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“肖像不是临摹。当我们把情绪或事实发生的那一刻变成一张照片时，它就不再是事实，而是一种观点。所有的照片都是准确的，但它们不是真理。”理查德·阿维顿（Richard Avedon，1923-2004），20世纪最具影响力的时尚摄影师之一，他以细腻、简洁，且极富情感表现张力的名人肖像而闻名。 阿维顿的职业生涯始于第二次世界大战期间，其时他在美国商船队服役，被分配到摄影部门。他曾说：“我的工作是拍摄身份照片。在我想到自己要成为一名摄影师之前，我一定拍了十万张脸。” 战后，阿维顿为《时尚芭莎 (Harper's Bazaar)》工作。当他开始拍摄，便热衷于把背景选在大街上、夜总会、马戏团、海滩等。在他的照片里，模特常常处于运动中，比起只是扮演活的衣架，她们看上去更贴近生活，且富有生命力。阿维顿为当时沉稳的时尚摄影注入了活力，展现出前所未有的戏剧化的影像风格。1966年，阿维顿加入《时尚（Vogue）》，1992年成为《纽约客（New Yorker）》的第一位官方摄影师，并持续工作，直至2004年因病去世。具有开创意义的时尚摄影是阿维顿职业声誉的重要组成部分，但从一开始，他同样也专注于肖像领域。并且因为在时尚领域的极大成功，使他可以从容地深入一些重大拍摄项目，自由地完成自己的艺术追求。这些作品也就构成了阿韦顿影像成就的另一个层面，比如对美国民权运动、越南战争、西部底层劳动人民等题材的拍摄。（1985年出版） 1985年的《在美国西部（In the American West）》是美国摄影史上的一个里程碑，也是理查德·阿维顿最重要的作品集。他为西部油田和屠宰场工人、矿工、女服务员、流浪者、精神病人、青少年拍摄肖像，捕捉了那些从事艰苦、平凡工作的不知名且经常被忽视的人。 什么让他与众不同？ 对于阿维顿来说，他的主题——人物，是画面中的绝对焦点，无论他试图讲述什么故事，或是表达什么样的情感，都要靠人物本身，甚至只有人物的面貌、体态、姿势和表情去传达。为此，他极力减少可能掩盖人物主题的任何其他元素——比如，大部分时间使用纯色背景，采用最基本/简单的灯光设置，拍摄黑白照片，从而以极简的画面形式，通过人物动态表现服装；或是拍摄人物肖像时，经由姿态、手势和表情来揭示人物内心。就像我们常说的那样：为拍摄对象的内心打开一扇窗。 他的开创性意义不仅仅局限在影像形式上，更在于特定风格和叙事目的的高度统一，充分发掘了影像中所具有的：暗示人物个性的力量。从而达成一种美学上的凝练——构图的简单和构图的活力高度并置。运动 他的照片是关于运动的——即使是最正式的服装，阿维顿也会引入动感，赋予它们一种令人兴奋的情绪：新鲜、流畅，最重要的是真实，而不再是希腊雕塑般的凝固而完美。精简的审美和动感，代表了那个时代所内蕴的一股狂热的能量。线条 遵循美学原理用线条构建画面，达成极简且有力的构图。比如我们都知道的那张“Dovima with elephants”。阿维顿认为这张照片不够完美，原因是裙子的腰带没有向左飘，所以破坏了画面中的线条走向。这体现了他对照片设计的重视程度。他大量使用对角线及S形的主体线条，从而有助于凸显框架中的运动趋势，也可以引导视线穿过框架，向画面外缠身延展。手势 他非常喜欢表现人物手部动作，更重要的是，在他的肖像中，手成为了“有性格的手”，不仅仅为了构图或者造型需要而存在，而是要暗示人物的态度和见解。手部姿态的加入，很容易打破人物肖像的“静态平衡”，可以有效增加画面的变化与力度。依靠头部、身体、手的方向与力度，在静态中体现出运动的趋势。人物的身体是静止的，但是面部的表情和手的姿态带动了人物的身体，从而在照片中体现出一种动态。