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画家 崔兆爱 崔兆爱，笔名润石，心一居士、岩润轩主。祖籍山东莒县，职业画家，现居北京。2005年入中国画研究院（现国家画院）学习。中国纸油画研究会会长、黄宾虹艺术研究会研究员、中国国画家协会理事、北京中国画院画家、文化部中国画创作中心画家、山东画院高级画师。临江市美协副主席、书画院副院长、临江市中国画学会副会长。 2007年出版发行个人专集《崔兆爱纸油画作品集》《崔兆爱国画作品集》。 一、“气韵生动”的起源 “气韵生动”是南北朝画家谢赫《画品》论述六法中的一法。谢赫（公元479-502年）中国南朝齐梁间画家，绘画理论家，著作有《古画品录》也称《画品》，为我国最早的绘画论著，评价了3世纪到4世纪的重要的画家。《画品》首先提出绘画的目的“明劝诫、著深沉，千载寂寥、披图可鉴。”六法即《画品》理论中的内容。六法包括气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摹写。这六项要求针对的是人物画。“气韵生动”自古便是中国画里最高境界的标准，历代画家也都为此心摹手追，气韵由原来的重视人物画扩展到花鸟山水画，在南北朝以后，绘画内容由人物的精神扩展到为画面的形式以至用笔，在一千多年的绘画领域充当着中国画论中最重要的艺术原则。 二、笔与墨的关系 画家对生活的熟悉，有敏锐的观察力，受生活感动产生激情，也就是“灵感”。中国画里最重要的就是画面的生动，不论人物，花鸟都要生动，而生动来源于生活的感受和激情。清人石涛讲：“千笔万笔，物一笔是山，千笔万笔，无一笔是笔。千笔万笔，复归一笔。”那么这里的“笔”是什么呢？在一般情况下“笔”应该定义为所有可以成为画面的内容，形式和所要表达精神这个有机整体不可分割的一部分的所有线条，笔墨，结构，色彩等绘画元素。然而在中国画里，所谓的“笔”实际上讲的不单单是线条，而是包含了“墨”在内的“用笔”之道。这也从另一个层面上契合了“书画同源”中国画的气，“气韵生动”主要体现在笔墨的运用上，一幅好的中国画很讲究笔墨的气势连贯，一气呵成。 三、“气韵生动”与“神似” 中国画讲究“神似”，而气韵生动和神似之间有着十分密切的关系。在元代，当时著名的诗人、文学家、书画家和戏曲家杨维桢就曾说：“传神者，气韵生动是也”。气韵是与“形似”紧密相连，但是却又是超越了“形似”的所在，只做到“形似”是不可能体现出“气韵生动”的，而只有达到了“神似”的境界才能体现出“气韵生动”。在创作的过程中如果只是注重外表的形似，而没有能对审美对象的内在实质精神进行把握，那么其创作的作品是不可能体现出“气韵生动”的特质的，这又和白石老人的“似与不似”的观点相契合。东晋的画家顾恺之就曾提出过“以形写神，传神写照”的观点，并且被后代的人所推崇。其中“形”指的就是一个物体的外表、形态、形状；“神”则是形体的内部所包含的风骨、神态、精神以及生命力。 利用感性的形式来进行描绘，最终对神态气质进行表现。形只是一种用来表现的手段，而神才是创作的最终目的。只有达到了形似的要求，才能往着神似的方向前进，达到了神似才能够让形似具有更深层次的意义。为了能够做到传神，就需要从写形开始，但是需要注意的是写形并不是目的所在，最后仍然要做到写神，并最终实现“形神兼备”，这才能够真正体现出艺术的本质，而中国画一直以来的追求也是如此。“气韵生动”与“神似”之间的关系是相当紧密的。 四、“气韵生动”与性灵的流露 中国画很多时候不仅仅是注重绘画的技巧，同时对于画家的人品有着一定的要求。人品主要来自于修养，明代的文征明就曾说：“人品不高，落墨无法”。在绘画的过程中，对于客观的景物所具有的品质需要通过画家来进行表现，而在表现的过程中，画家的品质就会产生作用，并持续到绘画的完成。这个也就是通常所说的人品决定“艺品”。