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气韵生动 意境深远---著名画家崔兆爱作品赏析

2019-05-03  出生上海...

气韵生动 意境深远---著名画家崔兆爱作品赏析

画家 崔兆爱

崔兆爱,笔名润石,心一居士、岩润轩主。祖籍山东莒县,职业画家,现居北京。2005年入中国画研究院(现国家画院)学习。中国纸油画研究会会长、黄宾虹艺术研究会研究员、中国国画家协会理事、北京中国画院画家、文化部中国画创作中心画家、山东画院高级画师。临江市美协副主席、书画院副院长、临江市中国画学会副会长。

2007年出版发行个人专集《崔兆爱纸油画作品集》《崔兆爱国画作品集》。

一、“气韵生动”的起源

“气韵生动”是南北朝画家谢赫《画品》论述六法中的一法。谢赫(公元479-502年)中国南朝齐梁间画家,绘画理论家,著作有《古画品录》也称《画品》,为我国最早的绘画论著,评价了3世纪到4世纪的重要的画家。《画品》首先提出绘画的目的“明劝诫、著深沉,千载寂寥、披图可鉴。”六法即《画品》理论中的内容。六法包括气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摹写。这六项要求针对的是人物画。“气韵生动”自古便是中国画里最高境界的标准,历代画家也都为此心摹手追,气韵由原来的重视人物画扩展到花鸟山水画,在南北朝以后,绘画内容由人物的精神扩展到为画面的形式以至用笔,在一千多年的绘画领域充当着中国画论中最重要的艺术原则。

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二、笔与墨的关系

画家对生活的熟悉,有敏锐的观察力,受生活感动产生激情,也就是“灵感”。中国画里最重要的就是画面的生动,不论人物,花鸟都要生动,而生动来源于生活的感受和激情。清人石涛讲:“千笔万笔,物一笔是山,千笔万笔,无一笔是笔。千笔万笔,复归一笔。”那么这里的“笔”是什么呢?在一般情况下“笔”应该定义为所有可以成为画面的内容,形式和所要表达精神这个有机整体不可分割的一部分的所有线条,笔墨,结构,色彩等绘画元素。然而在中国画里,所谓的“笔”实际上讲的不单单是线条,而是包含了“墨”在内的“用笔”之道。这也从另一个层面上契合了“书画同源”中国画的气,“气韵生动”主要体现在笔墨的运用上,一幅好的中国画很讲究笔墨的气势连贯,一气呵成。

气韵生动 意境深远---著名画家崔兆爱作品赏析

三、“气韵生动”与“神似”

中国画讲究“神似”,而气韵生动和神似之间有着十分密切的关系。在元代,当时著名的诗人、文学家、书画家和戏曲家杨维桢就曾说:“传神者,气韵生动是也”。气韵是与“形似”紧密相连,但是却又是超越了“形似”的所在,只做到“形似”是不可能体现出“气韵生动”的,而只有达到了“神似”的境界才能体现出“气韵生动”。在创作的过程中如果只是注重外表的形似,而没有能对审美对象的内在实质精神进行把握,那么其创作的作品是不可能体现出“气韵生动”的特质的,这又和白石老人的“似与不似”的观点相契合。东晋的画家顾恺之就曾提出过“以形写神,传神写照”的观点,并且被后代的人所推崇。其中“形”指的就是一个物体的外表、形态、形状;“神”则是形体的内部所包含的风骨、神态、精神以及生命力。

气韵生动 意境深远---著名画家崔兆爱作品赏析

利用感性的形式来进行描绘,最终对神态气质进行表现。形只是一种用来表现的手段,而神才是创作的最终目的。只有达到了形似的要求,才能往着神似的方向前进,达到了神似才能够让形似具有更深层次的意义。为了能够做到传神,就需要从写形开始,但是需要注意的是写形并不是目的所在,最后仍然要做到写神,并最终实现“形神兼备”,这才能够真正体现出艺术的本质,而中国画一直以来的追求也是如此。“气韵生动”与“神似”之间的关系是相当紧密的。

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四、“气韵生动”与性灵的流露

中国画很多时候不仅仅是注重绘画的技巧,同时对于画家的人品有着一定的要求。人品主要来自于修养,明代的文征明就曾说:“人品不高,落墨无法”。在绘画的过程中,对于客观的景物所具有的品质需要通过画家来进行表现,而在表现的过程中,画家的品质就会产生作用,并持续到绘画的完成。这个也就是通常所说的人品决定“艺品”。“气韵生动”虽然指的是作品,但是作品确是画家对于事物的认识与再现,因此只有绘画中的性灵流露才能真正做到“气韵生动”。

