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一起捋一遍西方美术史~ 一、概况 20世纪最初几年是整体现代化时期，令人震惊的科学发现与新生活方式完全改变了大部分西方工业化地区居民的日常生活，与此同时传统的价值观与思维习惯依旧存在。20世纪早期文化的特征之一就是对于传统与创新之间竞争的协调。通过结合革命性的新事物与日常事物，一个新兴社会形成了。 （一）政治领域： 帝国主义继续刺激着民族主义野心，并促进经济增长。这两个因素结合使得西方世界拥有强大的军事、工业力量。狂热的民族主义让很多人带有狭隘的爱国主义情感，或称“沙文主义”，使政治、种族、经济和宗教上的差异日益尖锐起来。部分人排斥这种理念，转而接受启蒙运动所产生的自由主义，将个人的重要性提升到国家之上。 强化的民族主义以及随之而来的帝国主义最终压倒一切，在1914年第一次世界大战爆发时达到顶点，这一场浩劫彻底改变了西方文化的初始构想与雄心。 （二）科学领域： 20世纪初科学家就开始意识到牛顿的物理学只能部分地解释原子的性质，马克斯·普朗克证明了物质与能量处于持续的流动之中，爱因斯坦提出了相对论，指出时间、空间和运动的不固定性，而是与彼此相关。牛顿物理世界的秩序基于能量与物质保持稳定的基础上，现在被一种更加复杂、更加偶然的宇宙观所替代。 在与人类行为相关的哲学与心理学领域也出现了相似的情况。法国哲学家伯格森主张人们对生活的体验不是一系列持续理性的时刻，而是凭直觉感受到的随机记忆与知觉，人们将其拼凑起来从而形成观念。因此这个世界其实是复杂破碎的。哈佛心理学家威廉·詹姆斯独立发展出与伯格森类似的理论，认为一片“轰隆的混沌”，只有知觉能够超越这种混沌。奥地利精神病理学与分析学家弗洛伊德开始提炼他关于无意识的观点，同样发展出人类意识破裂矛盾的理论模式。 （三）艺术领域 艺术家们采取了类似的调查路线，检测与新观念相反的传统艺术创作方式，与科学家和哲学家一样，他们也运用多样的尺度来衡量其成功。毕加索与勃拉克等艺术家效仿科学家做法，将画室看作一个实验室，寻求一种全新的视觉感知模式。意大利未来主义艺术家对现代性表示欢迎，运用毕加索和勃拉克的激进风格来捕捉现代世界的科技奇迹与新的心理状态。德国表现主义艺术家却为现代性冰冷、非人的趋向与粗鲁的物质主义寻找解毒剂，继承高更在与自然融合的原始世界中追求心灵平和，许多艺术家更是转向更加直接抽象的部落艺术、儿童艺术、民间艺术和中世纪艺术。其中许多人还受到通神论的强烈影响，信仰万事万物之间的神秘交感，并力图在艺术与建筑中捕捉这一点。对于追求精神视觉化的艺术家而言，本质就是抽象，这种正如的新艺术方法就是最好的工具。 二、欧洲艺术 （一）野兽派： 20世纪第一个重要的风格，其兴起可以归入色彩主义传统的一部分，并将色彩的自由表达带到了一个新的高度。 与表现主义的不同：表现主义通常用于展示情感流溢的作品，大都具有饱受折磨、焦虑或痛苦的精神状态。而野兽派通常不描绘艺术家心理状态，只做色彩与笔触的载体。 野兽派从来不是一个有组织的群体，被评论家称为“野兽派”的艺术家们很多是1900年开始运用明亮的色彩作画，1905年在沙龙的一起展出也纯属偶然，并在1908年瓦解。 1、马蒂斯 对于野兽派的代表马蒂斯而言，野兽派只是艺术创作的又一个阶段，马蒂斯一直寻求的是以抽象的方式来运用色彩，赋予画面优美、平和、宁静感性。 马蒂斯的创作转变可以从几件作品中窥探： 1905年创作的《戴帽子的女子》画面用色彩构建肖像，并使用色彩暗示也否定着透视空间，人物成为了一个支架，用作将色彩从自然主义或记录功能中释放出来。 1905-1906年间创作的《生活的欢乐》，不仅表现出德兰曲线型图案的影响，还体现出与高更的紧密联系。