眼睛 他在安排肖像结构时，采用的对焦区域非常狭窄，图像中最清晰的部分是脸，尤其是眼睛。同时，他的构图形式经常会以人物的一只眼睛（有时是主眼——最靠近相机的眼睛，有时则不是。）位于画面中线。这使图像中的人物更显强大，更具视觉吸引力。（采用非主眼中心时，这种感觉似乎更加突出。）叙事 阿维顿意识到，销售一个关于欲望和魅力的故事与销售产品本身一样重要。于是他总是从戏剧中汲取灵感，虚构一个故事性的场景，让画面里的模特（表演）活在自己的情境中。  照片创造了一个虚构的故事，在这个故事中，拍摄对象没有（表演）注意到她正在被观察，只是审视自己的外表，这种表现方式很自然地让人想起德加那些聚焦芭蕾舞后台的画作。
简单 1950年代末，阿维顿开始对日光摄影和户外场景感到不满足，因此他转向影室拍摄。他会用简单明了的灯光风格及设置，大多数影室片都使用加反光伞的单灯拍摄，背景上可能有额外的辅助灯光。由于他的拍摄对象总在移动，为了捕捉动态图像，会有一个助手将光源放在吊臂上移动，这样就可以让阿维顿跟上模特的步伐。单一光源 在他最著名的“在美国西部”中，阿维顿试图通过每幅肖像展现一个特殊/特征/性的人或故事。因此，当他在美国西部各州寻找“中产阶级工人”时，他创造了一种拍摄方式——将白纸固定在墙上、拖车或建筑物上，然后为处于阴凉处的人物拍摄。
相关书籍 摄影师劳拉·威尔逊 (Laura Wilson) 在阿维顿拍摄《美国西部》的六年时间里与他一起工作。在这本书（《Avedon at Work》）中，她展示了阿维顿创作这部影像杰作的记录——将在摄影期间拍摄的图像与日记中的条目结合起来，展示 阿维顿的工作方法、他对主题的选择、他的创作过程，甚至他的实验和失败。为我们对二十世纪最重要的肖像系列之一的理解增添了新的维度。摄影师劳拉·威尔逊 (Laura Wilson) 在阿维顿拍摄《美国西部》的六年时间里与他一起工作。在这本书（《Avedon at Work》）中，她展示了阿维顿创作这部影像杰作的记录——将在摄影期间拍摄的图像与日记中的条目结合起来，展示 阿维顿的工作方法、他对主题的选择、他的创作过程，甚至他的实验和失败。为我们对二十世纪最重要的肖像系列之一的理解增添了新的维度。 Performance: Richard Avedon 结语： 阿维顿曾将自己的时尚和人像作品明确区分为“拍摄表演与拍摄事物的真实本质”。但即便是为他带来转折性意义的《在美国西部》，在当时也受到了非常广泛的批评。比如，认为阿维顿通过强调人物肉体的缺陷或变形，使他们呈现为一种脱离现实的“视觉装置”。尽管在表面上具有现实主义色彩，但实际上却在促进虚构，因此这种现实主义只是另一种形式的技巧。有的批评更是指责阿维顿通过“去语境化”来利用他的被摄者，从而将他们转变为“原型主题”。这不仅违背了纪实传统，更体现出创作者并不愿意去观察弱势群体的生活，只是用一个既定的框架来编织他们，让他们摆出如同模特一样的姿势。 这些相关批评可能未必正确，但也确实直指问题的核心，我们应该如何看待真实，或是所谓的“真实”，以及我们需要如何看待它。这大概也是阿韦顿后来对自己的观念提出修正的一个原因，即“所有的照片都是准确的，但它们不是真理。” 罗兰·巴特巴特曾经写道：“伟大的肖像摄影师是伟大的神话学家”，因为他们能够捕捉“一张脸（独特性的绝对标志）或一个手势（一种纯粹偶然的行为）并将其呈现出来，就好像它是一个种族、一个国家或一个阶级的面孔。”这种提炼——将个性的面孔与某种共性糅合，是肖像的魅力所在，但它也必然意味着主观化的判断与取舍，乃至误读，甚至可能掩盖真相。
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