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在平时临习书法中，大家是不是特别注重笔法或者是章法呢？甚至也认真的研究字体的结构呢？ 但是大家有关注过墨色的变化吗？ 墨友们都知道，学习书法，“笔墨纸砚”是缺一不可的工具。 但是书法还有“四法”，即“笔法、字法、章法、墨法”。 初学者往往会注重前三个，忽略了墨法在临习书法中的重要性。 墨法就是毛笔蘸上墨之后，在宣纸上会呈现出不同的效果。 用墨方法这个意识的形成确实要比其他三法晚一些。 不过我们可以从古今书论中对墨的描写，还有各种传世墨迹来看， 墨的使用与技巧问题一直都是创作者乃至欣赏家、理论家关注的重要问题之一。 接下来墨姐会从以下几个方面给大家讲讲“墨法”，干货满满，仔细阅读啦！ 1 书画同源中的“墨” 2 书法中的“墨法” 3 不能孤立谈 “墨法” 4 “水”和“墨”的配合 其实中国是墨的故乡，从古至今制墨、用墨都体现着墨法的奥妙。 有句话说“书画同源”，就是说书法与绘画是分不开的。 在宋朝以前，中国画十分重视对墨的驾驭，而在书法中这个问题被弱化掉了，书家对于墨法的概念很模糊。 直到宋朝，画家开始借鉴书法的用笔方法，结果使得绘画作品的线条更加生动，富有变化，增强了表现力。 所以书家也开始研究绘画中的用墨方法，这才开始觉察到墨色的变化。 一方面可以丰富作品的章法和整体布白的效果， 一方面更加强有力地表现出内心情绪的变化，同时也能深入的传达到欣赏者的内心。 同时还有一个客观原因是宣纸有的时候会洇墨，所以产生了特殊的用墨方法。 用墨是显露笔迹形态重中之重的因素。 中国画中“墨分五彩”，焦浓重淡清。 那在书法中我们只需要了解，墨法的三种主要表现形势就可以啦,分别是浓墨、淡墨和枯墨。 浓墨：一般来说，书法创作或者临习基本都是用浓墨。 在许多书家眼里，浓墨是最精神的。 尤其是楷书、篆书、隶书只有用浓墨才可以表现出它的精神和力度。 在实际书写中，浓墨也是最容易操作的。 颜真卿最喜欢用浓墨。 苏轼的作品将浓墨的特色表现的淋漓尽致。 就像他说的，用墨要像小孩子的眼睛一样，又黑又亮。 淡墨：淡墨与浓墨的概念是相对的，它的颜色属于黑白之间的。 一般创作行书或者草书的时候使用淡墨。 如果说浓墨是给人力透纸背的感觉，那淡墨则有一种清淡古雅。不食人间烟火的的气息。 但是用墨过淡呢就会失了神采，所以把握好”度”是关键。 明代董其昌淡墨用的恰到好处，追求的是一种娴静风雅的艺术气息。 清代王文治更是用淡墨的高手，表现出秀逸洒脱之感，被称为'淡墨探花'。 枯墨：枯墨就是毛笔上的墨已经用完了，不再蘸墨，继续书写。 写出来的很多笔画之间藕断丝连，丝丝露白，这就是枯墨其中一种笔法形势“飞白”，给人一种苍茫、老辣的观感。 清代吴昌硕善用枯墨，作品古拙，欣赏他的字有一种痛快之意。
我们知道了在书法中我们需要掌握墨法的几种表现形式， 但是“墨法”是不能孤立学习的。毕竟“团结就是力量”， 它必须和学书法其他的要素结合起来，才可以发挥出他最大的“真实伤害”！ 谈墨离不开水，古人说过笔法是字的筋骨，而水和墨的运用就是字的血液。 换句话说，字的形态和线条质量，也是依靠水墨停留在纸上的痕迹表现出来的。 书家对字的浓淡、湿润干燥的呈现其实是对水含量的把控。
如果整篇都是比浓墨还浓的焦墨，行笔都十分不畅，一眼看过去并不灵活，还谈什么章法布局。 如果不恰当地使用淡墨，通篇都是灰色调，字就会显得毫无生机，缺乏立体感。 所以在临习的时候，首先要观察墨的粘稠度，看看是否需要加水。
再者就是合理的调配水分。加水的时候，要一点一点的适量添加。 直到墨色的变化达到了你想要的要求。 这样一来，行笔会更加流畅，写出来的字也会有立体感。 创作书法作品的时候，主要使用宣纸。 宣纸分为生宣和熟宣。它们的吸水性、和亲水性都是不一样的。 所以，不同的墨在不同的纸上，呈现出的效果也是不同滴。 生宣能更好的体现出润墨效果和墨迹的层次感。 所以写大字、狂草、行书的时候要用吸水性强的生宣，用墨就更需要讲究一些了。
