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歌剧 歌剧作为一种高雅的艺术，在诞生之初就以豪华的舞台布景、宏伟的乐队编制、光怪陆离的传说、凄美的爱情故事、浪漫的思想情怀等吸引着广大的音乐爱好者。除此之外歌剧还是一场视听盛宴，它相对于其他音乐体裁来说更能吸引观众。十九世纪的欧洲音乐中歌剧发展到了鼎盛时期，这一时期各国歌剧蓬勃发展，以意大利、德国和法国为代表，歌剧内容题材广泛，体裁独特，音乐别具风格，剧情紧扣现实，它们互相影响，但也各有千秋，本期慧聚匠心将带你走进浪漫主义时期的意大利歌剧。 19世纪初，歌剧是意大利音乐中最为重要的创作和演出领域，它集中在两个传统的体裁——正歌剧和喜歌剧领域进行发展。早期的意大利歌剧发展没有德奥或法国音乐中的激进浪漫主义的倾向，而是更多的保留了本民族的传统，特别是罗西尼创作的正歌剧和喜歌剧，作曲家完全按照意大利歌剧历来的审美标准进行创作。到了唐尼采蒂和贝利尼时期浪漫主义的风格和特征逐渐凸显出来，音乐的旋律更加丰富多彩，歌剧题材来自浪漫主义文学。至威尔第时期达到高潮，他在作品既有意大利本民族的精华，又吸收了同时期各国的歌剧特点，使意大利歌剧焕发出新的生机。普契尼则是真实主义歌剧的先锋，他创作的歌剧善于从朴素的生活中取材，内容大多描写底层群众的现实生活，文笔犀利堪称意大利的“鲁迅”。 罗西尼 安东尼奥·罗西尼（1792~1868），他生活在浪漫主义早期，是古典主义歌剧与浪漫主义歌剧过渡时期的代表人物。罗西尼是19世纪上半叶影响最大的歌剧作曲家，有出色的舞台戏剧才能和写作旋律的天赋，他也是意大利歌剧最多产的歌剧作曲家，创作的歌剧既有数量又有质量，18~30 岁之间写出了38部歌剧和2部清唱剧。罗西尼迎合市民欣赏品位，特别擅长喜歌剧创作，代表作有《塞维利亚的理发师》《意大利少女在阿尔及利亚》《灰姑娘》《贼鹊》等。他的喜歌剧机智、明快、典雅，有着层出不穷的逗趣和妙趣横生的故事情节，《塞维利亚理发师》被誉为意大利喜歌剧之冠，其中充溢着似乎永不会枯竭的旋律乐思和生动的急口令唱段（如歌剧《塞维利亚的理发师》“快给大忙人让路”选段）。 罗西尼歌剧的风格特征是：旋律容易记忆，乐队伴奏织体简洁，节奏很有活力，乐句的划分清晰明快，和声布局简洁却常有创新在咏叹调的写作上推陈出新，极具个人特色。 在正歌剧方面，罗西尼同样获得成功，他的《奥赛罗》广受欢迎，好评如潮，《威廉·退尔》也是其中的扛鼎之作，序曲具有音画特征，充满了爱国主义思想与戏剧性，常单独用于音乐会演奏。他创作的近四十部歌剧，为意大利歌剧注人了新的活力和色彩。他在遵循意大利传统歌剧创作原则的基础上进行歌剧改革，缩小了宣叙调和咏叹调的区别，并在音乐高潮时创用了“罗西尼渐强”（音乐的节奏、旋律、力度和速度等都加强，预示着高潮部分的到来）的表现方式。 理发师不只会理发 不想当红娘的大忙人不是好理发师，这句话用来形容费加罗再合适不过了！ 