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明月：我从来没有报过网络班，秋林老师的课是第一次。很幸运能遇到这么优秀的老师和班集体，半年的时间收获是巨大的。一步一个脚印地跟随课程走到最后，内心无比充实，无论是从绘画上还是心态上，都有了很大的改变。1、改变了我对绘画的态度。一开始选择画画，肯定是有初心的，但在后来的专业学习中没有感受到很多乐趣，反而感受到了很多挫败，画画变成了一件很难的我不擅长的而且也不是那么有意思的一件事情，只剩下了一些不甘心，没有进入真正的绘画世界的不甘心。通过跟秋林老师的学习，我现在慢慢觉得画画是很有意思的，对画画真正有了兴趣，想去探索和学习，越来越热爱。2、改变了我的绘画方式。跟随老师的课程，尝试着画冥想中的画面、无意识出来的画面，这些作画方式都大量调动了自己的直觉，出来的画面也更加接近自己和自己联系密切。大量关于直觉的训练和绘画结构上的学习，我想将来即使再画写生也肯定会有不一样的变化，而且在课堂上老师安排“画照片”的时候，我感觉已经和以前不一样了。3、改变了我的心态。不再着急，能沉下来，让画面慢慢“生成”。读书或看画册也能用心看进去，状态很好，甚至有点如饥似渴的感觉。总之就是进入了“学习“的状态。4、加强了我的行动力。先完成再完美，要先动手做，在做的过城中越来越有状态，在做的过程中慢慢积累经验等，知道并体会到了行动的重要性。老师真是太厉害了，竟让我们能够通过冥想作画，感慨老师素养的全面性。我也真是体会到了这种作画方式的神奇之处，不用费心构思，让画面自然升起，然后顺着冥想的画面画下去，过程中再慢慢调整就好啦。这种作画方式很轻松，但又完全出自于“自己”。 
课程要点：通过水性材料来训练我们的直觉能力，首先要保持直觉、感性的部分，让画面保持开放，不确定性。一开始尽量过少的人为控制，比如手或纸巾，多间接控制让材料流淌。克制，适应失控，不确定和未知。不要用画笔，暂时打破过去用笔控制画面的习惯。尽量让自己失控，多出现意外，但同时要投入，对材料敏感带着好奇，有意思和鲜活很重要，放松、玩起来也是关键。大胆尝试，拓展开，适当脱离过去审美和绘画方式，进入状态，不择手段，任性玩耍。秋林老师语录：训练过程中，个人状态比画面效果重要，过程、方法方式比结果重要，未知探索比明确正确重要。
总结：这次水性材料的练习，让我们学会释放自己的天性和直觉，在自由的发挥中发现有趣的地方。这很重要，也是学习绘画的第一课，重视自己的直觉。回头看自己的练习，觉得放得还是不够开，形式也不够多样化。如果说水性材料的训练是让我们释放直觉、适应失控，那这个训练则是让我们拿起画笔画画时仍不忘这一点，继续发挥无意识和直觉作画。这个阶段与水性材料相比需要适当控制，让画面不那么失控，开始意识到画面的秩序、节奏。学习提示：要让自己进入到一种无脑的状态，无意识状态，当画面有内容了，可以根据已有的内容进行生发，开始带着感受继续画。（生发，感受）都是一种无脑可以进行的，也就是绘画的直觉能力。惯性很强的同学可以盲画，可以借助边看电视或者边打电话进行绘画。这个训练可以打破过去那种需要有整块时间才能画画的习惯。训练自己随时随地进行，快速进入状态。因为不需要用脑，是一种无意识很轻松的状态。秋林老师语录：我们跟画面很多时候是一种平等的关系，有时我们在控制画面，有时画面带着我们往前走。很多人画画问题过于先入为主，过于控制，导致画面少了很多可能性。总结：这个训练让我体验到在无脑的情况下以一种自由自在的方式开启绘画，然后在这个过程中无意识和有意识不断切换，画面会出来很多偶然和惊喜。
