术评论家还利用古典主义的黄金分割法为作品正名。
罗伯特·梅普尔索普《Thomas》，48.9×48.7cm，1987年 梅普尔索普自己也表示：“完美意味着你不会对摄影作品提出任何质疑。在我所拍摄的某些照片里，你真的没法再移动那片树叶或那只手”。由此可见，形式美在艺术中一直是不可缺少和至关重要的一个标准。罗伯特·梅普尔索普《Iris and Zinnia》，50.8×40.6cm，1984年当然，“为了艺术而艺术”这样的概念一直以来都不乏反对的声音，构成主义和战后恢复的概念艺术、波普艺术等态度都与之相悖。艺术在某种程度上的确很难与生活中的其它问题分开存在，大多数人认为用客观标准来判定艺术品的价值是很难的。巴尼特·纽曼《Untitled》，1960年 形式的美显然是可以独立存在的，它与艺术品背后的“深度”具有不同的价值，它们相互包含、影响。形式美既是在历史上对艺术的思考方式，也是观画形式。艺术到底为了什么？它能怎么看？这些问题还是交给观众自己来思考吧！[编辑、文/林子]
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