李可染写生教学笔录

意境的高低、能否引人入胜，与构图有很大关系。

——《谈学山水画》

画面一定要根据对象重新组织。构图就是组织，根据自然本质的要求“经营位置”。为了布局妥帖，有艺术表现力和感染力，山可以更高，水可以更阔，花可以更红，树可以更多，这都是允许的，画家完全有此权力。

——《漫谈山水画》

“一寸画面一寸金”，应把复杂的事物组织穿插起来，以最经济的笔墨画最丰富的画，以最小的纸，画最大的画；堆砌、平铺和罗列，一定不会产生好的构图。

——《漫谈山水画》

民族虚无主义者说中国画不讲究构图。其实，构图是中国画的一个很大的特点。构图就是“布局”，也叫“经营位置”，要把位置布置经营起来，根据需要重新把对象布置起来，这时追求自然主义是愚蠢的。

——《中国画的特点》

最全面、最典型地表现对象是构图的目的。

——《颐和园写生谈》

构图要打破自然的束缚，但并不是脱离自然，目的在于更充分地表现自然。

——《颐和园写生谈》

中国画构图最重要的方法是：“以大观小，小中见大。”画面要经济，用最小的一张纸，画最大的一幅画，这才有气魄。

——《颐和园写生谈》

中国画对于构图，有极为精辟的见解。如“经营位置”，就是独具匠心的构图法，也是形成中国画民族特色的重要因素之一。它与西方绘画的构图法大不相同。一般说来，西方绘画总有一个固定的立脚点，只能把视野内所见的东西纳入画面（当然有时也有些集中和变化)，而中国画创作，可以全然不受这个限制，大大超越了固定的立脚点，超越了一定的视野范围。

——《谈学山水画》

中国画讲究组织画面，所以画中天地可大可小。

——《中国画的特点》

古代这些杰出的作品证明，构图取景不能仅仅看到上下左右，主要应该看到前和后。要不怕麻烦东跑西转，最好能找出一个上下左右前后都可以连接起来的角度，形成一个明确具体的空间深度，其中还有些曲折和穿插。

——《谈学山水画》

中国画在构图上有一句话叫“似奇反正”，很好。“正”是均衡，刚刚好，有安全感，西洋叫安定的统一。中国画是似奇反正，不是以正求正。均等构图有时是需要的，如天安门，但一般是要有变化的，中国书画反对正和匀。

——《中国画的特点》

“似奇而反正”是中国字画结构的规律，同于西画的变化中求统一的构图法。奇是变化，正是均衡。奇、正相反相成，好的构图要在变化中求统一。比如说画面一边东西很多很实，一边东西很少很虚，但看起来不偏不倚，均衡统一。所以说，好的构图像一杆秤。

——《谈学山水画》

顶好的构图要“似奇反正”，古人说“既要平正，须得险绝”，构图要极尽变化，大胆组织变化，但又要求稳定。只奇不正就有不稳定的感觉，要正中见奇，奇中见正，两条腿走路，矛盾中求统一。八大山人的画构图很奇，但又有庄严的感觉。画面上主要的东西一定要给以适当的位置。一般说来主要的东西不要放在正中，要靠边一些，但又要使人感到整个画面的平衡，形象地说：要像秤，不要像天平。在风景画里，一般地说，树比山分量重，人造物比自然物重，人比一切重，懂得这个，对构图是很有帮助的。

——《山水画教学论语》

山水画要求“大”和“多”。所谓“大”，是感觉大，“多”，是东西多。因此，构图要善于穿插，要往深处发展，不要平铺对垒。《清明上河图》绝不是仅往两边伸延，它很注意深度，往深里发展。石涛的画很讲究穿插，利用中景，使画面能透进去。“四王”的画就常常是一层层地往上叠，空间的感觉就比较弱。任伯年很会构图，有的画几棵树占满了画面，下面画上人物，穿插得很好，很奇。我画嘉定大佛，让大佛几乎占满了整个画面，再利用周围的角落画上树、石级、江水、行船等。这就不仅使主题突出，而且画面也丰富起来了，感觉“大”了，“多”了。