歌剧《塞维利亚的理发师》选段“快给大忙人让路” 廖昌永，中国华语男歌唱家，上海音乐学院院长，中国音乐家协会副主席，1995年硕士毕业于上海音乐学院，1996至1997年间，廖昌永在一年内连续三次分别获得法国第41届图鲁兹国际声乐比赛、多明戈世界歌剧大赛、挪威宋雅王后国际声乐大赛的第一名，曾担任《游吟诗人》《霍夫曼的故事》《浮士德》《茶花女》等著名歌剧中的主角。 歌剧《塞维利亚的理发师》剧照 歌剧《意大利少女在阿尔及尔》剧照
歌剧《奥赛罗》剧照
唐尼采蒂 盖塔诺·唐尼采蒂（1797~1848）是意大利浪漫主义歌剧乐派的代表人物，以创作的快速、多产而著称。他具有罗西尼的旋律天赋和戏剧才能，并延续和发展了罗西尼的歌剧风格，旋律丰富多彩，炫技性较强。他的歌剧由于过多强调感官上的愉悦，因而缺乏内涵，但对意大利“ 美声”学派的产生有着直接的影响。代表作有：半正歌剧《拉美摩尔的露西亚》《宠姬》《夏莫尼的林达》，喜歌剧《爱的甘醇》《军中女郎》《唐·帕斯夸莱》等。
爱到底是醇还是纯？ 都说喝酒误事，可你听说过喝酒能获得爱情的吗？青年农民奈莫利诺和军曹贝尔可莱都爱慕着庄园主阿蒂娜。江湖医生杜卡玛拉到村子里兜售药酒'爱的甘醇'，吹嘘说谁喝下这种酒，二十四小时内能获得心上人的爱情。奈莫利诺买了酒一饮而尽，又歌又舞，故意怠慢阿蒂娜。阿蒂娜为了报复，答应和贝尔可莱结婚。正当村民们为阿蒂娜的婚事唱祝福歌时，江湖医生又来了，拿出从威尼斯传来的新片，使阿蒂娜对与贝尔可莱的婚事感到犹豫。当阿蒂娜承认自己并不爱贝尔可莱，只爱奈莫利诺时，奈莫利诺以为是'爱的甘醇'产生了力量。城里传来了奈莫利诺叔父逝世并留给他一笔遗产的消息，村里的姑娘纷纷追求他。经过一番曲折，阿蒂娜与奈莫利诺终成伴侣。杜卡玛拉得此消息，夸耀这全是药酒的奇效，于是人们都争相购买他的'爱的甘醇'。 歌剧极大的讽刺了人们的贪念和欲望，欺骗和诱惑，又在这诸多黑暗中插入了一丝真诚和纯洁，这样的神来之笔使得歌剧充满了戏剧性和对比性。《偷洒一滴泪》是该剧中最著名的唱段，也是意大利美声唱法中男高音的试金石。阿蒂娜以为奈莫利诺不理会她，伤心地走开时，奈莫利诺在如溪水般缓缓流动的竖琴声中唱起了这首《偷洒一滴泪》，该唱段情绪忧郁、深沉，强弱交织的力度中涌动着主人公内心的哀伤和无奈，仿佛还有啜泣般的游丝，将主人公此时此刻的心情描绘的淋漓尽致。
歌剧《爱的甘醇》剧照  下滑查看歌词 暗地里有滴伤心泪 湿润了她的眼睛 她好像非常羡慕快活的姑娘们 一切都全弄清 一切都全弄清 她爱我 她爱我 我能肯定 我能肯定 这时刻我能听见她美好的心在跳 我们的叹息和感慨也都混合在一起 我听得见 我听得见心跳 我们的叹息 混合在一道 天哪 死亡也好 我已很满足 很满足 啊 天哪 死亡 死亡也好 我也很满足 死亡也好