这节课比前面又进了一步，当我们面对客观物体作画时如何不惯性？如何画出自己的直觉和感受？如何画出节奏和势？学习提示：老师要求我们盲画，画的时候要体会用手触摸物体时的感觉（柔软，坚硬，流畅等），每个物体感觉不同，用笔就不同，这样就强制自己过去用笔惯性。用笔时要带着直觉，要肯定彻底，不要去思考画面整体关系。中途停笔的时候，也需要瞬间决定画什么内容画到哪个位置，然后再进入盲画的状态。画的时候需要失控，彻底失控。中间停顿适当看画面形成的节奏和整体，意外但画面又成立是我们追求的。这次作业难在于，首先让自己失控，盲画其实很容易做到，真正难的是停顿，中间停顿再次画在哪里选择画什么？或者什么时候选择完成？也就是盲画让我们失控，停顿让失控后的画面成立（也就是涉及到一定的审美和理性）。课程慢慢进入到一种理性的、结构的部分。秋林老师语录：目前练习是盲画，可以很快速进入尝试，不要有任何负担，五分钟也许就可以画一张。如果这一点做不到，那就要看看是不是完美主义在作祟。总结：通过这种方式下画出来的线条确实比较耐看，“沉浸”了许多。而且通过不同笔触的变化，不同线条组合带来的节奏也很自然。画面也因为失控，多了很多意外，生动了许多。回看作业不足之处是各种线条的浓淡粗细、强弱软硬运用不灵活，差别不明显。原因可能是对对象观察的还不够细致，更重要的是画的时候心应该再沉下来一些，速度再慢一些。
与大师经典作品对话，感知大师作品里的节奏大结构，吸收营养。这些古典作品，结构很严谨，就和书法里面的楷书一样，现代绘画之父塞尚从里面获得很多营养，包括现当代很多画家，都会有借鉴和传承。课程进入第三阶段，开始有了难度。我跟的特别吃力，困难也比较多。老师除了在课程内容上对我们辅助之外，在心态上也给予了我们更多的辅助和教导。这些都很重要，帮助我们顺利地跨过困难区。回顾这个阶段的作业，觉得自己不够大胆、主观，有些拘束。学习要点：结构是一种意识，要画上百张，数百张，慢慢建立画面整体、节奏结构意识。相信自己的直觉、感觉，不断从自身去体会作品，这种个人的经验体会，别人不能替代，更不要急着去找规律和标准。所以目前需要多积累，画十张，画一百张会有很大的不同，用心从自身出发，相信量变带来的质变。不要急，跟课的时候 ，一开始少想多做，完成比完美重要，有了数量然后总结梳理，很多问题就会自然的理解了，踏实的按要求，虽然自己不自信不确定，听要求照做，埋头练习就好 。画线的时候注意两点：第一、相对具体一些，围绕画面形象转折，走势去划线。（以上是大的走势结构，在这个基础上再用小点的笔触画细一点的节奏）；第二、单独成立，就是自己要感知一下你画的线条，如果单独拎出来，是否成立，是否和前面盲画一样生动（至少不呆板 生硬）。难在于既不是大概，尊重原作不过于主观概念，但又不是被动描摹。所以，要回到自己感觉直觉上来，慢下来，用心，细心很重要。画的过程中不要出现形象（不要出现人的形象），就是你看到的应该是画面整体的节奏走势，应该是抽象的。尽量不要出现封闭的形（比如圆形），封闭就很难和其它形连贯。秋林老师语录：在这个长期课有意训练自己的行动力，主动尝试的勇气，自我分析的总结能力。我们要和不确定相伴，要带着问题（而不是害怕问题或想尽快解决问题，更不好的是直接从他人那里获得解决的答案），问题带着我们往前探索，要不断突破自己的惰性，突破舒适区，不断回到自己，更信任自己，更独立，更坚定，更用心，更有耐心。