——《山水画教学论语》

黄宾虹先生说，他从中国书法、绘画中得出构图规律的秘奥是不等边三角形，这实际上是变化统一的规律。艺术上美的抽象的规律往往是最高的境界。规律中有一条最重要的就是“自然”，矫揉造作永远是要避免的，不要把“奇”理解为矫揉造作。

——《山水画教学论语》

构图要极尽变化，“似奇反正”，最忌的是“状如算子”，“疏可走马，密不透风”才是上乘。

——《颐和园写生谈》

主要的东西，一定要给予适当的显露。在构图上，一般说来，应避免将主体置于画的中心。构图的关键，不只是在纸的中心，更要在纸的边缘上动脑筋。

—《颐和园写生谈》

要以大观小，远近关系不要悬殊，近景不要画得太大，可把近景当成中景。

——《桂林写生教学笔录》

能表现画面深度和层次的那些斜的透视线一定要抓住不放、它能使画面深远进去。纵深线是构图的生命线。

——《桂林写生教学笔录》

最不好的构图是堆砌。一张平的纸要画得深进去是不容易的，平列堆砌画了二十层，也等于只有一层。山水画空间感很重要。好的构图在于穿插，有深度。画好空间感，要掌握好近、中景的关系，近、中景要有联系。石涛很聪明，通过一条路，或者是两棵树的空隙看到中景，使之相互联系。

——《桂林写生教学笔录》

一张画哪些地方最重，哪些地方最浅，哪些主要，哪些次要，事先要有个设计，把最美好的东西放在主要位置上。山水画的好坏，整体感重要至极。

——《桂林写生教学笔录》

画要有画眼，要有突出的东西。画面中黑要黑得发亮，要透气。黄宾虹说：“山中有龙蛇。”就是说山中的路、水和云气要相互连贯，像龙蛇一样游动，这样才有气韵。

——《桂林写生教学笔录》

千岩万壑，大的构图不要太强调透视，松树近，显得比山还高，因此要把透视尽量减低。

——《谈黄山写生》

构图最重要的是要有层次，有纵深，要往里面去，用纵深表现空间。

——《谈黄山写生》

李可染山水画创作经验

构图

既得平正，须得险绝

画画前，先酝酿情绪，再设计方法。对风景对象将信将疑，意境还不十分鲜明的时候，坐下来慢慢细看，有时会得到启发。

我画《鉴湖》就是如此，本来兴趣不很高，定下心来凝视，想到古人所说：“湖光如鉴”，觉得有所启发，意境酝酿得比较成熟了，经过组织加工，终于画成了一幅画。古人说：“万物静观皆自得。”成见往往使人听而不闻，视而不见。仔细观察，心要像明镜一样，你就会发现一切景物都生意盎然。所以画画之前静下心来，仔细观察很重要，心情烦乱是没法画好画的。

顶好的构图要“似奇反正”，古人说“既得平正，须得险绝”，构图要极尽变化，大胆组织变化，但又要求稳定。只奇不正就有不稳定的感觉，要正中见奇，奇中见正，两条腿走路，矛盾中求统一，八大山人的画构图很奇，但又有庄严的感觉。

画面上主要的东西一定要给适当的位置。一般说来主要的东西不要放在正中，要靠边一些，但又要使人感到整体画面的平衡，形象地说：“要像秤，不要像天平”。在风景画里，一般地说，树比山分量重，人造物比自然物重，人比一切重，懂得这个，对构图是很有帮助的。

善绘画要求“大”和“多”，所谓大是感觉大，多是东西多。因此，构图要善于穿插，要往深处发展，不要平铺对垒。

《清明上河图》绝不是仅往两边伸展，同时也很注意深度，往深里发展。石涛的画很讲究穿插，利用中景，使画面能透出去，四王的画就常常是一层层地往上叠，空间的感觉就比较弱。任伯年很会构图，有的画几棵树占满了画面，下面画上人物，穿插得很好，很奇。我画嘉定大佛，把大佛几乎画满了整个画面，再利用周围的角落画上树、石级、江水、行船等，这就不仅使主题突出，而且画面也丰富起来了。

艺术一定要讲求形式，有人怕讲，以为就是形式主义，这是一种误解。要区别为表达主题讲求形式与为艺术而艺术的形式主义。

构图上的一些规律是要注意的，譬如画面上前后两个人的头正相叠上，三棵树交叉于一点等，这些都是要避免的。黄宾虹先生说：他从中国书法、绘画中得出构图规律的奥秘是不等边三角形，这实际上就是变化统一的规律。艺术上美的抽象的规律往往是最高的境界。规律中有一条最重要的规律就是自然，矫揉造作永远是要避免的，不要把“奇”理解为矫揉造作。

