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10位 中国当代 影像 人物
一年一次、摄影文化盘点 贡布里希在他的《艺术的故事》一书中曾这样写道：“There really is no such things as Art. There are only artists。（沒有的艺术这种东西，只有艺术家。）” 藉由这句经典的话，我们或许可以转述为：没有摄影这种东西，只有摄影师/摄影艺术家。 在2019年中，我们对在中国国内产生影响的摄影师/摄影艺术家进行了梳理，从中选出10位比较有代表性的人物，他们基本呈现了摄影文化在2019年的面貌和发展状态。 ZHANG KECHUN 张克纯 用摄影来和景观对话的摄影师
在2019年4月27日，张克纯荣获由成都当代影像馆设立的“金熊猫摄影艺术大奖”。“金熊猫摄影艺术奖” 是一个由成都当代影像馆设立，以思想性、学术性、艺术性为基础，推动中国摄影发展为目的，以表彰在中国具有广泛影响力、学术思想、独立精神、艺术创见的杰出摄影艺术家的奖项。它的评委有：塞巴斯提奥·萨尔加多（Sebastiao Salgado）、贝尔纳·弗孔（Bernard Faucon）、米尔顿·顾然（Milton Guran）、南条史生、王璜生等人。2019年10月25日，“行望山河——张克纯作品展”在三影堂艺术中心开幕。本次展览是张克纯十多年摄影创作的一次总结。他以其后工业化中国风景的大画幅作品为人所熟知，创造了史诗般的“远景”，讲述了现代中国民族认同中的景观的意义。他认为，一直以来，山水都是中国人情思中最为厚重的载体。游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为演绎山水的主线。在他的最新作品“中国系列”中，他在以中国山水来展现中国民族景观的基础上，加入了更多的中国社会元素，以进行他摄影创作上新的尝试。
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过去十多年来，包括其最新作品《中国》在内的张克纯的所有观看，都聚焦于人介入的、被人改变了的自然风景。通过这些倾注了他的个人观点与观念的风景，他向我们展示了在文化和自然的双重作用之下的中国景观之变异，并且以其独特的摄影语言风格，呈现了他与自然的对话与关系，以及体现在这种关系中的人文立场。 ——顾铮 CHEN RONGHUI 陈荣辉 摄影的实践者转型为摄影文化的传播者
在2019年连州国际摄影年展中，中国摄影师陈荣辉凭借作品《空城计》获得青年摄影师奖。《空城计》是陈荣辉在2016~2018年间，历经三年时间创作的关于中国北方城市转型的视觉调查，主要聚焦于中国的城市化过程中充满朝气的年轻人的故事，真实而又充满艺术性地再现了年轻人面对社会变化时的选择和坚守。陈荣辉用精准的观察力，以摄影的方式呈现出了这个时代的发展与变化。 2019年，对于摄影师陈荣辉而言，这是一个十分特别的时间点，他辞去了Sixth Tone视觉总监一职，前往美国的耶鲁大学重新学习——对于一名颇有名气的摄影师而言，这十分难得——提及这所世界著名校府，那里不仅有每年仅招十名的全美第一摄影专业，它更意味着一种流派的传承。从沃克·埃文斯（Walker Evans）到托德·帕佩乔治（Tod Papageorge），再至格里高利·库留徳逊（Gregory Crewdson），这些大师履践人文的足迹，正是如今的陈荣辉渴望去追随和延续的…… 进入耶鲁大学摄影系之后，陈荣辉开始每天写日记，并在周末整理，发在自己的微信公众号上，从而让更多的摄影爱好者更直接更客观地了解美国摄影的状态和美国摄影教育的状态。他也开始从一名摄影的实践者转型为摄影文化的传播者——“转眼一个学期就过去了，仿佛我昨天才来到学校报到。一开始写周记的时候确实没有想过可以一直坚持下来，因为时间是最无法抵挡的敌人。而时间这个概念又不断在变化，这一期的十三邀里学者项飙就说到了这个问题，以前是一袋烟的工夫，现在是精准到外卖小哥必须在30分钟抵达。对于看我周记的小伙伴来说，时间就是大家马上要陪我一起度过了在耶鲁大学艺术学院的第一个学期。”
＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜ 选自“空城计”系列 © Chen Ronghui LI LANG 黎朗 喜欢深入探究的摄影艺术家