歌剧《军中女郎》剧照 关于歌剧你知道哪些？ 歌剧（Opera）是指一种由音乐、戏剧、诗歌、舞蹈和舞台美术结合而成的综合艺术。歌剧肇始于16世纪70年代的意大利佛罗伦萨，西方音乐史上第一部歌剧是《达芙妮》，中国的第一部歌剧则是《白毛女》。歌剧的形式有多幕剧与独幕剧两种，音乐由声乐与器乐两部分组成，声乐曲中包含宣叙调、咏叹调、叙咏调、摇唱曲、重唱曲、合唱曲等；器乐曲中包含序曲、幕间曲、舞曲等。其中宣叙调语言性强，擅长叙事，在歌剧中担负着故事发展、解释情节、人物对话等功能；咏叹调旋律性强，擅长抒情，在歌剧中常用于人物的感情描绘和大段的内心独白等。
贝利尼 文森佐·贝利尼（1801~1835），意大利作曲家。早年在那不勒斯音乐学院学习，毕业后即从事音乐创作，以歌剧《阿代尔松与萨尔维娜》和《比安卡与费尔南多》初露头角。1827年，贝利尼的《海盗》在米兰拉斯卡拉歌剧院上演，并获得成功。此后，他创作了多部歌剧，先后在米兰、帕尔马、威尼斯等地上演。1833年访问伦敦、巴黎，为巴黎的意大利歌剧院创作了歌剧《清教徒》，从而享誉世界。 他的歌剧题材来自于浪漫主义文学，往往交织着爱国主义、个人爱情、宗教信仰之间错综复杂的关系，同时注重对人物心理的刻画。贝利尼擅长写作气息悠长、哀婉动人的旋律和自由灵活的旋律而著称，他的音乐风格相对罗西尼更为细腻，相对多尼采蒂更为优雅庄重，是典型的意大利品味。 《诺尔玛》《清教徒》，特别是《梦游女》，其抒情和细腻的风格令人陶醉。他和唐尼采蒂使意大利浪漫主义歌剧逐渐成熟，并通过努力确立了意大利歌剧的地位。
歌剧《梦游女》剧照
歌剧《清教徒》剧照
意大利罗马歌剧院
威尔第 朱塞佩·威尔第（1813~1901）是一位革新者，他受民族独立运动思潮的影响，作品内容涉及社会各阶层的人物，使意大利歌剧摆脱了思想和创作方面的危机。他把意大利的文学艺术和现实主义结合在一起，使作品既具有崇高思想，又被人们广泛接受。他以一生的勤奋创作，使意大利歌剧这种传统体裁形式在欧洲音乐艺术快速发展的浪漫主义时代，不仅保持着民族的本色，并焕发出勃勃的生机。威尔第的歌剧几乎都是正歌剧，大部分取材于浪漫主义作家的文学作品，其创作生涯可分为三个时期。 早期创作包括《纳科》《伦巴第人》《欧那尼》《麦克白》等。这一时期的创作受民族独业运动影响，有鲜明的影射现实的政治倾向，常有渲染爱国热情的合唱和刚毅有力的铜管乐，主要角色总有两首或两首以上给人以深刻印象的咏叹调，有两个主要角色的重唱，在戏剧高潮处出现大型合唱等。 中期创作分为两个阶段，1850年~1853年间创作的《弄臣》《游吟诗人》和《茶花女》，标志着其歌剧创作的成熟定型。在题材上由早期偏重历史事件和英雄人物，转向现实生活和普通人的思想感情；在音乐上从早期对历史场景的关注转向对人物内心世界的刻画。咏叹调仍然是威尔第表现人物性格和揭示人物内心世界的主要手段。1853~1871年，威尔第在艺术形式上手法国大歌剧的影响，具有更加雄伟的规模、更为整体性的戏剧观念，如《西西里晚祷》《假面舞会》《唐·卡洛斯》，《阿依达》把大歌剧中的英雄性与复杂的戏剧结构、生动的形象塑造、丰富的旋律与和声、强烈的乐队表现力等有机结合，促成了戏剧与音乐的统一。 晚期创作期为1871~1893年，只创作了最后两部杰作：《奥赛罗》和《法尔斯塔夫》。