遇到困难挫折，不气馁、不过分焦虑，继续往前，保持动手，直到出现转机，忌讳想太多导致焦虑，而动手太少。尽量主动，尽量勇敢，不要怕犯错，怕自己做得不对，大胆尝试。不好的是想太多，不确定就焦虑，感觉自己无法独立，只有找到一个拐杖才能往前走，过度依赖老师的反馈 ，不信任自己。要非常确定才能动手，一动手就怀疑不对，作业不理想开始气馁，甚至想到放弃。这种状态我们每个人或多或少都有，所以要学着与问题为伍，与不确定为伍。总结：动起手来在作品上画线能更清楚地看到画面的结构、势和节奏，怎么能做到抓大放小不描摹，还是需要我继续练习体会的。
学习要点：用铅笔（或炭笔 签字笔等）画以上这种小稿（每天十张起），一开始可以快一些，小一些，五分钟以内一张，不要超过五分钟。画的时候注意：一、不要去描摹对象，不要封闭的孤立的线条，要看得整体一点，看到大的节奏、走势。二、要放松，自信，投入，直觉依然重要，看得抽象一点，画得抽象一点。三、先不要临摹现当代作品 ，当代画家有些是反形式的，或者形式不那么常规。目前不是分析，也不是描摹，是画出作品的节奏，势，建议把原图放小，适当眯着眼睛看看作品的整体感觉。找大的节奏，大的趋势，不要去看孤立的人和物，要整体的看，抽象的看，带着感受去看 。多体会赵无极所说的连贯，去掉孤立画人和物的习惯。课程是连贯的，前面的练习都是铺垫，课程还是在强调我们临摹的时候不能陷入机械的分析理性状态，要带着直觉，把前面课程在图片上划线连贯起来。动手前适当思考，画了十张之后适当梳理，但是一旦动手要找到前面的盲画的感觉，直觉很重要，画的过程如果还分析那就错了，所以要快，给自己限时计时，逼着自己进入直觉的状态。抓大放小，逼着自己看整体，少看小趣味。需要体会，感受，放松，去抓这种大感觉，大势，节奏。没时间画的时候，多看多体会，适当辅助在作品上面划线体会。秋林老师语录：要随时意识到自己心态，那种不确定那种焦虑，那种希望及时得到他人指点的依赖心理，或者失落失去信心的负面情绪。独立，给自己一定空间和时间，不断尝试体会，不要怕犯错，怕的就是不犯错，更怕的是怕犯错很少动手，希望确定了才能开始（这样，你永远无法独立）。培养自我独立尝试、自我学习分析的能力。理解不了（结构）很正常，大家目前都是这样的状态，这是常态，只有埋头多画，不断尝试，不断梳理。我希望自己授人以渔，尽量不提前给出标准答案（没有绝对的对错）。这是画画啊，能给大家上课其实就已经给了很多条条框框了，这个过程和尝试，我希望大家多一些自我的空间。不要太在意目前画得好不好，这些只是能力的反馈，画不好肯定是能力远远不够，不断训练自己，画了十张几十张就开始怀疑是不对的，太急切了。静下来（可以结合冥想），慢下来，专注自我尝试的过程 。总结：放得还是不够开，受一定的形的束缚，应该完全抛开形，看得更抽象一些，把势和节奏更强化。
我们对结构的认识，目前需要借鉴大师作品 ，尤其是文艺复兴写实作品的大师们对这块有很深入的研究。学习要点：延续目前的训练，以单一的线条作为参考，再画一些相对深入（有笔触有块面）的作业，前面几天建议用铅笔，后面慢慢用黑白丙烯和水粉。速度可以慢下来（要求依然要抽象一点，尽量考虑笔触、块面的节奏和连接关系）要参考前面单线条，不要画具象和孤立。在前面阶段大家直觉的水性材料里其实就已经有些作业做得很好了，只是目前阶段让大家直觉慢慢变得有意识起来。秋林老师语录：不要怕自己错了，和不确定为伍，不要怕耽误时间，相信数量的积累自然就会通，很多内容是不可言说的，必须大量练习体会。