摄影师黎朗凭借《某年某月某日》摘获2019连州国际摄影年展的年度大奖——“刺点摄影奖”。 《某年某月某日》分为照片和声音两个部分——照片是黎朗在火车上以统计学采样的方式拍摄的窗外风景，录音则是通过志愿者来围绕“你是如何描述你的现实的”和“这些现实是如何影响你的”这两个话题来展开对谈的录音——每个人差不多聊1~2个小时，视频当中的文字便是从对谈中抽取出来的，每个人1~2句。照片以幻灯的形式播放，录音则是低声的音箱。黎朗营造了一种特殊的情景——火车运动所带来了时间和空间上的双重变化；而文字和对谈的录音则又像是一种若隐若现的线索，勾引着每一个观看者不由自主地去思考“现实”的意义所在。“在生活中，普通人都是现实的旁观者。在毫无知觉中度过无数个周而复始无趣的日子之后，我们庆幸自己生活中的平安，暗自庆幸那些不幸的事没有发生在自己的身上，就像始终坐在火车上观望着窗外和我们没有任何关系的景观一样。因为我们习惯做为一名安全的旁观者。但是别忘记，火车终究将会到达终点，我们这帮旅客终究将走出车厢，回到现实。千万不要觉得现实就像窗外的风景一样，宁静无声。其实，我们只是听不到外面的声音而已。” 黎朗，中国当代摄影的代表人物之一。从1990年开始，他一直在尝试以摄影和摄影师的主观方式来进行创作。凭借《父亲》系列（2010~2015），他获得了2015年连州国际摄影连展评委会特别奖。他的另一个重要作品系列《彝人》，其中部分作品被美国旧金山现代美术馆收藏。他的作品还被其他重要的机构收藏，包括上海美术馆、广东美术馆、加拿大安大略美术馆、西班牙瓦伦西亚现代艺术博物馆等。
＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜＜ WANG QINGSONG 王庆松 影像艺术家与影像策展人的双重身份
在2019年5月24日，“别样'纪实’——王庆松作品展” 在武汉合美术馆开幕。展览展出了王庆松1998年至今创作的31件（组）作品。对于1996年开始从油画创作转向摄影媒介的王庆松来说，这次展览无疑是一次摄影创作的线索梳理。“强调艺术创作与社会现实的联姻，进而以深沉而鲜活的生活经验来体现他的艺术观念，是王庆松的核心价值观。而其中包括对教育问题、医疗问题、房屋拆迁问题、消费问题与各种异化现象的深层质疑”。王庆松的摄影揭示了当代生活的新的可能性，他在摄影作品中所表现的怀疑、戏谑，使得摄影艺术既不再像传统摄影那样建立起刻板的判断标准，也使得其艺术创作更具实验性。实验艺术潜在的决定因素是崭新的生活体验和生命体悟，好的艺术永远不会是技术的附庸，而应该是思想与生活的创造者。 作为一位著名摄影艺术家的同时，王庆松也是一位杰出的影像策展人，在2019年，他成功策划了《2019金熊猫摄影奖作品展》《借山描景》《顿——广东摄影群体展》和《她说》等几个展览，对于其中的《她说》，策展人崔灿灿这样评价：“摆脱了简单的女性传统视角，是非对抗的感知，是一种后现代文体表达方式。”对于策展人身份的意义，王庆松是这样回答的：“我这几年谈不上策划，至少是我在组织行业工作，组织过大型展览、双年展，组织过摄影节，也组织过影像馆的开馆。我想我们应该对摄影做一些服务。有人不停地问摄影的春天什么时候到，我说我不知道，但是我希望大家都能作出一点努力，让摄影有一个春天，因为摄影创作者在中国是非常大的一个群体，但是整个艺术领域对摄影的认可还远远不够。”
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LIU KE&HUANG HUANG 刘珂 & 晃晃 他们用摄影来找寻彼此
2019年4月6日，刘珂&晃晃凭借《镜子》系列作品荣获第十一届三影堂摄影奖大奖。瑞士摄影基金会总监兼策展人彼得·福伦德这样评价他们的作品：“刘珂&晃晃的作品非常优秀，用了2年的时间集结了1400多张的作品，是非常个人和私密的创作，在这个过程中刘珂&晃晃创造了新的拍摄关系，不仅仅是围绕某一主题展开的讨论，而更像一种相互表达和相互探寻的表达方式。在这个过程中两个摄影师进行互动，像孩子一样的玩耍游戏，并以日记的方式呈现出来，不仅是摄影更是一个装置，观者可以在观看过程中发现更多细节。” 刘珂，1977年生于四川成都，自幼跟随家人学习美术；晃晃，自幼学习舞蹈。二人均现居成都。在作品介绍里，记录着这么一段文字：“2017年起，我们开始每天为对方拍一张照片，就像每天观察裸露在镜子里的自己。暴露的危险，神秘的吸引，我们在镜子面前肆意的哭泣，欢笑，嘶吼，沉默，将所有的热情燃尽化作零散的灰烬。我们用尽全力的生长，每一天都像是结束前的灿烂。我们依旧纯真如初，单纯而危险。两年，730天，1460张碎片一样的照片，它永远留存在我们彼此的生命里。”他们通过打破所有陈腐和僵死来重新建立关系，通过崭新的观察，敞开的心灵，通过摄影这个媒介来传递和寻找，用影像来召唤相互之间共存的气息和能量，以此获得重建的力量。他们生活和作品的核心是通过神秘未知的吸引来唤醒死气沉沉，而不确定的过程正是流动的象征，才可能拥有无限可能性的结果，而这一切都是寻找自己的过程，是人们最终成为自己的途径。
