Picture provided by 韩岚 本雅明说，机械复制的作品和原作在美学上的最重要的区别，就在于“灵韵”的消失。 灵韵，你可以把它理解为，一种只有亲临现场看原作才能体会到的作品的独特魅力。 比如说，在美术馆看到梵高的《向日葵》，或者在剧院看戏剧表演，你能体会到一种神圣的、宁静的、独一无二的感受。而当你看《向日葵》的照片的时候就很难有这种微妙的感觉。 为什么会这样呢？首先因为原作包含了它过去的历史，比如一幅画上面颜料的质地，画框的划痕，都是岁月留下的痕迹。 另外还有原作的此时此地性，就是说这件作品只能在某个时间出现在某个地点，这就让这件作品本身带有神圣的宗教意味。人们奔赴美术馆看原作，就如同古代的信徒，经过千里跋涉，去教堂膜拜圣物。梵高的油画和圣物都是独一无二的，因而让人在观看的时候带有某种敬畏之心。 而复制品，比如出现在画册中，或者手机屏幕上的作品，不是独一无二的，而是原作的复制品，我们随时随地都可以看到它，它也可以同时出现在不同的空间中，因而那种如同圣物一般的神圣感就消失了。 由此，观众们看待它的心态也改变了，之前是膜拜的感觉，而看商业产品中的梵高作品的时候，却更多地带有休闲娱乐的心态。 不过话说回来，本雅明写《机械复制时代的艺术作品》的时代，是人类刚刚步入工业文明，摄影技术出现，对绘画艺术造成冲击的时代。 然而所谓的原作与复制品的区别，在现如今数字媒体时代，已经没有那么明确的区分了。各式各样的新媒体艺术，它本身的属性就是可以无限复制的，甚至没有物质实体，完全是数字化的，由代码组成。人们可以在不同地点，通过任何电子设备，观看同一个影像作品。 这时，艺术作品的独一无二性还存在吗？可以无限复制的艺术作品究竟是怎样的一种存在？我们观看作品的方式发生了什么样的变化？这些问题是本雅明没有解答的，却留给我们无限的思考空间。
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