《奥赛罗》把宣叙调和咏叹调融合为既有歌唱性旋律，又有语言表现力的独白，人声与管弦乐达到意大利歌剧史上前所未有的融合。《法尔斯塔夫》是意大利喜歌剧的巅峰之作，与莫扎特的《费加罗的婚礼》和罗西尼的《塞维利亚的理发师》并称为三大意大利喜歌剧。 机关算尽反误了卿卿性命 当机关算尽的父亲遇上天真善良的女儿，阴谋和爱情究竟谁更胜一筹？《弄臣》由M.皮亚维根据V.维克多.雨果的讽刺戏剧《国王寻欢作乐》改编而成，主人公里戈莱托貌丑背驼，在宫廷里当一名弄臣，年轻貌美的曼图亚公爵专以玩弄女性为乐，而里戈莱托常为公爵出谋，帮他干勾引朝臣妻女的勾当，引起人们的愤恨，大家定计对他进行报复，让他不自觉地参加诱拐自己心爱女儿吉尔达的计划。里戈莱托发现自己竟将女儿交给公爵后，决定雇刺客杀死公爵。当他从刺客手中接过装有尸体的口袋，以为大功已成时，忽闻公爵高歌之声，急忙打开口袋，发现里面装的是奄奄一息的女儿，这使他痛苦万分。原来这个获悉行刺计划的少女对虚情假意的公爵一往情深，甘愿为爱情而替公爵一死。作曲家注重加强歌剧的戏剧成分，用音乐手法将剧中人物内心的感情变化和人物性格表现得极为深刻。 《女人善变》是《弄臣》第三幕的咏叹调，该咏叹调分为两部分，第一部分介绍女人如何善变、如何不可靠，体现了公爵对女人看的很轻，第二部分则反映了公爵的浪荡轻浮、虚情假意、寡廉鲜耻和荒淫无度的形象。这首抒情歌曲节奏欢快、轻松、活泼、激动人心，音调花俏、华美，富丽堂皇的唱腔将一个风流不羁的公爵曼图亚的形象活脱脱的跃然而出。 世界著名男高音帕瓦罗蒂演唱的歌剧《弄臣》中“女人善变”选段 中国式的爱情悲剧 在中国关于爱情的小说、电影、电视剧等总是逃脱不了一个固定又老套的梗：门第悬殊的两个人相爱，家长在中间各种阻挠，然后两人心生误会，最后抱憾而终。滑稽的是这种中国式的爱情悲剧却也上演于外国的歌剧中，这不，《茶花女》就是个典型。1853年，威尔第根据小仲马的原著写成了著名歌剧《茶花女》：红极一时的名妓薇奥丽达，毅然抛弃了豪华奢侈的上层社交生活，与青年阿尔佛雷德到乡间同居，为了维持生计，薇奥丽达不惜悄悄变卖着自己的许多首饰，阿尔弗雷德知道后内心十分不安，前往巴黎筹款。阿尔弗雷德的父亲坚决反对儿子与妓女同居，在他的逼迫下，薇奥丽达为了顾全阿尔弗雷德的家庭声誉，忍痛与他断绝关系，留下了一封告别信后返回巴黎重操旧业。阿尔弗雷德以为她为金钱而变心，盛怒之下在巴黎狂赌，并当众把赢来的钱掷到薇奥丽达脚下羞辱她。薇奧丽达心灵遭到致命打击，一病不起，但她信守诺言，仍然没向阿尔弗雷德说明真相。阿父为薇奥丽达高尚的人格所感动，向阿尔弗雷德说明了内情。阿尔弗雷德赶到薇奥丽达身边向她忏悔时，她已奄奄一息，最后抱憾而终。 这部歌剧的魅力就在于，第一它的剧情引人入胜，结局让人惋惜；第二它通过名妓的生活揭露了纸醉金迷、灯红酒绿的巴黎上层社会。在薇奥丽达临死前，威尔第通过她和阿尔弗雷德的二重唱，控诉“朱门酒肉臭，路有冻死骨”的巴黎。《饮酒歌》是阿尔弗雷德在征得自己倾心的薇奥莉达同意后，突发灵感，即兴高歌的一首咏叹调，歌曲既歌颂爱情，也歌颂欢乐时光。音乐三拍子的圆舞曲特征将听众带进了巴黎上层社会的晚宴中，轻松愉快的节奏，激动人心的旋律，美妙的歌词，仿佛让人忘记眼前的苟且，只想着诗和远方的田野，却也预示了二人的爱情悲剧，与剧终时阿尔弗雷德的咏叹调形成鲜明的对比。