多画，大胆画，去犯错， 99%的问题在数量的积累过程中自然会理解。遇到难处了（那就是自己不擅长的地方）或者说太容易了，每次要求一两天就搞定了，我们也不需要那么长时间了。再说学习绘画这么容易也没有乐趣了。目前阶段给你们的建议就是：头脑简单，四肢发达。相信数量的积累，很多内容是不可言说的，必须大量练习体会。很多时候，我们以为的问题不是主要问题，如果影响了动手，那还不如不想。尽量先积累数量，过后再来一起总结梳理，而不是一开始思虑太多。把绘画练习当成一种自我修行，先静下来，慢下来，专注过程，而非急着看到效果结果。过程和个人状态才是我们要去追求的。所以注重自己的能力培养（快速进入状态，随时随地画画，放松又专注，直觉，自我梳理分析）的能力。总结：总体上我是能看到自己的进步的，画面应该再放松一些，把直觉的东西再加强。
明月长期课总结（二） 第四阶段 静物与室内结构 1、看到结构分析结构 课程要点：真正画得好的写实画家，其实懂背后的结构，懂绘画的本质。怀斯的写实作品，其实和抽象画家一致。毕加索一生都在追求向孩子学习，实际这就是和纯粹的孩子画画的最大区别，因为他是有意识的，他知道画面的结构组织，所以他可以循序渐进，不断深入。而孩子只能靠直觉天赋，缺少有人引导就会停滞，也不知道如何持续。毕加索画牛的案例，其实就是在提取最重要的结构。结构虽然有点理性或者枯燥，但我们并不需要这样的学习，所以前面大家做了很多关于直觉的训练做铺垫。结构的学习应该结合个人的直觉，不能进入到一种机械的没有个人的理性里面。这也是毕加索希望向孩子学习的地方。这些不断提取抽象的牛，依然很有趣，很形象，有毕加索自己的感觉直觉，依然很个性化。所以目前的作业，一定不能忽略个人的直觉，不能忽略个人的创造和想象。想办法让自己这些小画，虽然来自大师，但变得有意思有创造，主动再主动一些。有空有几分钟就可以做一下练习，目的是体会一下更主动、更有自己想法的去练习，为接下来写生做准备。 秋林老师语录：关于绘画结构，作为一个想画好画的人一定要关注更核心的内容，而非表面效果。 总结：在分析画面结构的时候已经具备了一定的主动性，但在画稍微深入的小稿时，画面的主动性还远远不够，应该大胆地去画，调动自己的直觉。
2、室内结构明确与主动 课程要点：大家要在一张上面延伸、拓展，在练习过程中，可以进一步归纳、规矩化，比如圆、方、直线、垂直、平行线，尽量平面化、块面化，关注平面分割画面本身 ，越到后面可以越脱离对象。前面一张可以很认真观察，接下来的画就可以脱离对象，在参考自己画的画面基础上，进行下一张。每一张变化每次不要太大，可以进一步提炼，概括，加强。也可以适当用ipad或手机，只用黑白灰画，强制自己减少层次，关注画面结构。有时间多画，多看塞尚的作品体会，结合购买塞尚的书籍阅读。平常也可以关注生活，拍照的时候也有画面结构意识。多看塞尚、毕加索，慢慢要把结构具体化。 总结：老师让用毕加索画牛的方式一步步提炼和简化画面，应该是顺着一个方向往下进行，我画的时候跌跌撞撞，方向不一致，出现了不同风格，但即便是这样收获都挺大的，到最后一幅的时候画面的主动性大大增强了。