“气韵生动”虽然指的是作品，但是作品确是画家对于事物的认识与再现，因此只有绘画中的性灵流露才能真正做到“气韵生动”。 艺术的创作和画家的人品、胸怀、气质、才情、精神境界都是密切相连的，也因此在我国的传统美学之中才会追求“文如其人”、“画如其人”、“诗如其人”、“书如其人”。画家在绘画的过程中，只有自身具有不凡的品格，才能让自己所创作出来的作品具有独特的艺术风格，也只有这样才能在做到性灵流露的同时达到“气韵生动”的境界。同时画家不仅仅需要具有高尚的情操，同时还需要具备一定文化功底，这样才能让自己的艺术创作达到“气韵生动”的境界。 五、“气韵生动”与“意境” 在中国画中，对“意境”有着较高的要求，而“气韵生动”和“意境”之间有着相当紧密的联系。在近代，王国维提出了“有我之境”的意境简介，认为艺术家创作的过程中将情感融入到具体的物种，让所描绘的对象能传达、表现出自己的情绪与意向，用自己的笔来表现出自己的情感，通过对时空境象的描绘，实现情和境之间的高度融合，这也是艺术家所追求的境界。苏轼曾经提出“胸有成竹”，这是中国传统美学经验的一种概括，也是造型艺术的一种常用的美学概念。主要包括有三层意思：第一层是艺术家在进行创作的过程中，需要进行反复地考虑与推敲，最后形成整体性的审美意象；第二层则是在孕育出了一个成熟的整体审美意象之后，要能做到一气呵成、一挥而就，而不是今天一点、明天一点拼凑而成；第三层是由观赏所形成的“气韵之竹”。“意境”是否高远也直接决定着“气韵生动”。
总之，综上所述，气韵既包含着所描绘物象的内在精神，又体现了画者在笔墨挥洒之间充分宣泄着自身的才识、情感。同时，在艺术实践中，还应加强自身学习和修养，从传统文化中获得丰富的宝贵财富，放开眼界，兼收并蓄，磨砺品行，陶冶情操，使绘画作品达到一个崭新的艺术境界。
中国山水画不同于西洋风景画，它独具特色自立于世界艺术之林。翻开山水画的历史，我们看到无论是宏伟巨制还是咫尺小品，绝大多数都是近中远景气象不同，是一种将自然景致烂熟于心后重新构建的胸中丘壑，是大自然的蓬勃生机与人类的精神文化的高度统一，是民族生存的感情投射的艺术空间。且不说北方山水画派大山大水的雄风奇骨，即便是自元代以来的文人风格为主的山水画，也大多为全景或半全景，也是具有“大山水”特色的。
笔墨技法，是中国画独特的艺术手法，我们应当努力继承传统的笔墨功夫将其发展创新。但是我们不要忘记、正如同色彩对之于西画，是用色彩去造型的；也如同笔法对之于书法，若没有肩架结构谈何用笔的功力？山水画的笔墨应当体现在对山水林泉壑的塑造上，千变万化、鬼斧神工的自然风光是不可以用程式化的笔墨去套就的，连石涛都说“笔墨当随时代”嘛！看一幅山水画，观者首先注意到的是它的整体气势，是它的构图、造型和气韵，进一步才去欣赏它的笔墨是否有功力，是否灵动多变，是否有自己的特点。假如你的造型平淡无奇，构图毫无气势，何来笔墨去吸引观者的眼球？正所谓皮之不存，毛将焉附。还是让我们多把功夫下在为河山写照吧！这是历史的传承，也是时代的呼唤。
今天，我们的国家，几千年的文化古国，前所未有的中华盛世，在世界经济上举足轻重，在国际政治舞台上掷地有声。这样的时代，一定要有相应的艺术作品与之相配。假如今天的山水画作品还一味强调古意，做为点景出现的往往还是古亭草屋及长袍倚仗老者等，谈何时代的气息？如果百年后观众看到这样的画，恐怕会困惑二十一世纪的中国是怎样的面目？当然，谈到山水画的时代性，也并不是简单意义上的图解，也并非一定要画上高楼、水库或电视塔等等。我们今天的山水画创作，要有新的诗情和画境，要有高山仰止，云蒸瑞气，海阔天空，壮美雄逸的做大块文章的手笔，要给人以积极向上的精神追求及明快舒朗的审美取向，要呈现出一种欣欣向荣的时代气息。让我们用画笔为祖国美好江山抒情写意，描绘出我们所追求的“阳光山水”。这才是我们这个时代的“大山水”。 |
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