歌剧《茶花女》剧照 下滑查看歌词 让我们高举起欢乐的酒杯, 杯中的美酒使人心醉. 这样欢乐的时刻虽然美好, 但诚挚的爱情更宝贵. 当前的幸福莫错过, 大家为爱情干杯. 青春好像一只小鸟, 飞去不再飞回. 请看那香槟酒在酒杯中翻腾, 像人们心中的爱情. 啊,让我们为爱情干一杯 再干一杯. 在他的歌声里充满了真情, 它使我深深地感动. 在这个世界中最重要的欢乐, 我为快乐生活. 好花若凋谢不再开, 青春逝去不再来. 在人们心中的爱情, 不会永远存在. 今夜好时光请大家不要错过, 举杯庆祝欢乐. 啊!今夜在一起使我们多么欢畅, 一切使我流连难忘! 让东方美丽的朝霞透过花窗, 照在狂欢的宴会上! 快乐使生活美满, 美满生活要爱情. 世界上知情者有谁? 知情者唯有我. 今夜使我们在一起多么欢畅, 一切使我们流连难忘. 让东方美丽的朝霞透过花窗, 照在那狂欢的宴会上. 啊,啊.
歌剧《游吟诗人》剧照
歌剧《阿依达》剧照
歌剧《假面舞会》剧照
普契尼 贾科莫·普契尼（1858~1924）是十九世纪末至欧洲战前真实主义歌剧流派的代表人物之一。他出身音乐世家，19 岁时观看了威尔第的歌剧《阿伊达》受到强烈震撼，立志从事歌剧创作。1880年入米兰音乐学院，师事蓬基耶利学习歌剧创作。1893年，他以《曼侬.莱斯科》成名，之后接连写出《艺术家的生涯》《蝴蝶夫人》《托斯卡》《西部女郎》《图兰朵》(未完)等名作，发扬了意大利歌剧传统，同时借鉴吸收了20世纪的一些新兴作曲技法。 普契尼的歌剧继承了威尔第的传统，受到真实主义歌剧的影响，并综合了德国浪漫主义歌剧的音乐手法。普契尼善于从平凡朴素的市民生活中取材，表现社会底层人物的情感与命运，揭露社会的不公。他以十分敏锐的及剧感觉，善于用音乐塑造人物性格和创造出戏剧性的效果，舞台效果突出双剧冲突强烈。他常用管弦乐队的主导动机为戏剧环境和角色的心境进行烘托，避免了用咏叹调和宣叙调截然划分的传统处理，注重音乐的戏剧连贯性，在重要抒情段落则突出宽广流畅的抒情咏叹旋律。 咏叹调写作堪称经典，如“冰凉的小手”“人们叫我咪咪”“为艺术，为爱情”“今夜无人入睡”等。普契尼创作了一批具有真实主义歌剧特征的经典作品，如《绣花女》《托斯卡》《蝴蝶夫人》《图兰多》等。 他的歌剧结构简练，力求直接地表达剧本所提示的戏剧感染力，注重旋律与戏剧的贯穿发展。抛开咏叹调与宣叙调截然分开的传统，他善于用音乐渲染气氛，擅长塑造各种柔弱的、生活苦难的妇女形象，如绣花女咪咪、歌伎巧巧桑、歌女托斯卡、女仆柳儿等。除此之外，他还喜欢把东方异国情调的音乐作为创作素材。