形象

画眼一定要特别抓紧，不能与其他一切平均对待

艺术同样要求精神，艺术形象不能是普普通通的。电影摄影师对着嘉陵江上自远而近、自近而远的行船，可以摄下几百个不同的镜头，但其中最美的只有几个。

一张画还要有最精粹之处——所谓“画眼”，画眼一定要特别抓紧，不能与其他一切平均对待。主要的东西可以强调、夸张，要避免面面俱到，应有尽有。竭力描写自己最感兴趣的，最主要的东西，才能引人入胜，打动人心。

京剧表演家有三字诀，叫做“稳、准、狠”，狠就是要敢于强调最主要的东西，狠狠地表现，狠取决于艺术家的感情。艺术创作要像写情书那样充满感情。母亲的孩子如果被人杀害，她会咒骂一辈子，这是感情使然。艺术就怕搔不到痒处。

艺术家不仅表现所见，还要表现所知和所想（自己的全部经验和传统知识，以及根据客观事物发展规律的推想）。中国古代艺术家描写的《仙山楼阁图》，就是把最美的建筑放在最美的环境里，这是艺术家根据现实的想象，是现实主义和浪漫主义的结合。

山水画不是照片，也不是风景说明图，风景画要比自然更美，从来人们说“河山如画”而不说“画如山河”，要建筑师来参考我们所画的楼台亭阁。我有一枚图章，叫做“不与照相机争工”，画家比摄像师有更大的创造的自由，应该充分利用这个条件。

画家对着自然景物作画也是如此。风景写生也可以叫做“对景创作”，对象只是创作资料，并非全部，呼之即来，挥之即去，可以十分之七根据对象，十分之三根据画面本身需要，脱离真实不对，完全依靠真实也不对，艺术应比真实更高，更集中，更概括。

构图设计好了以后，可以先拣最感兴趣的最主要的东西画，一点点地加，一层层地加，加到适可而止。罗丹雕刻时就是在石头上逐渐地剥出一个人来，有时连手脚还没有剥出来，但感觉意境够了，就不再剥了。

不要把什么都表现得很清楚，譬如我话“巫山渡头”，两边虚中间清楚，画中主要的东西就突出了。清楚是为了表现最精彩，最要强调的，含蓄是为了表现丰富；光清楚不含蓄不耐看，光含蓄不清楚又软弱无力，要把两者很好地结合起来，含蓄是和一览无余相对立的。

画家要有这样的手段，一棵树可唱一出重头戏，深入观察，抓住细节，丰富它。相反，整座城市可以处理的很单纯，含蓄。单纯不等于简单，简单往往由于忽略细节，浮现掠影，观察不深入，深入观察房子也是有性格的。根据对象的特点，沿着对象的本质夸张，就付于了对象鲜明的个性，特点只能夸张，减弱了就平淡。

山水画要讲求明度，画前要明确最亮的地方在哪里，最黑的地方在哪里。要在整体中求明暗，局部无法决定明暗，明暗不完全取决于对象，更取决于主题。马思聪说我的画黑是为了亮，说得很对。

和对比相反的是“对吃”或“对消”，几种东西分量轻重一样，黑白明度一样，就达不到效果，画面无力的原因常常在于此，整体感是画家一辈子的事，为了把握整体，画面时切忌一个局部画完了，才画另一个局部，要整体地画，整体地加。

画山首先要看大的形式，再看大的转折，不要零碎，大的转折不清楚时，要仔细找出它的脉络来。画山要介于方圆之间，太圆会显得软。

树的关系是若接若离，画树点叶要含蓄，不能太清楚，要在清楚中包含不清楚，一片树的处理要介于具体与不具体之间，往往突出几棵主要的，会显得既生动又无尽的感觉。

远山远水远树的处理，越远越要小心经意，要在简单的笔墨里表现空间、距离，要有远的感觉，随便乱抹几笔不行的。爬大山的人物不要太正，太正就无神态。

层次

要深度需先画够，初学时宁过之勿不及

画好山水画，在技法上要过好两个关：线条和层次，层次关最难，因为山水画往往要表现几十里的空间，层次问题就显得特别突出，这个问题许多老国画家也没有解决，层次问题解决了才能达到深厚，没有一个大艺术家不追求深厚的。

