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中国书画源远流长，从远古时代的岩画及周、殷朝代的甲骨文始，传承发展至今，成为独立世界艺术之林的民族艺术。如何鉴赏这文化瑰宝，历代有无数论说，战国时《韩非子·外储说》就提到：“犬马难，鬼魅易”云云，公元500年南北朝南齐著名画家谢赫在《古画品录·序》提出“画品六法”：“一、气韵生动是也；二、骨法用笔是也；三、应物象形是也；四、随类赋彩是也；五、经营位置是也；六、传移模写是也”。之后历代论家也提出“六要六长”、“四格”、“四品”、“七忌”、“四难”等等，然而“画品六法”仍是品鉴各类画的重要理论，虽然“六法”当初主要针对人物画而提。 虽然，当代西方对视觉艺术的审美观也引入到中国书画的鉴赏理论中，但文化的差异使其只可借鉴不可套用，况且其自身尚待完善。 在此根据前人经验提出“中国书画品鉴四意”（书画同源，均可通品），以供同道参考并指正。 意构，对内容及形式的个体思维形成作品的构设、布局。意构对作品的高下起主导作用，当然在创作中的随机生发也很重要。 作者创作前想表达什么？如何表达？均需思考，不能届时信笔由之。“作画须先立意，若先不能立意而遽然下笔，则胸无主宰，手心相错，断无足取。夫意者，笔之意也，先立其意而后落笔，所谓意在笔先也。”（清·郑绩《梦幻居画学简明·论意》）。所以先立意（表现什么？）再构思图式笔墨（如何表达？），通过形象思维与逻辑思维交融，“迁想妙得”，殚精竭虑往往能激发潜意识的灵感，然后以意使笔，方得意象。若东拼西凑，甚至画完了也不知该题什么款，再小心收拾也于画无济。 元 倪瓒《筠石乔柯图》 清代方熏在《山静居画论》里说得好：“作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古，庸则庸，俗则俗矣。”能否立意高古深远，则要看作者的学养修为了。如王羲之以清朗小楷展现乐毅政论，以遒丽行书表现兰亭雅集；又如倪瓒以萧散简远传达淡泊之心等等。 意笔，有意蕴的笔墨。 “书者，心迹也”，书画者心中之象，需通过笔墨于纸上呈现。同样的构图（经营位置），如何才能“气韵生动”？这就需要纯熟高超的笔墨技法了。大概国人能者较多，在艺术形式上要设“难度分”以分高下，如诗词的格律、书画的软笔等等，当然这些“脚链”都会增加“舞美分”。犹如同样是十米高台跳水，就以动作难度与美感分高下。 明 徐渭 《水墨牡丹图》 唐·张彦远《历代名画记》指出：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似，皆本于立意而归乎用笔，故工画者多善书。若气韵不周，空陈形似；笔力未遒，空善赋彩，谓非妙也”。这强调了“骨法用笔”的重要性，也可以说如果书法不入流，画必不耐观。 中国书画是最倚重线条的艺术，线条的长短粗细变化如音阶节奏，浓淡如音色，整体就是旋律，可以表达书画的情趣。而作品的视觉主观感受在五代后梁时荆浩《笔法记》中已有论述：“凡笔有四势：筋、肉、骨、气，笔绝而不断谓之筋，起伏成实谓之肉，生死刚正谓之骨，迹画不败谓之气。故知墨大质者失其体，色微者败正气，筋死者无肉，迹断者无筋，苟媚者无骨。” 清 石涛 《古木垂荫》 因此赏书画需看用笔，能否驱笔运墨使之浓淡分明、干湿得宜、色墨互不碍等；以提按、用锋、控速等手段完成点、线的起、行、转、折、收等；这就谓之“见笔“。若不“见笔”，则不能称为中国书画，可称为当代水墨艺术。有些人打着创新旗号，曲解“无法之法，乃为至法”（清·石涛语），当不可取。 细观吴昌硕、齐白石等大师作品，皆笔法精微、气韵生动，值得反复品赏。至于笔法对书法的重要性就更不用说了。 清 吴昌硕 《朝日红荷》 意，情志理趣；象，形也。