3、室内写生绘画结构与训练 课程要点：忘记对象（物体概念）是什么，而是记录形状。玩味图形和形式结构，注重正负形。忽视对象的概念（比如椅子、人、苹果），关注画面形状、形式，从对象物理结构到画面结构的转换。 “真正的画家不是根据事物实际存在的样子来画它们，而是根据他们对事物的感觉来画它们”——培根。我们最终的训练是要回到这个画面的本身上来，对象和场景它给我们的仅仅是一种参照、参考，你无论通过什么样的方式，最终是要回到我们的画面上来的，画面的结构是最重要的，对象是不是画的很真实，是不是跟原本的是一致的，其实这个并不太重要，你要通过各种方法，要让你的画面最终形成一个不是那么简单的（一张按照对象画出一张原本静物的）作品，你要让这个画面的形式上有意思，你对结构的感觉上，应该比你过去在画面上更进一步的主动些、鲜活些。 1、做一些构成的小练习，快速的几分钟一张，穿插这个训练帮助我们更主动去画对象。
2、针对一张画四张，尺寸稍微大一些，每一张适当花多一些时间，和之前一样循序渐进的画，和毕加索那头牛一样，慢慢推进。其实还是回到前面的训练而已。颜色黑白，可以铅笔、丙烯或水粉。 总结： 作业1，老师让练习的小稿很锻炼人，我的构成意识不强，画这个能让我主动起来，仿佛是丢掉拐杖走路，能够更加关注画面结构。 作业2，针对一张画四张这个作业，要求打破物体的物理结构，注重画面结构和构成，组成一幅新的画，本来以为应该是很难完成的，结果在画的过程中发现会有想法慢慢出现，在意外和控制当中画面会慢慢的自然形成，所以其实没有那么难，也挺有意思。有些画面用笔看上去有些紧，多画应该慢慢就好了，最后一张就挺放松的。
第五阶段 室外风景结构 1、风景绘画结构 课程要求：分析临摹塞尚作品（小画）。临摹分析之前先画对应的这张风景照片，用之前的节奏、结构训练快速画小画，然后再临摹塞尚，这样就形成直观对比。大家按照这个作业要求去练习和比较，自然会有体会。临摹塞尚指定的作业后，可以临摹学习其它风景作品（自己喜欢的塞尚和莫兰迪风景），也可以尝试画一些身边风景，或者网上风景图片，目的就是借助风景，去主动的把握画面节奏、结构。照片写生，直觉、结构练习不少于五张。塞尚临摹不少于五张。 总结：1、画塞尚作品和照片的小稿进行对比，没有好好领会老师的要求，画的草率简单了，应该按照老师要求，各种形式的都画一下。
2、试着画自己拍的风景照片，太被动了，没怎么变动场景，只是在小的细节方面会根据画面的结构、节奏和势有所调整，这远远不够。一定要学会运用直觉作画，不能被动描摹。
3、找了一张塞尚作品的实景照片，自己先对着照片画了一张，这次显得主动了许多。所以只要意识增强，多加练习，一定会有进步的。然后又对着塞尚的作品临摹，发现他的画面结构严谨、丝丝相扣，大关系非常明朗，同时细节又比较丰富，相比之下，我的画面看上去太“软”了。
2、风景绘画结构进阶 课程要点：结构不是提前预想好的，是在绘画过程中不断生发、直觉即兴生成的，当然这里面肯定有之前训练和观看作品的影响。如何做到既是偶然又是必然，是需要你们去体会的，但一定不是设计出来，提前预想好的，这样的绘画过程也会没有意思。在目前的阶段，尤其画画的过程不要过分理性，当下直觉依然重要。画完中途可以适当分析，一旦开始动手要回到直觉的状态。所以动手才是关键，第一笔带动第二笔，不断生发，画的过程不要预设，不要过分理性，所以第一笔既不重要，但也很关键。 有空开始画些小稿（要限时，五分钟，十分钟，别超过25分钟，不给完美主义拖延患者，没大块时间的理由），有满意的小稿再画一张大一点的深入。 画照片时不用原图，放大细节不是为了画得更客观真实，而往往会让新手更被动。建议有意去色，将照片适当模糊细节（很多画家都是这么做的），客观不再那么强的时候，你才有了更多主动的空间。 总结：小稿画得比较顺利，发现画小稿还是挺有乐趣的，可以把更多精力用在组织画面上，可以慢慢锻炼自己的胆量，这次终于敢移动画面景物了，也尝试着做一些简单的取舍和加工，很有收获。然后选择其中一张小稿深入，画的过程心比较静，好像找到了小孩子专注玩耍的感觉。这次的作业有时候会借助左手，发现用左手的时候心态比较沉浸，更容易放松和专注，更容易让人进入状态。