艺术表现总是要求“够”，要求充分体现自己的感受，正如写文章的目的是为了充分地表达思想一样。剪裁、夸张、含蓄，提炼都只是一种手段，要深度需先画够，初学时宁过之勿不及，画够了再加层次，不要怕碎，但要避免花，在碎的基础上整理调子，整理的过程就是加层次，也是整理主从关系，要逐渐加，一遍一遍地加，不是完全重复，要像印刷上套网纹没套准似的，而且最好是七八分干时再加。

空间感要有意识强调，处理远近物体的关系要注意他们的交界处，略加强调地表现，不一定近浓远淡，要看对象和画面本身的需要，在艺术上，科学规律要服从艺术规律，使科学为艺术服务，不能因科学规律而损失艺术。

气氛

笔笔相生，笔笔相因

一幅画要笼罩着一种气氛，有了气氛画才能活起来。齐白石说：“笔笔相生，笔笔相因”也是为了一张画的气贯连，气贯连才有力，才能生动。画人并非画跑的人才生动，静止的就不生动，打盹也可以画的很生动，生动就是气要连贯。

中国水墨画从来讲究气氛。如说：“山中有龙蛇”，就是贯气，又说“苍茫之气”，“含烟带雨”，“挥毫落纸如云烟”，“试看笔从烟中过”等等，都含有这个意思。

山水画中留出适当的空白亦有助于气氛的表现。

色彩

宜单纯

色彩的意匠设计要决断，最怕犹豫不决。设计颜色一定要考虑到画面本身的艺术效果，不能完全根据客观对象。

水墨画的色彩宜单纯，变化不宜太大，经过设计突出一种调子作为基调，如尽量渲染夕阳的红，雨后的绿，别的色彩可以压低，需要浓的可以尽量浓，需要淡的可以尽量淡，总以烘托意境增强表现力为根据。

水墨画中墨是主要的，要画够，明暗、笔触都要在墨上解决，着色只是辅助，上色时必须调的多些，切忌枯干，老画家说要“水汪汪的”，才有润泽的效果。

笔墨

取决对象来创造

如能运用传统的现成的笔墨方法充分地表现对象当然好，如果没有现存的办法，就取决于对象来创造，画家如有自己对对象的深刻认识和真实的感情就会有所创造。

一幅山水画的笔调要统一，一幅画和一曲音乐一样，要有统一的旋律。一种表现方法是一种旋律，或是粗放，或是秀美。不能单纯根据对象，譬如画人物的用笔要和画风景的用笔要统一，远景和近景的用笔要统一，如果人物画的工细，山石的笔调又很粗放，就不协调。

有时候表现对象仅用一种笔法易于单调，如皴山、点叶，可以集中笔法掺和使用，但又要在多种笔法中求得统一。笔调色调本身就代表一种情调。情调不仅包括具体部分，也包括抽象部分，有人排斥抽象部分是不对的，抽象和具体相结合，情调就更鲜明突出。

中国画讲究骨法用笔，墨中也要见笔，不能“和泥”，画雨景也要求见笔，见笔才有力，反对“浮烟账墨”，有人把纸打湿再画画是不好的，中国画不像水彩，不能单靠烘染解决问题，要求画到百分之八十再烘染。用笔还要求苍柔相济，苍而不润则干枯，润而不苍则无力，元人画画很讲究干湿并用。

线的最基本原则是画得慢，留得住，每一笔要送到底，切忌飘，要控制得住。

线要一点一点地控制，控制到每一个点，古人说：“积点成线”、“屋漏痕”都是这个意思。只有这样画线，才能做到细微、完美的表现对象，在一条线里解决许多问题。否则只是粗略的表现，正如拉胡琴的要善于控制住弓子，奏出的音乐才有丰富的内容和感情。声乐家控制自己的声音也是一样。中国画家主要靠线条塑造形象，为了使任何一笔都富有表现力，力求每一笔都要代表更多的东西，就必须善于控制住线。同时，还要注意每一笔和整体发生联系。

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