画面中的色彩依旧鲜艳，并不具有现实主义特征，但色彩现在被包容在优雅的阿拉伯式图案里。与《戴帽子的女子》相比，真正抛弃了逻辑的空间与尺度，提高了抽象的程度。 1907年马蒂斯创作了《红色画室》，与之前的用色一样绚丽，但却柔和下来、宁静，而非欢快、喧闹。《红色画室》向观者提供了一个全新的视觉体验，艺术家操控线条与色彩，从根本上重新界定了绘画空间。 2、德兰： 也将绘画理解为一种智识媒介，而非情感媒介。他的风景画与马蒂斯的人物一样，只是欢乐色彩与平面设计间复杂游戏的载体。德兰的首要兴趣是图像创作的形式特性，即抽象的性质，同时特别强调以非再现的方式来运用明亮的色彩。 （二）立体主义 20世纪出现的第二个主要风格是立体主义，领导者是毕加索和勃拉克，立体主义是对艺术史传统与可能性的分析，也是艺术创作的方法，鼓舞关于艺术表象甚至是艺术目的的新思维方式。 1、传统的折射与粉碎：《阿维尼翁少女》 受到后印象主义与野兽派艺术的影响，1907年，毕加索创作了《阿维尼翁少女》，作品采用的是历史画作尺寸，并受到马蒂斯的影响，将空间模糊。画面形式野蛮充满威胁感，空间全无连贯和谐之感，图像似乎以无数玻璃碎片组成，形式漂浮在绘画表面。这幅作品的重要意义在于其所表现的新自由——现在线条、平面、色彩、形体、空白都从模仿再现的角色中解放出来，具有了属于其自身的生命，这幅作品也奠定了分析立体主义的基础。 2、分析立体主义：毕加索和勃拉克 毕加索借鉴杜尚晚年时期风格，在其对体积和空间的抽象处理中找到了基础单元，并从中生发出多面形体，成为了分析立体主义的方法。这时期《阿维尼翁少女》这种由断裂的形式与空间所构成的再现性绘画，发展成为抽象线条与笔触所构成的朦胧幻象。 毕加索与勃拉克在1910年开始使用这种创作方法。勃拉克的《葡萄牙人》是这时期的典型作品。画面使用秩序化几何图案来构成，尽管抽象，但也有暗示吉他音孔的圆环图案作为代表符号，物体的混淆或者视觉双关是立体主义的典型特征之一。这幅画以激进的新艺术语言描绘传统风俗画题材，画面以弥漫着真实的空气感与光线，但并未创造出连贯的空间和体积，画面中的一切始终处于一种流动状态之中。唯一的现实只是线条与色彩构成的绘画世界。 3、综合立体主义：拼贴的力量 从1912年开始，毕加索和勃拉克不再拆解物体或者将其抽象为最基础的形式，而是开始运用剪纸来综合的建构或安排物体，因此这时期被称为“综合立体主义”，利用大块平面形体来构建图像就意味着，相较于分析立体主义时期只制作单色图像，现在可以引入多样性的质感和色彩。毕加索最早开始了这种尝试，这一尝试得以使现实与虚幻的概念复杂化。通过粘贴在画面上，文艺复兴时期认为绘画平面是一扇开向世界景象的窗户这一观念被颠覆，此时，画面平面不再是窗户而是呈现艺术的浅盘，艺术出现在画面之上，而不是画布之后。 立体主义仍然痴迷于双关，如毕加索在《吉他、乐谱和酒杯》中，以真实的壁纸作为画面背景，成为虚幻与现实的双关。同时，画面以实体的圆形纸片来表现吉他中的本属于负空间的音孔，从而创造出实体形式与不可触碰空间之间的双关。 毕加索还将综合立体主义拓展到了雕塑领域，并创作了第一件装配各种材料形成的立体构成作品，标志着立体主义在逻辑上发展到了顶峰。其在1914到1915大量创作这类雕塑，其中大部分都是乐器，例如1915年的《大提琴》，与他重新定义了绘画一样，现在有重新定义了雕塑，雕塑不再是经过雕刻、削凿或浇铸，而是一种组装。 1914年第一次世界大战爆发，结束了毕加索与勃拉克之间精彩绝伦的视觉游戏。但两位艺术家已经完全改变了绘画与雕塑领域：通过颠覆“艺术形式能为何物”的观念，破坏了长达700年的传统。现在线条和色彩传达着形式或表现内容，不再服务于复制艺术家眼中的现实。 |
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