我国古人在两千多年前即已提出形神的审美概念，战国时荀子《天论》中就说“形具而神生”；东晋名画家顾恺之首倡“以形写神”，后代有成就的画家均奉行“以形写神，以神为上”，并强调“形若不逮,神将焉附”，逐步形成了“形神论”的创作观。明代王履《畸翁画叙·华山图序》归纳得好：“画虽状形，主乎意，意不足，谓之非形可也。虽然意在形，舍形何所求意？故得其形者，意溢乎形，失其形者，形乎哉？” 东晋 顾恺之 女史箴图（局部） 北宋苏东坡有一首题画诗首句即说“论画以形似，见与儿童邻”，看似反对形似，但该诗结句“谁言一点红，解寄无边春”，其实是强调以形写神、以景寄情的重要性，当然这“形”是经过提炼的“一点” 。故品赏书画时，虽不重形，但不能失形，太似易生匠气，不似则为欺世，重要的是要有神采。人物的神是内在的精神气质，山水的神是汇聚的生机气象，花鸟的神是造物的寓意韵致，书法的神是点划的笔力态势。所以画品六法强调“应物象形”、“随类赋彩”，而这些都需要不断的“传移模写”才能得心应手。 清 朱耷 《荷花小鸟图》 书画可以分四品：逸品、神品、妙品、能品。能品：笔法、章法、理法皆备，然缺少独特的艺术语言及风格，可观也；妙品：笔精墨妙、情意交融、自出机杼，可珍也；神品：思微神周、意新体奇、生机华滋、气象不凡，观之如入庙见神，可传世也。逸品：得神来之笔，无意为而为之，笔简形具、情趣盎然、气韵生动，非逸者不可为，可滋心也。神品、逸品各有取向，不必强分高下。 意境，《辞源》：“指文艺创作中的情调、境界”。意为情与理之融，境乃形与神之合，表现了作品审美的深度。 书画家化形为象征，化实为虚，作品呈现象外之象（画外之音），画中有无穷的诗意，这就是意境。如北宋梅尧臣所述“状难写之景，如在目前，含不尽之意，见于言外”。就是一种难以用语言阐述的意蕴和境界。 北宋 范宽 《雪景寒林图》 意境是艺术审美的重要学说，早在公元1100年，宋代郭熙就有对山水画意境的论述：“见青烟白道而思行，见平川落照而思望，见幽人山阁而思居，见岩扃泉石而思游。看此画而令人起此心，如将真即其处，此画之意外妙也！”。自古以来，意境已成为我国文学艺术的最高的评判标准。在公元1800年后，德国黑格尔奠定了西方美学的基础，他提出了“美就是理念的感性呈现”，是理念（内容与意蕴）与感性呈现（表现形式）的统一，这个学说对意境审美有借鉴作用。 北宋 郭熙 《窠石平远图》 黑格尔的哲学思想是唯心的，但其美学思想有辨证思维。正如唯物主义认为“实践是认识的基础，认识是实践的主导”，人类通过实践总结了美学的认识，又通过认识指导创作实践。所以艺者需有深厚的学养，玄微的构思，精妙的笔墨，才能创作出有意境的作品。观者需有审美的能力，并具备一定的阅历学识，游目骋怀，澄怀味象，方能触景生情，心生共鸣，无限遐思，或顿启禅哲，或茫生惆怅。这就是对意境审美的意义。 书画的意境于作者创作时立意与意笔共生，创作状态如孙过庭云：神怡务闲、感惠徇知、时和气润、纸墨相发、偶然欲书。故“四意”俱佳的作品只有极少作者能为之，而能为者也仅有极少作品能达到，这有待品鉴者识之。 -----藝 無 止 境----- |
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