普契尼歌剧改变了意大利歌剧只重人声不重器乐的状况，他在继承威尔第等大师传统的基础上,谱写了20世纪意大利歌剧的新篇章。 阳光下的泡沫—“蝴蝶夫人” 艺术家有国界，但是艺术家笔下的渣男是没有国界的，当良家女遇上大洋彼岸的渣男时，这种爱情注定就像邓紫棋歌里唱的那样：“阳光下的泡沫，一触就破”。歌剧《蝴蝶夫人》取材于美国龙格创作的同名小说，剧中天真活泼的日本姑娘巧巧桑，人称“蝴蝶姑娘”，为了爱情而背弃了传统的宗教信仰，委身于美国海军上尉平克尔顿。婚后不久，平克尔顿随舰回国，一去三年查无音信。巧巧桑于艰难中深信有一天他会回到自己的怀抱。平克尔顿回国后却另有新欢，早把蝴蝶夫人置于脑后，当他偕美国夫人重登长崎时，悲剧无可避免的发生了:穿着新婚礼服彻夜苦候的蝴蝶夫人终于明白了一切，她交出可爱的儿子，当平克尔顿来到时，刎颈自尽了。这是一部抒情性的悲剧，普契尼在音乐中直接采用了《江户日本桥》《越后狮子》《樱花》等日本民歌来表明蝴蝶夫人的艺妓身份和天真心理，具有独特的音乐色彩。在第一幕的结尾，平克尔顿与蝴蝶夫人举行婚礼后，有段抒发爱情的二重唱，旋律优美动听，流畅悦耳，其中蝴蝶夫人纯洁、温柔而又胆怯、羞窘的感情，交织着平克尔顿充满着强烈情欲的绵绵情话，融化成一种共同的激情，最后在明朗热情的爱情主题音响中结束。第二幕当平克尔顿回国后，女仆不相信他还会回来，忠于爱情的蝴蝶夫人一面向她解释，一面却不停地幻想在一个晴朗的早晨，丈夫乘军舰归来的幸福情景。她面向大海，深情地唱出著名的咏叹调《晴朗的一天》。这里，作者运用了朗诵式的抒情旋律，细致地揭示了蝴蝶夫人内心深处对幸福的强烈向往。这种宽广而优美动听的旋律与富有表现力的近乎说话的声音相交叉，形成普契尼歌剧的一种特有的风格。 歌剧《蝴蝶夫人》选段“晴朗的一天”
歌剧《艺术家的生涯》剧照
歌剧《托斯卡》剧照
歌剧《图兰朵》剧照 真实主义歌剧 “真实主义”是“浪漫主义”的一种延伸和发展，因为当时意大利缓慢的工业发展，意大利的形势已远不是文艺复兴时期的形势，远远落在欧洲其他几个资本主义国家后面。因此不少工人、农民勉强活在保留了君主制的资本主义国家，封建残余势力极大的妨碍着意大利工业发展，人们都远离祖国，侨居外国，他们都是被饥饿赶出祖国的乞丐，住在贫民窟里。意大利1780年的统一结束了意大利民族解放运动的英雄斗争时代，但统一并没有给人民带来幸福，相反带来的是失望。在人民心中，爱国主义的、为祖国利益而牺牲的英雄主义已失掉了现实意义，这种意识反映在文学艺术中，便产生了真实派思潮。“真实主义”所写的题材不仅是暴露统治阶级的腐朽生活，而主要是为被侮辱、被损害的工农群众和社会下层人物没有平等自由而呐喊。 策划、主编：马瑜慧 责任编辑：李钰源 文字整理：李钰源 参考文献: 《西方音乐史》杨九华 《西方音乐艺术》王蕾、黄敏学 《浪漫时期的音乐》阿尔佛雷德·爱因斯坦 《西方音乐欣赏》约瑟夫·马克利斯 图片来源：百度百科 |
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