气韵生动 意境深远---著名画家崔兆爱作品赏析

艺术的创作和画家的人品、胸怀、气质、才情、精神境界都是密切相连的,也因此在我国的传统美学之中才会追求“文如其人”、“画如其人”、“诗如其人”、“书如其人”。画家在绘画的过程中,只有自身具有不凡的品格,才能让自己所创作出来的作品具有独特的艺术风格,也只有这样才能在做到性灵流露的同时达到“气韵生动”的境界。同时画家不仅仅需要具有高尚的情操,同时还需要具备一定文化功底,这样才能让自己的艺术创作达到“气韵生动”的境界。

气韵生动 意境深远---著名画家崔兆爱作品赏析


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五、“气韵生动”与“意境”

在中国画中,对“意境”有着较高的要求,而“气韵生动”和“意境”之间有着相当紧密的联系。在近代,王国维提出了“有我之境”的意境简介,认为艺术家创作的过程中将情感融入到具体的物种,让所描绘的对象能传达、表现出自己的情绪与意向,用自己的笔来表现出自己的情感,通过对时空境象的描绘,实现情和境之间的高度融合,这也是艺术家所追求的境界。苏轼曾经提出“胸有成竹”,这是中国传统美学经验的一种概括,也是造型艺术的一种常用的美学概念。主要包括有三层意思:第一层是艺术家在进行创作的过程中,需要进行反复地考虑与推敲,最后形成整体性的审美意象;第二层则是在孕育出了一个成熟的整体审美意象之后,要能做到一气呵成、一挥而就,而不是今天一点、明天一点拼凑而成;第三层是由观赏所形成的“气韵之竹”。“意境”是否高远也直接决定着“气韵生动”。


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总之,综上所述,气韵既包含着所描绘物象的内在精神,又体现了画者在笔墨挥洒之间充分宣泄着自身的才识、情感。同时,在艺术实践中,还应加强自身学习和修养,从传统文化中获得丰富的宝贵财富,放开眼界,兼收并蓄,磨砺品行,陶冶情操,使绘画作品达到一个崭新的艺术境界。

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中国山水画不同于西洋风景画,它独具特色自立于世界艺术之林。翻开山水画的历史,我们看到无论是宏伟巨制还是咫尺小品,绝大多数都是近中远景气象不同,是一种将自然景致烂熟于心后重新构建的胸中丘壑,是大自然的蓬勃生机与人类的精神文化的高度统一,是民族生存的感情投射的艺术空间。且不说北方山水画派大山大水的雄风奇骨,即便是自元代以来的文人风格为主的山水画,也大多为全景或半全景,也是具有“大山水”特色的。

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笔墨技法,是中国画独特的艺术手法,我们应当努力继承传统的笔墨功夫将其发展创新。但是我们不要忘记、正如同色彩对之于西画,是用色彩去造型的;也如同笔法对之于书法,若没有肩架结构谈何用笔的功力?山水画的笔墨应当体现在对山水林泉壑的塑造上,千变万化、鬼斧神工的自然风光是不可以用程式化的笔墨去套就的,连石涛都说“笔墨当随时代”嘛!看一幅山水画,观者首先注意到的是它的整体气势,是它的构图、造型和气韵,进一步才去欣赏它的笔墨是否有功力,是否灵动多变,是否有自己的特点。假如你的造型平淡无奇,构图毫无气势,何来笔墨去吸引观者的眼球?正所谓皮之不存,毛将焉附。还是让我们多把功夫下在为河山写照吧!这是历史的传承,也是时代的呼唤。

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今天,我们的国家,几千年的文化古国,前所未有的中华盛世,在世界经济上举足轻重,在国际政治舞台上掷地有声。这样的时代,一定要有相应的艺术作品与之相配。假如今天的山水画作品还一味强调古意,做为点景出现的往往还是古亭草屋及长袍倚仗老者等,谈何时代的气息?如果百年后观众看到这样的画,恐怕会困惑二十一世纪的中国是怎样的面目?当然,谈到山水画的时代性,也并不是简单意义上的图解,也并非一定要画上高楼、水库或电视塔等等。我们今天的山水画创作,要有新的诗情和画境,要有高山仰止,云蒸瑞气,海阔天空,壮美雄逸的做大块文章的手笔,要给人以积极向上的精神追求及明快舒朗的审美取向,要呈现出一种欣欣向荣的时代气息。让我们用画笔为祖国美好江山抒情写意,描绘出我们所追求的“阳光山水”。这才是我们这个时代的“大山水”。

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