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我们不可能逃脱关系。关系就如一面镜子，我们在其中可以看到自己，发现自己的本质、自己的反应、偏见、恐惧、沮丧、焦虑、孤独、哀伤、痛苦、悲恸。我们还可以发现自己是否有爱，或是世界上到底存不存在叫做“爱”的东西。所以，我们将要探寻关系中的这些问题，因为这是爱的基础。 ——克里希那穆提 LUO YANG 罗洋 身体才是她摄影关注的根本
罗洋，1984年生于中国辽宁省，现生活和工作于中国北京和上海。作为摄影师，她的作品聚焦当代中国语境下不同背景与时代的女性，试图通过镜头呈现女性内在真实的情绪与精神世界。2012年，她被列为“中国摄影界的新星”之一，并随后作为受邀的中国新兴艺术家之一。2019年，罗洋凭借Youth这个展览，荣获了“集美·阿尔勒女性摄影师奖”。“女孩们”系列作品是一个持续的拍摄项目，影像来自于罗洋和一些女孩的成长过程。本届女性摄影师奖评委、艺术家曹斐表示：罗洋是本届评选中，由7位评委一致推举的艺术家，她在过去10年中一直在不停地创作。在她最新项目Youth 中，罗洋的视点从女性转换到更为广阔的性别种类，但还是聚焦青年文化本身。希望罗洋可以在接下来的创作里，在离开本人的青春之后，思考如何面对被拍摄人群的、包括自己本身青春的消逝，如何面对今后创作的历程。 此外，自2017年起，罗洋开始为NUMERO VOGUE NYLON 等时尚杂志工作，也开始尝试许多摄影以外的艺术表现形式，开始将艺术与时尚有机的结合起来。对于时尚摄影的创作，罗洋曾这样解释：“说白了就是拍人物的照片，只是说更多是拍些公众人物，衣服和造型更漂亮精致些。但我拍摄时候是希望首先被拍摄对象是'人’，其次才是所谓的身份，这样才能拍好吧。”
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其实拍摄时候，她们是在面对她们自己，我拍摄的方式只是一种鼓励和释放她们自己的契机。也没有刻意她们打开心扉，很多也是第一次见面就拍摄的，我觉得首先是她们的信任感和安全感。 ——罗洋 YI LIAN 易连 游走于现实与虚幻之间的艺术家
凭借《痴人说梦》系列作品，易连获得了2019集美·阿尔勒发现奖——这也是继雷磊之后，又一位以影像类作品荣获此奖的艺术家。 《痴人说梦》分为两个不同的线索展，一个线索是艺术家从2010年起，以一种科学图谱化的方式，拍摄记录了大量的视频，来展现梦境中的故事；另外一个线索，是艺术家不断回溯梦境中自己和故乡的关系，并以影像的方式呈现——这两者是互相呼应的，艺术家希望通过10年的故事，来重新梳理10年中对影像和图像的理解。易连在接受媒体采访时表示，《痴人说梦》体现了人作为一个个体如何去理解自己，因为自己的梦境十分清晰，所以多年来都有记录梦境的习惯，但并没有形成完整的作品，在决定参加本届集美·阿尔勒国际摄影季之后，他才进而开始思考如何梳理呈现自己10年来积累的素材——在整理的过程中，慢慢从中看出了关于梦境的抽象联系。
易连，1987年生于江西宜春。2005~2009年，就读于中国美术学院新媒体系获学士学位，2009~2012年，就读中国美术学院跨媒体艺术学院获硕士学位。现生活工作于中国杭州，从事与影像和创意类相关的工作，多次参加过国内外艺术展览。近期展览有：“易连——天堂电影院”，“时间轴上空无一人”易连个展，“畜牲——易连个展”……
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ZHONG WEIXING 钟维兴 中国当代摄影文化的积极推动者