明月长期课总结（三） 第六阶段 结构与直觉的深入 1、再回到直觉，直觉的深入和具体 课程要点：从局部画起，一点一点推着画，不考虑结构，结构已经在前面的训练中内化在大家的意识里了。这个阶段要完全沉下来，回到自己，去享受过程，让结果保持开放和未知。不要提前预设结果，画画也跟演戏一样，提前预设结果，知道结果，就会起范（程式 概念）。形式结构训练最好到意识，而不是标准。绘画过程中，尽量是一种（清空之后未知）慢慢清晰的过程。而不是一开始过于明确（有时为了打消过于明确概念的结构，有意要去打破）。 秋林老师语录：很多时候，新的突破是从失控、从错误开始的。我们之所以喜欢画画，喜欢一直去画，是因为画的过程里面的未知 ，不知道最终要到哪里，带着好奇在探索。而你发现，很多人之所以不太喜欢画画，坚持不下去了，是过于控制，过于明确自己要的最终效果，或者没有新的可能性，在不断重复了。 总结：大胆画，不讲道理，凭着直觉，信任自己真的很重要。通过这次作业的练习和体会，觉得达利、卢梭、毕加索这些大师的画好像没有那么难了，他们的作品应该不是硬画出来的，而是运用了大量丰富的直觉。直觉一旦调动起来，可能画画真没有那么难。直觉的世界是自由的，无拘无束的。体验到了老师说“要一本正经的胡画，要认真的胡画”的含义，即便是“胡画”，也是“我”在“胡画”，所以画的仍是我们“自己”。
2、绘画材料与创作 课程要点：用丙烯或油画先凭直觉和无意识在画布上涂抹，在过程中出现想法或内容可以画下去，或者在此基础上画自己提前预设的主题，这样画面就会显得有些意想不到的鲜活。前面阶段和目前阶段都是提供给大家一些深入的方法，尝试之后，要找到适合自己的，或者自己可以主动的尝试，让自己投入进去。找到让自己能画进去的方法，享受这个过程很重要。 一：找到自己能画进去的方法，让自己享受这个过程，不心急的方式。 二：一张画上面多投入时间，每个局部要画到位，画耐看。 三：一开始有一个方向，可以在旧画上面画，要么就是做几个底（按课程凭直觉注重材料特性）的画。或者根据已有的画面进行延伸慢慢明确方向。 方法有感觉，画面有表达的强烈愿望有兴趣很重要，这是前提。如果之前那种从局部开始画有感觉，可以继续这样画或者结合起来。沉住气，不将就，围绕自己的感受，不断的去画，不放过任何一个局部，即使虚，也要画到位。关注过程，关注状态而非结果，让自己尽量进入到一种心流的状态 。 总结：按照老师的程序画下去，画面出现了许多意想不到的东西，形象非常“自然天然”，慢慢从无意识转向有意识。心态上的体会是，一定要慢下来，不要着急，一幅画有它“慢慢生成”的时间。现在觉得画画是一件特别有意思的事情，让人想去探索和学习。要提高的地方很多，欣慰的是，心好像有点沉下来了沉进去了。
虽然目前的画面还有很多不足，但我觉得这些都不那么重要了，因为体会到做一件事情的乐趣的时候，过程才是最重要的，结果已经没有那么重要了。而且通过跟随老师课程学习，我觉得我现在的道路和方向是正确的。因为当有一天方向和道路正确的时候，其实自己是能感觉到的。感谢秋林老师的教导，感谢同学们的一路相伴、相互启发和鼓励！
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