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如何欣赏国画?

原创
2019-10-08  梧桐树边羽

汉朝始有国画之称。汉朝人自认居天地之中,所以自称“中国”,而中国的绘画即称为“中国画”,简称“国画”。 国画是中国几千年来传下来的璀璨艺术文化,是用毛笔在宣纸、绢帛之上作画,题材大多为山水、花鸟、人物。国画在内容和艺术创作上,体现了古人对自然、社会各方面的认知。

我们应该如何欣赏国画呢?大家是不是觉得非常高雅,非常好看却说不出所以然来?其实,古人早就在国画欣赏上做出了总结。

南齐谢赫的书《古画品录》,其中就提到:

气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。

这便是后人称之的国画欣赏的“六法”。

气韵生动

气韵,如同人的气质。一个满腹诗书的人和一个贩夫走卒给人的感觉,就是气质上的不同。而这种感觉用到国画的描述上,就是指的气韵。

作品的气韵灵动,反映的是作者的文化底蕴、审美倾向、创作激情,这绝不是技法上的学习可以造就的,也就是说两个气韵相同的画家,不论派别师承,出来的作品会给人相似的感觉。气韵正是作品的精髓,功夫不在技法,不在画中,而在生活。

一副好画的精气神,是作品综合气质对欣赏者的视觉和心理冲击。观赏者能够感受到作品的气势,或闲适,或冷峻,或放旷不羁,这些感受都来自对气韵的理解。

骨法用笔

用笔表现在技法上,就是勾勒、点染、皴笔,而晕染、泼墨则是融合“点线面”为一体的技法。

除了色彩之外,绘画的基本支撑,即点、线、面三术。传统国画最讲线条:“平、留、圆、重、变”五笔和“浓、淡、破、积(渍)、焦、宿”六墨,就是指线条的顿挫、疏密、快慢、浓淡、干湿、粗细、虚实的组合搭配。

线条运用技法有一个不可言说的标准,叫“纯熟”。纯熟还是生涩,即便外行也可以看出来,但是我们却无法标准化。

应物象形

这个就是指国画的内容了。我们知道国画分为工笔和写意,工笔者,笔法精致细密,讲究的是形像;写意者,笔法粗枝大叶,讲究的是神似。

但不论是工笔还是写意,国画都是以意为先。工笔画也是讲究的意会,有那样现实中的东西真的长成画里面那样?工笔画再像也不会像照片。因为底子还是神似,所以我们会了意,不自觉地忽略了这种差距,认为真像。实际上是画家抓住了事物的神韵并重现了出来。

国画应物象形的内涵是神似。

随类赋彩

国画中的用色,和“应物象形”一样,并不完全追求真实。画师们总能够通过色彩的运用来表现自己想突出表现的东西,给观赏者提示。淡雅、明艳、超然,都能够通过着色来表现。而水墨画里则以墨色的浓淡、深浅来表现。

经营位置

是指国画布局。和西方的画作比起来,国画的透视性差,是二维的,平面的。只有通过布局来营造旷远、高耸、深邃、宁静等往往需要用透视来表现的视觉效果。

这种手法是反自然的,却能给人艺术的观感和享受。比如《洛神图》、《韩熙载夜宴图》、《清明上河图》以及描绘皇家巡游的各种绘画作品,如果用透视法来表现,必将捉襟见肘,而国画的方法则显得游刃有余。

国画和诗词相同的地方,就在于经营位置里的留白。这是最能体现布局的功夫的,留白,能让观者看到没有画出的内容,以通过各自的想象里,获得各自不同的艺术感悟。

传移模写

这个是指国画的艺术技法的传承。国画作为一门传统艺术,对前人的学习和自身创新都非常重要。

“传”是传承,“移”是改进,“模”是学习,“写”是创新。

一个画家能不能把前人的技法灵活地运用到自己的画作里,那是要功夫和悟性的。而一个人的画毫无章法,则会被视为“瞎画”。

但是只会技法,没有个人风格,算不上好的作品。艺术讲究创新,不能给人新意,不能让人眼前一亮,那是“工匠之气”,永远称不了大家。

这种创新,必须以传统为基础,而不是凭空创造。

以上种种,需要我们长期的知识积累,加强我们的审美体验才能真正体会得到。这也是国画欣赏不简单的原因。

不懂国画的技法,不懂技法产生、发展的源流,是无法说出一幅画好在哪里,顶多只能说:“好看,我喜欢。”

这大都是出于一种直觉,也就是我们的六法之首的“气韵生动”,其实是我们感受到了画家的个人修养、价值倾向等内心素养的气质体现。

宋代文人画兴起之后,文化底蕴成为国画作品的精髓。

画者要有底蕴,欣赏者也不能缺少啊。

学识和修养的深浅,决定欣赏乐趣的多寡。

当然,就凭直觉欣赏也没什么问题。毕竟很多人的画作,凭直觉就不喜欢了,也就没必要从其他方面找到欣赏国画的乐趣。

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