2019年4月27日，成都当代影像馆在四川成都顺利开馆，它的创始人便是钟维兴。作为一个坐标中国西南地区的专注于当代摄影及影像艺术文化机构，它与全球著名影像艺术机构紧密合作，致力于高品质的影像艺术展览、有深度和高度的学术研究以及公众视觉修养、审美教育的传播和普及。成都当代影像馆拥有一批重要馆藏摄影作品——包括了塞巴斯提奥·萨尔加多、贝尔纳·弗孔、亨利·卡蒂埃 -布列松等人的作品，成都当代影像馆会长期、系统地向公众展示这些艺术家的作品和相关文献，还会不定期举办各种相关的讲座、放映和工作坊等影像教育活动——作为成都当代影像馆的创始人，钟维兴为中国西南地区摄影文化的发展做出了非常重要的贡献。作为一名中国摄影文化的推动者，钟维兴，还是一名颇有成就的摄影实践者。自2003年起，他开始系统性进行摄影艺术的创作——历年来创作了《天路》《失落园》《天玄地黄》《马达加斯加影像日记》《秘鲁影像日记·山巅上的乌兹托克》《斯里兰卡影像日记化相重合的瞬间》《恒河系列》《美国西海岸》等摄影艺术作品。从2015年开始，他开始用镜头记录了世界众多当代摄影大师的面孔——让-吕克·蒙特罗索（Jean-Luc Monterosso）把钟维兴的这个拍摄称作“摄影大师的先贤祠”，而著名摄影师布鲁诺·巴贝则更是盛赞这是在完成一部“摄影史的圣经”。2019年10月30日，2019年首届法兰西艺术院“威廉· 克莱因摄影奖”在法国巴黎设立钟维兴受邀参与了奖项评选，并担任评委会联合主席。为世界摄影文化的发展，做出了杰出的贡献。
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CHEN CHUANXING 陈传兴 将影像的意义重新展现在人们的面前
2019年11月2日~2020年1月12日，龙美术馆（西岸馆）举办了艺术家陈传兴的《萤与日》摄影展，此次展览为其“个人精神史”的第二部曲。将首度呈现由艺术家细心珍藏了40多年，亲手放晒的136件珍贵银盐原作照片。透过艺术家的视角，引领观者凝视、感受被称为“诸神的黄昏”的20世纪70年代末（1976~1980年）的法国、英国、爱尔兰等欧洲国家及美国城市空气与社会氛围，镜头下凝结的情感与思想的冲撞，仿佛全带有生机。在图像时代的当下，陈传兴让我们重新思考影像的意义，以及人与影像之间的关系——这尤为难得。 《萤与日》不同于往常只展示最终摄影成果的展览，展览的空间里加入许多巧妙的心思，以光线、空间、物质材料，交会出暗室里抽象的无意识和时间感知的影像装置与投影空间。设置能直观感受的热蒸气显影过程生态箱装置、长达十公尺的触摸显像长墙、记录着反复无数次实验而得的最佳影像数据纪录墙等，将暗房到影像的过程化为另一种艺术的形态呈现。并特别设计安排展出各种底片的状态与影像的比较，展现影像底片如乐谱般，透过暗房工作者诠释，释放出底片的各种可能性，产生不同的阅读感知。 陈传兴，法国高等社会科学学院语言学博士，行人文化实验室创办人，台湾清华大学副教授，2012年获颁法国艺术与文学勋位（军官勋章）。他长期耕耘美学、哲学、精神分析与影像论述等领域，同时是摄影家、艺术评论学者、作家与电影创作者。拍摄纪录片包括有《移民》《阿坤》……亲自执导了《如雾起时——郑愁予》《化城再来人——周梦蝶》等纪录片。重要著作包括有《忧郁文件》《银盐热》《木与夜孰长》……1975年，陈传兴在台中举办摄影个展《芦洲浮生图》，2015年在中央美术学院美术馆（北京）、民生现代美术馆（上海）举办大型摄影个展《未有烛而后至》。
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WANG HANLIN 王翰林 年轻摄影人的新状态
对于王翰林来说，2019年是一个非常特别的年度，从中央美术学院毕业后，他面临人生新的开始——平衡生存与摄影创作之间的状态是他首要面临的问题。在这样的状态下，他的许多作品频繁地出现在众多的影像展览之中——连州国际摄影年展，第21届上海国际艺术节，“重新定义”上海青年艺术博览会，丽水摄影节——“探索中”青年摄影展（获得专家推荐的新人奖）， TOP20中国当代摄影展，第27届中国摄影艺术展，“极端关系”公共艺术展，第二届深圳大学生艺术博览会（影视展览区），《中国摄影》杂志和尼康年度优秀摄影作品展……
《内啡肽的火焰》系列 2019年11月，王翰林凭借《内啡肽的火焰》系列作品荣获首届“1839摄影奖大奖”——他也是首轮评选中唯一一个获得评委全票通过的参赛者。 对于摄影高校毕业生而言，如何在个人生活和影像创作之间做出选择，是一件比较艰难的事情——所以，从某种意义上讲，王翰林在2019年所做的诸多实践，给予了当下的年轻人许多实际意义上的意见。
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