如果墨很浓的话，在生宣上都“拉”不动线条； 如果墨淡，又会造成洇水洇墨的效果，导致字迹模糊。 所以“度”的把握就很关键啦！
熟宣吸水能力稍弱一些，所以对墨的要求就不会太高啦。 例如，在写小楷的时候用墨可稍浓，也可稍淡一些。 与生宣不同的是，等墨干之后，熟宣上的字会显得十分清晰，点画也会变得立体。
不同的字体行笔速度是不一样的，所以也会影响到用墨的方法。 篆书、楷书、隶书书写时笔画之间关联性不会很强， 同时对于点画的形态要求也比较高。 行笔速度自然会慢一些，所以墨会浓一些。
而书写行草的时候笔势可断可连，直线弧线、长短粗细都可任意组合，有很大的自由。 所以在行笔速度上来说变化不定，墨适宜稍淡一些。
“饱笔须快，渴笔宜慢”，意思就是说快写时多蘸墨，慢书时少蘸墨。 同时也是讲想要更加准确的控制墨的浓淡，把握书写的快慢也是很重要滴。 其实墨法、笔法是相互关联的。 只有通过千变万化的墨法，才有可能创造出各种各样的笔法。 中锋、侧锋等笔法可以写出字的各种样子，比如方圆，长短，虚实，这就让字也有了浓淡干湿的变化。
不可忽略的是墨在其中发挥的重要作用。 一般蘸墨的时候，不要太过于频繁的蘸墨，也不要把笔放进去深浸。 因为深浸之后墨色变化不大，书写的字很容易软弱无力。 所以正确的蘸墨方式是轻轻在砚台中蘸一下即可，笔毫湿润，又不会有墨滴下来。
墨法的灵活使用首先要熟练笔法。 用笔的轻重缓急，提按顿挫的都会影响到墨法呈现的艺术效果。 一个书家墨法的成功运用是与其扎实的笔法息息相关的，笔法准确，他的墨法也会灵活挥洒，看起来毫不费力。 墨与意境的关系 欣赏一幅书法作品的时候，我们通过章法、笔法观察作者的心境。 别忘了，其实墨法也在影响着我们的观感。
墨色的变化在表现意境方面起到很重要的作用。 一幅书法作品的墨色变化，会增强作品的韵律美； 没有干湿浓淡的墨色变化，很难表现出点画的立体感、彰显不出质感。
同时小到一个字、一个点画都需要有墨色的变化。
如果大体上墨色浓、干、燥、这篇文章可能想要传达的是阳刚之美，苍劲有力，坚实厚重的形态居多。
如果大体上墨色淡、湿、润、或许就是显示出一种阴柔之美，字会比较秀美，给人空灵幽深之感。
书法中的用墨和中国画的用墨还是有一定的区别的。 中国画浓淡对比强烈，墨色分得很明显。 在书法中只需要水，墨能够均匀调和，行笔过程中可以很流利就可以啦。
那现在大家肯定有一个疑惑了。 这个墨多少才算浓？多少才算淡？ 其实这只是一个相对的概念，没有统一的标准。 墨汁里加少量的水就是浓墨。 加更多的水，或者是用已经蘸好墨的毛笔再蘸清水，立马会出现淡墨的效果啦。 那我们实际在书写作品中怎么表现墨色变化呢？大概有两种方法： 一种叫自然浓淡法。 毛笔先蘸浓墨，笔上没有墨了不急于蘸墨，而是继续书写或者是蘸点水，写到完全不能出墨后再重新蘸墨接着写。 代表书家有明末清初的王铎，及现代的林散之先生。
另一种叫安排浓淡法。就是说刻意的安排字数的浓淡。 比如几个字是浓墨，而后转成淡墨，列与列之间，行与行之间的墨色都是不一样的，这是当今书坛比较流行的方法。
在这里墨姐想要强调的是这种特技的运用，应该是在不违反书法创作原则为前提的。 所以说，自然的、适当的墨色变化是可取的。 太过于刻意的调整墨色，盲目追求某种墨法效果， 作品看似丰富多彩，但恰恰失去了书写时的真实情感，作品会越写越“俗”的。 好啦~墨姐就说到这里啦 读到这里，大家是不是想要“哇”一声，感觉一直以来都忽略了墨法的重要性。 不过墨姐又要啰嗦几句了，不管我们能否运用的到位，也要将墨法与笔法、章法联系起来，他们缺一不可。 对于墨的运用，还是要在学习中多临多看，多思考，多请教， 尤其还要多多关注墨姐的动态哦！ 如果同学们还有其他问题，直接在文章底部留言区告诉墨姐就OK，墨姐永远是你的知心姐姐！ 墨姐这么“好看”，记得在底部给墨姐点“好看“哦 |
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